La historia de los dibujos animados

La linterna mágica y otros inventos.
Cuando miramos una caricatura o una película de animación no nos damos cuenta de cuánto este tipo de películas que, aparentemente, podrían parecer de reciente invención, en cambio tienen un origen lejano. Los primeros ejemplos de dibujos animados son de hecho mucho más antiguos que los del cine tradicional y se remontan a finales del siglo XVII. Los primeros experimentos ópticos que prepararon el nacimiento de las películas animadas se remontan a 1600 cuando el jesuita y filósofo alemán Athanasius Kircher, según la tradición común, inventó la "linterna mágica", el primer ejemplo de un proyector de imágenes fijas. Gracias a su invento, fue posible proyectar pinturas y dibujos ampliados sobre vidrio transparente utilizando una fuente de luz como linternas de aceite o simples velas. La "linterna mágica" conquistó a todos y se extendió por todo el mundo en muy poco tiempo, desde entonces se inventaron muchas herramientas que conducirán al nacimiento oficial del cine de animación en 1675, con lo que se considera el primer "animador" de la historia. : Émile Reynaud con el “teatro óptico”.

Antes de llegar a esto, sin embargo, hubo otros inventos. La primera data de 1824 y se denominó taumatropo que se realizó a partir de una caricatura con un diseño en ambos lados que, al girar rápidamente, daba la impresión del movimiento de las figuras como en las caricaturas, debido a la superposición de los dibujos.

En 1831 se inventó el fenaquistiscopio que, en realidad, fue el resultado de la unión de 2 prototipos: el fantasma de Joseph Plateau y el estroboscopio de Simon von Stampler. El fenaquistiscopio constaba de 2 discos unidos, en un lado había un círculo de figuras similares dibujadas, mientras que en el otro había rendijas, bastaba rotarlo frente a un espejo con ayuda de un palo, para ver un pequeña secuencia de dibujos animados.

El camino, sin embargo, es todavía largo aunque en 1834 se da un importante paso adelante con la invención del zoótropo por William Horner, se trata de una máquina en forma de cilindro dentro de la cual había una tira de papel con de pequeños dibujos. El cilindro tenía pequeñas hendiduras, cada una de las cuales corresponde a uno de los dibujos y, así, mirando dentro de las hendiduras y girando el cilindro, fue posible observar una breve escena animada. La invención de Horner tuvo algunos defectos, porque las imágenes parecían más delgadas de lo que realmente eran, por lo que tuvimos que esperar a que Émile Reynaud inventara el praxinoscopio (1877) para resolver este problema.

Teatro óptico de Émile Reynaud
El invento de Reynaud tenía en su interior un prisma de espejos colocados en diferentes ángulos que, al reemplazar las ranuras, reflejaban las imágenes y permitían una visión más clara.
Antes del praxinoscopio, sin embargo, en 1868 se inventó el cineógrafo, una especie de librito con todas las páginas dibujadas y bastaba con hojearlo muy rápido para ver una secuencia animada. Finalmente, en 1892 llegó el Optical Theatre de Reynaud y, después de muchos experimentos, mejoró su último invento añadiendo tiras dibujadas más largas y un proyector para paredes. En realidad, este dispositivo se inventó 3 años antes, pero el brillante Reynaud lo mostró por primera vez en 1892 en París, donde hubo un espectáculo de imágenes en movimiento. Esto sucede 3 años antes de las proyecciones de Lumière, lo que convierte a Reynaud en el precursor del cine de animación.

La invención del cine
Quienes, sin embargo, son considerados los verdaderos inventores del cine son los hermanos franceses, empresarios de profesión pero aspirantes a directores por pasión. Auguste y Louis Lumière patentaron el primer proyector de películas en 1894, que actuó como cámara y proyector, eclipsando los inventos de todos sus predecesores. La máquina ya no funcionaba con tiras de papel dibujadas, sino con una película fotográfica real. Al año siguiente, en marzo de 1895, se rodó el primer documental realizado con esta máquina, titulado “La sortie des usines Lumière”; mientras que el primer espectáculo con público de pago tuvo lugar en París en diciembre siguiente. Recorrieron varias ciudades con su invento y sus proyecciones: desde "Le Repas de bébé" hasta "L'arrivée d'un train en gare de la Ciotat, pasando al primer ejemplo de" cine cómico "con la farsa" L'arroseur arrosé ". Viajaron de Londres a Nueva York, influyendo grande y rápidamente en la cultura y la sociedad de la época y conquistando a todos.

Los efectos especiales de Georges Jean Méliès
El cine de animación, sin embargo, tiene 3 padres, de hecho, además de los hermanos Lumiere, otro francés hizo una gran contribución: Georges Jean Méliès. El director e ilusionista puede ser considerado como el primer inventor de efectos especiales y también de muchas innovaciones narrativas y técnicas, como la edición que, según su biografía (quizás un poco demasiado ficticia) descubrió por casualidad. Las creaciones artísticas de Méliès se diferenciaban de las anteriores, porque contaban a través de los medios visibles y realistas del movimiento fotográfico, la realidad y los mundos fantásticos que antes solo se contaban en la literatura. Su principal objetivo no era tanto contar historias con una trama subyacente, sino asombrar al público con la creación de efectos especiales, que contaban historias increíbles e imposibles. En el espacio de veinte años que rodó muchas películas de este género, la más conocida es sin duda "Le Voyage dans la Lune", de 1902, que, como sus otras películas, es considerada el antepasado del cine de ciencia ficción; manoir du diable "de 1896 parece haber dado origen al género de terror. Hasta las vísperas de la Primera Guerra Mundial, el éxito del director francés fue lo suficientemente enorme como para influir en todos los demás.

La primera caricatura de Emile Cohl
Sin embargo, para la primera caricatura real moderna de la historia, tenemos que esperar hasta 1908 cuando el francés Emile Cohl dio vida al personaje de Fantôche, el pequeño payaso protagonista de “Fantasmagorie”. Este primer ejemplo de caricatura completa tuvo una duración corta, solo un par de minutos, pero el trabajo que había solicitado era largo y elaborado: unos 3 meses de trabajo. Consistía en 700 dibujos realizados en hoja blanca con tinta negra que se desarrollaban en negativo para crear el efecto pizarra, según una técnica que ya se había utilizado 2 años antes. Cohl, sin embargo, nunca presentó la patente de su invento, sino que siempre trabajó solo y esto, por supuesto, significó que fue superado por la tecnología estadounidense que se inspiró en sus creaciones durante su estadía en ese país. A pesar de su importante invento, murió en la miseria y sin el debido reconocimiento, aunque en los últimos años ha sido recordado en varias ocasiones: en 1988, año del 50 aniversario de su muerte, con una exposición en su honor en Montreal; y en algunas ocasiones en el Festival de Cine de Animación de Annecy. Emile Cohl hizo 300 películas en total.

Il Gato felix por Pat Sullivan
Evidentemente la historia del cine de dibujos animados y de animación, como podemos imaginar, no solo se desarrolla en Europa sino también en el exterior, también gracias a los periodos que los “nuevos directores europeos” pasaron en América. Y cuando hablamos de Estados Unidos y los dibujos animados, el nombre que inmediatamente viene a la mente es Walt Disney pero, en realidad, también hubo otros personajes que hicieron un importante aporte a este mundo mágico. En la producción estadounidense hay que recordar a 2 importantes protagonistas y sus obras (década de 20): Pat Sullivan con la serie "El gato FélixY los hermanos Max y Dave Fleischer con las series “Popeye the Sailor”, “Betty Boop”, “Ko-Ko”.
Característica de las producciones de estos directores fue la falta de sonido. Pat Sullivan tuvo una vida y una carrera bastante convulsa, no se perdió de nada: una polémica por la atribución de la caricatura "Félix el gato", 9 meses de prisión y finalmente, la muerte con tan solo 46 años de neumonía y alcoholismo. . De Australia llegó muy joven a América y empezó a trabajar como ayudante de otro animador. Después de algunas experiencias creativas (hizo dos historietas "Willing Waldo" y "Old Pop Perkins") y trabajando en otros estudios, en 1916 abrió su propio estudio y creó una caricatura, titulada "Sammy Johnsin", que ya había comenzado. trabajar años antes.
En 1919, finalmente, llegó la serie animada “Félix el gato”, que contaba la surrealista y divertida historia de un gatito negro que lucha con todo lo que puede pasar en la vida cotidiana. El gato apareció en "Feline Follies" que dio inicio a la serie Felix y el éxito de público fue enorme, tanto por la historia como por la calidad técnica empleada y Félix se convirtió en una verdadera estrella del mundo de los dibujos animados en los años del cine mudo. Incluso el público italiano lo conoció gracias al “Corriere dei Piccoli” que publicó sus aventuras, dándole, sin embargo, el nombre de Mio Mao.
Si bien Sullivan no tuvo que preocuparse porque su creación fue exitosa, por otro lado tuvo varios problemas ya que el animador de la serie, Otto Messmer, luego de su muerte reclamó la paternidad del gato. También hubo un llamamiento y aún hoy no se pudo establecer la verdad, de hecho algunos argumentan que la película de Sullivan de 1917, titulada "La cola de Thomas Kat", sería un prototipo de Félix y esto apoya la tesis de que él es el verdadero padre, ya que de hecho se ha demostrado que la letra de "Feline Follies" era suya y no de Messmer. Si todavía hay alguna duda sobre quién inventó realmente la serie, no hay duda de quién, en cambio, ha causó el declive, sin duda el dibujante australiano cuando, a fines de la década de 20 y con el éxito de Mickey Mouse cada vez mayor, se negó a agregar sonido e incluso interrumpió la serie. Tal vez lamentando, en 1930, anunció que se convertiría para sonar su personaje en 3 años, pero ya era demasiado tarde y la audiencia había olvidado a Félix.

Pulso y Betty Boop por Max Fleisher
Una vida más pacífica fue, sin embargo, Max Fleisher quien, junto con su hermano Dave, en 1914, inventó la técnica del rotoscopio. La invención fue patentada solo al año siguiente y garantizó una interpretación superior de la apariencia de los personajes y el efecto del movimiento. Las imágenes de la caricatura se fotografiaron primero y luego se proyectaron en un panel transparente, en este punto se trazaron los marcos dando una visión de estilo cómico pero altamente realista. Con esta técnica los 2 hermanos, de origen polaco, pero llegados a los Estados Unidos de América muy jóvenes, animaron a muchos personajes que se hicieron muy populares y que aún lo son hoy, como Betty Boop y Popeye (1930-1933). La serie en la que se utilizó principalmente el rotoscopio con resultados asombrosos para ese período fue "Out of the Inkwell", producida entre 1918 y 1929. La caricatura utilizó la llamada "técnica mixta", la técnica según la cual actores reales y personajes animados interactuar y "actuar" juntos.

En el caso de la serie producida por Max Fleisher, el protagonista principal es Koko the Clown, quien salió de un tintero o cobró vida después de ser dibujado en una hoja de papel e interactuar no solo con su diseñador, sino también con objetos y animales. El origen de Koko the Clown es bastante particular porque el prototipo que se utilizó para hacerlo fue Dave Fleischer, a quien su hermano había fotografiado vestido de payaso solo para probar su invento. La caricatura fue un gran éxito y sufrió varios cambios a lo largo de los años, cambiando a menudo el nombre del protagonista (al principio se llamó "El payaso", luego el payaso de Fleischer "y en 1923 Ko-Ko y tomó su aspecto final). para llegar a 1924 cuando su inventor introdujo una nueva serie pero, sobre todo, el uso del sonido.

Si "Out of the Inkwel" fue un gran éxito entre el público estadounidense, las verdaderas obras maestras de los hermanos Fleischer fueron personajes "humanos": la seductora Betty Boop, creada en 1930, y el fuerte Popeye (Popeye) que hizo la su primera aparición 3 años después, en 1933 en un cortometraje de Betty Boop. Este último fue una verdadera novedad para el público con su carga altamente erótica aunque mezclada y en parte templada por una gran auto-ironía. La vida cinematográfica de la chica de moda del período del jazz con sombreros cortos y vestidos escasos duró solo 9 años, de 1930 a 1939. Su carga seductora e irreverente, pero también el hecho de que claramente nos hizo pensar en una cantante popular de esos años. Helen Kane, por la voz infantil que tenía (tanto que en 1932 Kane demandó a Fleischer por explotar su imagen y personalidad, pero perderla), no le permitieron seguir siguiendo este estilo de representación. Entonces, en 1934, debido a las protestas del público conservador y la aplicación de un código de leyes que regía la producción cinematográfica en Estados Unidos, Betty Boop se vio obligada a usar ropa más casta y a ocuparse de las tareas del hogar y de los animales, perdiendo así, por supuesto. , su atractivo y el interés que despertaba, tanto que en 1939 se interrumpió la serie.

Sin embargo, el éxito comercial más significativo de Max Fleischer provino de las regalías sobre el personaje de Pulso, un éxito lo suficientemente grande y repentino como para competir inmediatamente con él Mickey Mouse. El personaje del marinero que come espinacas nació del lápiz del dibujante Elzie Crisler Segar y era un personaje sencillo de la serie originalmente llamada “The Thimble Theatre”, pero le gustó tanto que de inmediato se convirtió en el protagonista absoluto. Y el éxito de Popeye fue obviamente también el éxito de Fleischer que no se detuvo de todos modos sino que traspuso el cómic por superhombre en dibujos animados y, a pesar de los altos costos, incluso aquí tuvo una gran satisfacción. Algunas decisiones laborales equivocadas, como la falta de éxito de la película "Los viajes de Gulliver", el estallido de la Segunda Guerra Mundial y los desacuerdos con su hermano le hicieron perder el control de los estudios que había creado y de la productora Paramount a la que pasó. Columbia. Luego de otras experiencias, como la participación en la producción de películas educativas para el Ejército y la Marina de los Estados Unidos y la supervisión de 2 películas, Max en 1958, en sociedad con su ex animador Hal Seeger, produjo 100 nuevos episodios de “Out of the Inkwell ”en color y destinado a la televisión. Al mismo tiempo que Pat Sullivan y los hermanos Max y Dave Fleischer operaban otros animadores y directores estadounidenses que también realizaban series animadas de buena calidad.

Al Falfa de Paul Terry
En 1916, por ejemplo, el dibujante y director Paul Terry inventó el personaje de Al Falfa, un viejo granjero que fue protagonista de una serie de cortometrajes mudos titulada "Farmer Al Falfa". El personaje fue retomado varias veces por Terry quien hasta 1936 realizó varias películas que contaban las historias. Al Falfa, de carácter gruñón y solitario, tuvo éxito entre el público estadounidense hasta la llegada de “Felix the Cat” de Sullivan. También en esos años Universal Studios, una de las productoras cinematográficas más grandes de América, produjo 2 series animadas que conquistaron a los espectadores. A partir de 1940 produjo una caricatura muy exitosa: "Woody Woodpecker" y "Oswald the Lucky Rabbit". Las historias de este simpático pájaro carpintero, el mayor logro del ilustrador El italoamericano Walter Lantz, tanto que obtuvo 2 nominaciones al Oscar, la primera en 1944 como autor del mejor corto de animación y la segunda en 1949 a la mejor canción, continuó hasta 1972 con casi 200 episodios.

Los primeros dibujos animados de Walt Disney y Ub Iwerks
Anteriormente, en septiembre de 1927, Universal también había producido "Oswald the Lucky Rabbit" ("Oswald the Lucky Rabbit"), un personaje de dibujos animados creado por Walt Disney y Ub Iwerks. El conejo con sus aventuras se produjo hasta 1943 mientras que los cómics hasta los años 60. La pareja Walt Disney y Ub Iwerks fueron muy importantes para la historia del cine de animación, no solo trabajaron juntos sino que fueron grandes amigos y esta amistad se prolongó de por vida, interrumpida solo por unos años en los que, por desacuerdos, Iwerks dejó los estudios de su amigo para empezar los suyos propios, el “Estudio Iwerks”. Esto sucedió en 1930 cuando, junto con Walt, ya había creado el Mickey Mouse más famoso del mundo y muchos otros personajes del primer período de producción de Disney. Sin embargo, solo 6 años después, el “Iwerks Studio” tuvo que cerrar porque Disney y los personajes de Fleischer Studios, tenían lo mejor de las producciones de Ub. El talento de Iwerks para dibujar los personajes probablemente no fue suficiente para decretar su éxito, sin el apoyo de la mente creativa y emprendedora de Walt. Así que en 1940 volvieron a trabajar juntos y Uub en la década de 60 recibió 2 Oscar por sus innovadores inventos en la industria de la animación (1960 y 1965) y una nominación a los mejores efectos especiales por la película de Hitchcock "The Birds" (1964). ). Su creación más exitosa cuando trabajaba solo fue "Flip the Frog", una serie de dibujos animados cuyo protagonista se parecía a otros personajes en los que Iwerks ya había trabajado, como Mickey Mouse y Oswald, y que llegó distribuido por MGM desde 1930 hasta 1933.

Dibujos animados de MGM (Metro-Goldwyn-Mayer)
MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), una histórica compañía de producción cinematográfica privada estadounidense, se ocupó de la distribución de muchas series animadas, quizás la más famosa en todo el mundo es la de "Tom jerry". Las aventuras del gato y el ratón, nacidas de la ferviente imaginación de 2 talentosos animadores, William Hanna y Joseph Barbera, debutaron en 1940 y continuaron durante más de 20 años contando las divertidísimas historias de esta rivalidad entre el gato Tom y el ratón Jerry y divirtiéndose. generaciones de niños, pero también muchos adultos. El director y animador estadounidense Tex Avery también trabajó para los estudios de Metro-Goldwyn-Mayer e inventó el personaje de "Screwball" Screwy "Squirrel", que apareció en una serie de cortometrajes entre 1944 y 1946. El estilo de animación de Tex Avery era muy diferente al de Walt Disney; de hecho, su estilo de dirección, que inspiró a muchas productoras estadounidenses en las décadas de 40 y 50, no se apegó al realismo como el de Disney, sino Ted disfrutaba creando situaciones y escenas que eran imposibles de lograr en películas reales. Entre los otros personajes inventados por Avery están "Pato Lucas"Y"Bugs Bunny”, Protagonistas de la exitosa serie de dibujos animados distribuida por Warner Brothers. Personajes que han viajado por el mundo y cuyas historias son conocidas por todos. Y también, en los años 40, el personaje del sabueso, aparentemente no muy despierto pero que, en realidad, tiene una inteligencia muy desarrollada y refinada, llamada Droopy. Droopy tuvo un gran éxito a lo largo de la década de 50 y luego fue comprado y relanzado por el dúo de autores Hanna y Barbera. Tex Avery en MGM también creó dos osos tontos llamados George y Junior. Al igual que Screwy Squirrel, fueron abandonados después de aparecer en solo cuatro dibujos animados: Henpecked Hoboes (1946), Hound Hunters (1947), Red Hot Rangers (1947) y Half-Pint Pygmy (1948). Las caricaturas suelen seguir las desventuras de dos osos, George y Junior, inspirados en Men and Mice de John Steinbeck: George es el osito de mal genio (con la voz de Dick Nelson), mientras que Junior, el oso alto, es astuto (con la voz del propio Avery. ).

Las caricaturas de la UPA
Estos, sin embargo, no son los únicos dibujantes norteamericanos que han trabajado en este período de gran fermento del cine de animación, sin duda son los más conocidos y sus creaciones las más populares, pero hay muchos otros que han dado su aporte inventando personajes que aún conocemos. Estamos hablando de todos los animadores y técnicos que, saliendo de Disney tras una huelga, fundaron el estudio de animación United Productions of America, más conocido como UPA, en la década de 40. Los cortos animados más conocidos, entre los muchos productos, son "Señor magoo”, El personaje gruñón y miope, y Dìck Tracy, el policía incorruptible del Chicago de los años 30. El primero fue la creación de United Productions of America de mayor éxito. Mr. Magoo fue creado en 1949 por John Hubley y entre 53 y 1949 se realizaron un total de 1959 cortos. El segundo, sin embargo, hizo su primera aparición en octubre de 1931 y fue dibujado por el dibujante Chester Gold, convirtiéndose inmediatamente en un ejemplo al que se basaron todos los demás cómics sobre crímenes. El estilo de animación de la UPA se alejaba mucho del de Disney, que, como muchos otros estudios de aquellos años, intentaba en la medida de lo posible recrear el realismo cinematográfico en las películas de animación. En cambio, utilizaron fondos mucho menos realistas y figuras planas de dos dimensiones. Las técnicas e innovaciones de estos artistas fueron utilizadas por muchas otras productoras y, sobre todo, por muchos directores independientes y la técnica de animación limitada se utilizó mucho en los años 60 y 70. United Productions of America cerró sus puertas de forma permanente en 1964 y vendió su biblioteca de dibujos animados, aunque retuvo las licencias y derechos de autor de algunos personajes como el simpático Sr. Magoo. Sus personajes y series de dibujos animados han sido filmados por varios estudios, como Columbia Pictures para el que ya había producido muchos cortos animados.

Los primeros dibujos animados en Italia
Mientras tanto, llega desde nuestro país el primer largometraje europeo de animación, aunque anteriormente en 1926 se estrenaba otra película considerada la primera de la historia, “Las aventuras del príncipe Achmed” de Lotte Reiniger, directora y animadora alemana. La película italiana, en cambio, salió en 1949 y se tituló "La rosa de Bagdad", dirigida y producida por Anton Gino Domeneghini y, de hecho, incluso en Italia, la película compite por este récord con otra estrenada el mismo año, "Los hermanos Dinamite ”Producida por Nino Pagot. “La rosa di Bagdad” fue la primera película italiana en tecnicolor, duró 76 minutos y contó la historia del amor conflictivo entre Zelia, la hija del sultán, y el joven flautista de la corte, Amin. Amor frustrado por el pérfido y ambicioso visir Jafar que quiere casarse con la hija del sultán a toda costa para apoderarse del reino y para ello intenta eliminar a su rival. Sin embargo, como cualquier historia de amor que se precie, prevalecen los buenos sentimientos y gracias a la magia hay un final feliz y Zelia y Amin podrán unirse en matrimonio. Aunque la historia termina bien y la historia tiene un final feliz, "La Rosa de Bagdad" no tuvo mucho éxito en ese momento y fue más apreciada fuera de las fronteras italianas. Sin embargo, posteriormente fue reevaluado y restaurado con mucho cuidado.

Los primeros dibujos animados en Francia
Como hemos visto anteriormente, Francia fue la tierra de origen y en la que han trabajado varios animadores desde principios del siglo XX como Emile Cohl y su personaje Fantôche. Y es gracias al encuentro con Cohl que comienza a desarrollarse el genio creativo de otra importante personalidad, considerada el pionero de la caricatura francesa, Robert Lortac, quien en 900 abrió su casa de producción. Era un personaje ecléctico: escritor, pintor, crítico de arte, animador y en su estudio se conocieron muchos jóvenes con esta misma pasión y habilidad. Robert Lortac es una novela de ciencia ficción y entre los años 1919 y 50 escribió varios cómics para la editorial Artima. También en Francia operaron Ales y Jean Giaume, Benjamin Rabier, agente fiscal apasionado por el dibujo, y Omer Boucquey, el inventor de Choupinet. Rabier trabaja para varias editoriales y su interés se dirigió principalmente a representar animales casi como si fueran humanos, características de su estilo eran el humor y la línea precisa y limpia del dibujo. Hergè se inspiró en su álbum "Tintin Lutin" para el nombre de su personaje, el famoso Tintín. Toda su producción artística se volcó para representar animales e ilustrar libros para niños y en 1923 inventó el personaje del pato Gédéon, el protagonista de una exitosa serie de aventuras (desde "Gédéon deportista" a "Gédéon en Afrique" y "Gédéon atravesar l'Atlantique "). Boucquey, en cambio, logró el éxito con el personaje de Choupinet, nacido en 1938 durante una lección de inglés. Es un niño de sonrisa cautivadora, vestido con los mismos colores que la bandera francesa y protagonista de 2 dibujos animados, varios álbumes y cómics. Choupinet, después de la Segunda Guerra Mundial, también llegó al cine, en 1954 incluso se tradujo al árabe y 3 años después también se convirtió en un juguete con el que los niños podían jugar.

Las películas y Personajes de Walt Disney
Inevitablemente, sin embargo, cuando se trata de películas de animación, inmediatamente viene a la mente Walt Dìsney, quien a los 20 años demostró ser el mejor productor de esos años y ya en 1922 produjo cortometrajes animados inspirados en cuentos infantiles. Al año siguiente, junto a su amigo Ub Iwerks, produjo "Alice's Wonderland" y en este corto ya se encuentran muchos de los largometrajes de la futura serie que terminará en 1927 y que tuvo bastante éxito, como la técnica mixta y los mundos creados en sueño. De 1927, pues, es la nueva serie de animación "Oswald the Lucky Rabbit", de la que sin embargo Disney perdió los derechos hasta 2006. También en esos años apareció el personaje, quizás, el símbolo Mickey Mouse, siempre creado por la pareja Disney - Iwerks. , que debutó en un cortometraje mudo que, sin embargo, no obtuvo buena respuesta y así en 1928 se proyectó al público con gran éxito, "Steamboat Willie", también protagonizado por él, y fue la primera caricatura con sonido sin grabar. por Walt Disney. Gracias a la colaboración con Carl Stalling, creador de sonido para películas mudas, nació una nueva serie titulada "Silly Simphonies" que en 1932 presentó una novedad más: un episodio realizado íntegramente en color. Disney firmó un contrato con Technicolor para usar su sistema también para otros episodios. ratoncito Mickey permaneció en blanco y negro durante algunos años más. En 1934, sin embargo, el incansable Walt tuvo la idea de hacer el primer largometraje y decidió que se trataba de la historia de Blancanieves, inspirada en una película muda que había visto de niño. El estudio para realizar esta nueva aventura fue mucho y, finalmente, a pesar de toda desconfianza, en diciembre de 1937 llegó al cine ”Blanca Nieves y los Siete EnanosY el éxito fue enorme. Sin embargo, no tuvieron el mismo éxito, económicamente hablando ".Pinocho"Y" Fantasía ", ambos de 1940, y" Dumbo "y"Bambi", Respectivamente de 1941 y 1942, mientras que a finales de la década del 40 los estudios se recuperaron económicamente y prepararon los largometrajes"Alicia en el país de las Maravillas","nosotrosLas aventuras de Peter Pan"Y" Cenicienta ".

Las caricaturas de TV de Hanna y Barbera
Los fanáticos de los dibujos animados, entonces, no pueden olvidar a la prolífica pareja Hanna-Barbera que, desde 1956, año en que fundó la productora Hanna-Barbera Productions Inc., ha creado muchas series animadas. William Hanna y Joseph Barbera se conocieron por primera vez en 1938 en Metro-Goldwyn-Mayer donde durante muchos años realizaron la serie Tom jerry pero cuando MGM cerró el sector de la animación en 1956, los 2 comenzaron su propio negocio. El período en MGM, sin embargo, permaneció artísticamente como su mejor período, de hecho sus creaciones se distinguieron por la perfección del diseño, la originalidad de las historias y la alta calidad, sin embargo, con el paso de los años la cantidad de producción fue siempre Prefería más a la calidad en detrimento de las nuevas series que se volvían poco originales, tanto en la trama como en la realización de los personajes que en ocasiones aparecían muy parecidos en el diseño, estáticos y mal definidos. Hanna-Barbera Productions Inc. produjo muchos dibujos animados para televisión: el oso Yogi, Braccobaldo, Gli Antenati, solo para recordar algunos.

La llegada de los dibujos animados japoneses
Finalmente, un capítulo separado merece a Japón con su manga y anime. Por manga los japoneses entienden cualquier tipo de cómic de cualquier género y que cuenta una historia completa donde el protagonista tiene su propio desarrollo. El manga prefiere el movimiento al diálogo entre los personajes y, por tanto, hay un impacto visual más fuerte que en los dibujos animados occidentales y, además, los personajes son muy parecidos en apariencia física (ojos grandes, mucho pelo, etc.) y las figuras son muy estilizadas, mientras que los fondos siempre son ricos en detalles. Entre los muchos manga realizados mencionamos "Astro Boy", obra de Osamu Tezuka, mangaka tan famoso como para ser llamado el "dios del manga". Fue publicado en Japón de 1952 a 1968, dividido en 23 volúmenes, contaba la historia de Atom (Astro Boy es el nombre occidental), el niño robot con sentimientos humanos creado por el Dr. Temma tras la muerte de su hijo. Atom tiene una vida como la de todos sus compañeros pero lucha contra el mal para salvar la tierra. A partir de 1963 se hizo una serie animada que tenía las características del anime y llegó a Italia en los años 80. Astro Boy puede considerarse el primer anime televisivo en serie y también fue el primero de un género que tuvo mucho éxito en Japón, especialmente en los años 70 y 80, el dedicado a los robots. El anime se puede considerar la evolución televisiva o cinematográfica del manga, de hecho si un manga tiene un gran éxito es natural que tenga una transposición a una serie animada de televisión o cine.al estilo de “robottoni”, la serie de dibujos animados que contaba las historias de robots luchando contra los malos. Cualquiera que fuera un niño en los 80 no puede olvidar las aventuras de UFO Robo Grendizer, Great Mazinger, Mazinger Z o Jeeg Steel Robot que, aún hoy, son series inolvidables y de culto para los fanáticos del género.