Den røde skildpadde - Den animerede film

Gennem historien om en fortid på en øde tropisk ø befolket af skildpadder, krabber og fugle, fortæller den røde skildpadde de store stadier i et menneskes liv.
En bortkastet på en øde ø prøver desperat at flygte, indtil han en dag møder en underlig skildpadde, der vil ændre hans liv.

INTERVIEW MED DIREKTOR MICHAEL DUDOK DE WIT

Instruktør Michael Dudok de Wit

Blandt dine animerede shorts er mindst to blevet "kult". I 1996 modtog The Monk and the Fish, lavet i Folimage-studiet i Valenza, en Cesar og en Oscar-nominering. Derefter var det far og datters tur, der i 2001 blev hilst velkommen af ​​en lavine af vigtige priser (Annecy, Hiroshima osv.) Og en Oscar. En lille pige ser sin far forsvinde, og forældrenes hukommelse vil ledsage hende gennem hele sit liv. I dette tema udtrykker du en følelse, der er vanskelig at definere: "længsel" ...
Ja, det er en vanskelig følelse at definere, fordi det er subtilt, men jeg tror, ​​mange mennesker kender det. Det er en ambition mod noget, der synes utilgængeligt, et stort lydløst og dybtgående ønske. For en kunstner kan det betyde et ønske om perfektion, efter et ideal inden for musik, tegning, poesi ... Det er en smertefuld, men meget smuk mangel. Du kan ikke forestille dig, hvor mange meget rørende vidnesbyrd jeg har modtaget fra venner og endda fremmede. De sagde, at filmen fortæller dem om begivenheder, de selv har oplevet. Jeg var meget heldig, det blev en klassiker.

I 2004 tjente du i juryen på Hiroshima Festival. Var det ved den lejlighed, at du mødte Isao Takahata?
Faktisk havde vi en kort udveksling, han talte endda nogle få ord til mig på fransk. Han elsker fransk kultur. Og kort tid senere, mens jeg var på Seoul-festivalen, hvor jeg holdt et foredrag om mit arbejde foran et publikum af studerende, blev jeg overrasket over at se ham ankomme med en oversætter. Jeg troede, han kom bare for at sige hej, men nej, han deltog i hele konferencen! Måske tænkte han allerede på et professionelt samarbejde?

Derefter, i november 2006, får du uventet en e-mail fra Tokyo.
Med to spørgsmål. I den første spurgte Ghibli-museet mig, om jeg var enig i, at far og datter ville blive distribueret i Japan. I det andet, hvis jeg var interesseret i at arbejde med deres studio på en spillefilm efter min egen opfattelse ... Indtil det øjeblik havde jeg aldrig rigtig tænkt på spillefilmen. Nogle af mine venner, til hvilke der var givet vidunderlige løfter, var rejst til Californien og vendte tilbage skuffede efter at have set deres projekter omarbejdet af producenterne.
Men med Studio Ghibli er det anderledes. De fortalte mig, at vi ville arbejde under fransk lov og derfor respektere ophavsretten. De gav mig flere måneder til at skrive manuskriptet. Jeg dyrkede frøet til temaet for en mand på en ødeø, som i mellemtiden var blevet allestedsnærværende på tv, men det var et arketypisk koncept, som jeg stadig kunne lide. Men jeg ville ikke fortælle, hvordan en castaway formår at overleve, et aspekt, der allerede er blevet behandlet snesevis af gange. Jeg havde brug for noget mere. Af denne grund opholdt jeg mig på en lille ø i Seychellernes øhav, et navn, der er synonymt med luksusferie, hvilket gjorde et enklere valg og boede i ti dage hjemme hos en lokal. Jeg gik en tur alene, så mig omkring og tog tusinder af fotos. Jeg ville absolut undgå udseendet "feriebybrochure". Min castaway behøver ikke at blive forelsket i stedet, han vil for enhver pris vende tilbage til sit hjem, fordi øen ikke er særlig imødekommende, den udgør farer, den pålægger en tilstand af ekstrem ensomhed, det regner, der er insekter ...
Jeg begik den klassiske fejltagelse: mit manuskript var for detaljeret, og filmen ville have været for lang. Men grundlaget for historien var godt. I den næste fase, den animatiske, det er den meget forenklede version af filmen tegnet med stillbilleder uden bevægelser, opdagede jeg, at det på nogle punkter ikke ville være let at oversætte historien til et filmsprog. Der var knuder tilbage, som jeg ikke kunne løse. Derefter tilbød Pascal Caucheteux, producenten af ​​Why Not Productions, mig at møde Pascale Ferran. I løbet af flere måneder så vi hinanden regelmæssigt og diskuterede dybtgående filmen som helhed, da det var umuligt at ændre isolerede elementer uden at påvirke alt andet. Pascale hjalp mig med at identificere de kritiske problemer og gøre fortællingen klarere og mere skarp. Desuden er han meget glad for tanken om, at redigering i animerede film er gennemtænkt inden konstruktionen af ​​rammerne og har tilbudt adskillige gyldige bidrag til redigeringsfasen.

Et af temaerne er endnu en gang "længsel", denne ventetid på helten foran havet ... Men også den, som du, der er tidløs, "ude af tid". Det er til stede i alle dine film, vi opfatter det i sekvenserne på træerne, himlen, skyerne, fuglene, der cirkler ...
Ja, de er øjeblikke med stor renhed og enkelhed, som vi alle kender. Der er hverken fortid eller fremtid, tid eksisterer ikke længere.

Men tiden er også cirkulær. Generationer følger hinanden. Barnet udfører de samme bevægelser som sin far, overvinder de samme klipper, gennemgår de samme farer. Hos dyr er cyklussen anderledes: døde fisk fodrer fluerne, der spises af edderkoppen, krabben bæres væk af fuglen og så videre ...
Præcis. Filmen fortæller historien på en lineær og cirkulær måde og bruger tid til at tale om fraværet af tid, ligesom musik kan fremhæve stilhed. Det er en film, der også fortæller, at døden er en realitet. Mennesket har tendens til at bekæmpe døden, være bange for den, at kæmpe for at rydde den, og det er en meget sund og naturlig holdning. Alligevel kan du have en smuk intuitiv forståelse på samme tid, at vi er rene liv og ikke har brug for at modsætte os døden. Jeg håber, at filmen formidler denne følelse lidt.

Et andet vigtigt element er skildpaddens udseende, dens mystiske side ...
Ideen om at skabe en historie med en stor skildpadde kom ganske hurtigt. Vi havde brug for en imponerende og respekteret havdyr. Havskildpadden er ensom og fredelig og forsvinder i lange perioder i havets umådelighed. Det giver følelsen af ​​at være tæt på udødelighed. Dens dybe røde farve passer til den og skiller sig ud visuelt. Vi har længe tænkt på at bevare et vist niveau af mysterium i historien. I filmene fra Studio Ghibli udnyttes for eksempel tilstedeværelsen af ​​det mystiske element efter min mening meget godt. Det er klart, at mysteriet kan være storslået, men det behøver ikke at være så langt, at det løsner seeren fra historien. Det er vigtigt at generere det subtilt ... Og uden at bruge ord, da filmen er blottet for dialog. Det er meget let at forklare noget med en vittighed, men der er selvfølgelig andre måder. Jeg tænker især på karaktererne, musikken og redigeringen. Og i mangel af dialog bliver lyden af ​​karakterernes vejrtrækning naturligt mere udtryksfuld.

Lad os tale om den tekniske del. Hvis jeg forstår det rigtigt, har du opdaget digitalt hos Prima Linea Productions.
Det er så. Prima Linea er studiet - i Paris og Angoule ^ me - hvor hovedbesætningen og jeg lavede filmen. Under de første animationstest sluttede et andet hold filmen Loulou, den ufarlige hemmelighed ved hjælp af Cintiq, en digital grafisk pen, der giver dig mulighed for at tegne på en tablet, der er en computerskærm. Med dette værktøj kan du med det samme se animationsresultatet uden at skulle scanne hver tegning separat. Det er billigere og giver mulighed for mere kreativitet og mere kontrol over retouchering. Vi animerede to versioner af det samme skud, en med blyant på papir og en med denne digitale pen. Den grafiske pennestreg var smukkere og overbeviste os.
For miljøerne var processen anderledes. Tegningerne blev skabt på trækulpapir på en meget spontan måde med store bevægelser og gnidning med håndfladen. Dette håndlavede udseende var vigtigt og gav billedet en flot kornet struktur. Flåden og skildpadderne blev animeret digitalt separat. Det ville have været helvede at animere dem i 2D. Og da alt er afsluttet med den samme grafiske stil, er det ikke indlysende, at det er digitalt. Under produktionen fokuserede jeg ikke på animation eller scenografi, jeg lavede bare nogle mindre tweaks.

Hvordan blev musikken udtænkt?
Det er meget vigtigt, fordi der ikke er nogen dialoger. Jeg havde ikke en præcis idé orienteret mod en bestemt musikstil. Laurent Perez del Mar fremsatte adskillige forslag, herunder et med en meget smuk melodi, der var perfekt som det vigtigste musikalske tema, og jeg var tilfreds med det. På meget kort tid foreslog han musikstykker i øjeblikke, hvor jeg ikke ville have tænkt på at sætte dem, men han havde ret. Ja, meget ofte overraskede det mig.

Hvordan fandt møderne med Isao Takahata sted?
Der har faktisk været tre producenter fra starten: Isao Takahata og Toshio Suzuki, de to producenter af Studio Ghibli og Vincent Maraval fra Wild Bunch. Vi mødtes flere gange i Studio Ghibli, og så kom de to japanere til Frankrig. Under samtalerne var min udveksling primært med Takahata. Nogle gange talte vi om detaljerne, såsom karakterernes kostumer, men mere end noget andet diskuterede vi historien, symbolerne og de filosofiske aspekter, hvad filmen virkelig vil fortælle. Under nogle omstændigheder følte jeg vores kulturelle forskelle. For at give dig et eksempel er der på et præcist tidspunkt i historien et bål, og for ham havde ilden en symbolsk værdi lidt anderledes end den, jeg tilskriver den. Generelt var vi på samme side, heldigvis, og jeg fandt vores samtaler subtile og lidenskabelige. Han var meget involveret og har officiel anerkendelse som en "kunstproducent".

Hvor lang tid tog det at bygge?
I 2007 begyndte jeg at skrive manuskriptet og designe animationen, hvilket tog lang tid, fordi jeg indså, at historien ikke flyder. I mange år har jeg arbejdet utrætteligt, nogle gange alene, nogle gange med samarbejdspartnere, men jeg følte, at arbejdet tog lang tid. Og for dette må jeg takke mine producenter: De har altid beroliget mig og var ikke overraskede over, at det tog så lang tid, idet de specificerede, at den dyreste fase ville komme senere, og at det var bedre at starte produktionen fra en virkelig solid historie. Andre producenter ville have besluttet at løse historien i animationsfasen for ikke at spilde for meget tid. Jeg forstår dette valg, men med mig ville det have været for risikabelt. Produktionen begyndte i juli 2013 på Prima Linea i Angoule ^ me. Hele det kunstneriske aspekt blev sikret af Studio Ghibli, af Why Not og af Prima Linea, hvor jeg kunne stole på en fremragende hovedanimator, Jean Christophe Lie, direktøren for The Adventures of Zarafa. Han havde også en ægte filmskaberfølsomhed og var en af ​​filmens søjler.

pressekontor: Federica de Sanctis

.

Billeder fra filmen Den røde skildpadde

Dato: 20/03/2017

Video Den røde skildpadde

Alle navne, billeder og registrerede varemærker er underlagt copyright Prima Linea Productions, Why Not Productions, Wild Bunch, Studio Ghibli, CN4 Productions, Arte France Cin ma, Belvision og af de berettigede og bruges her udelukkende til kognitive og informative formål .

<< andre animerede film