La tortue rouge - Le film d'animation

À travers l'histoire d'un naufragé sur une île tropicale déserte peuplée de tortues, de crabes et d'oiseaux, La Tortue rouge raconte les grandes étapes de la vie d'un être humain.
Un naufragé sur une île déserte tente désespérément de s'échapper, jusqu'au jour où il rencontre une étrange tortue qui va changer sa vie.

ENTRETIEN AVEC LE DIRECTEUR MICHAEL DUDOK DE WIT

Réalisateur Michael Dudok de Wit

Parmi vos courts métrages animés, au moins deux sont devenus "cultes". En 1996, The Monk and the Fish, réalisé dans le studio Folimage de Valenza, a reçu un Ce´sar et une nomination aux Oscars. Puis ce fut le tour de Père et Fille qui, en 2001, fut accueilli par une avalanche de prix importants (Annecy, Hiroshima etc.) et un Oscar. Une petite fille voit son père disparaître et le souvenir du parent l'accompagnera tout au long de sa vie. Dans ce thème, vous exprimez un sentiment difficile à définir: le "désir" ...
Oui, c'est un sentiment difficile à définir car il est subtil, mais je pense qu'il y en a beaucoup qui le savent. C'est une aspiration vers quelque chose qui semble inaccessible, un grand désir silencieux et profond. Pour un artiste, cela peut signifier un désir de perfection, pour un idéal en musique, en dessin, en poésie ... C'est un manque douloureux mais très beau. Vous ne pouvez pas imaginer combien de témoignages très touchants j'ai reçus d'amis et même d'étrangers. Ils ont dit que le film leur raconte des événements qu'ils ont eux-mêmes vécus. J'ai eu beaucoup de chance, c'est devenu un classique.

En 2004, vous avez fait partie du jury du Festival d'Hiroshima. Est-ce à cette occasion que vous avez rencontré Isao Takahata?
En fait, nous avons eu un petit échange, il m'a même parlé quelques mots en français. Il aime la culture française. Et peu de temps après, alors que j'étais au Festival de Séoul où je donnais une conférence sur mon travail devant un public d'étudiants, j'ai été surpris de le voir arriver avec un traducteur. Je pensais qu'il venait juste de dire bonjour mais non, il a assisté à toute la conférence! Peut-être pensait-il déjà à une collaboration professionnelle?

Puis, en novembre 2006, vous recevez de manière inattendue un e-mail de Tokyo.
Avec deux questions. Dans le premier, le musée Ghibli m'a demandé si j'accepterais que Father and Daughter soit distribué au Japon. Dans le second, si j'étais intéressé à travailler avec leur studio sur un long métrage de ma propre conception ... Jusqu'à ce moment, je n'avais jamais vraiment pensé au long métrage. Certains de mes amis, à qui de belles promesses avaient été faites, étaient partis pour la Californie et étaient revenus déçus après avoir vu leurs projets retravaillés par les producteurs.
Mais avec le Studio Ghibli, c'est différent. Ils m'ont dit que nous travaillerions sous la loi française, donc dans le respect du droit d'auteur. Ils m'ont donné plusieurs mois pour écrire le scénario. Je cultivais la graine du thème d'un homme sur une île déserte, qui entre-temps était devenu omniprésent à la télévision, mais c'était un concept archétypal que j'aimais toujours. Mais je ne voulais pas dire comment un naufragé parvient à survivre, un aspect qui a déjà été traité des dizaines de fois. J'avais besoin de quelque chose de plus. Pour cette raison, je suis resté sur une petite île de l'archipel des Seychelles, un nom synonyme de vacances de luxe, faisant un choix plus simple, rester dix jours chez un local. Je suis allé me ​​promener seul, j'ai regardé autour de moi et j'ai pris des milliers de photos. Je voulais absolument éviter le look "brochure village vacances". Mon naufragé n'a pas à tomber amoureux du lieu, il veut à tout prix rentrer chez lui, car l'île n'est pas si accueillante, elle présente des dangers, elle impose une condition d'extrême solitude, il pleut, il y a des insectes ...
J'ai fait l'erreur classique: mon scénario était trop détaillé et le film aurait été trop long. Mais la base de l'histoire était bonne. Dans la phase suivante, celle de l'animatique, c'est-à-dire la version très simplifiée du film dessinée avec des images fixes, sans mouvements, j'ai découvert que dans certains endroits, il ne serait pas facile de traduire l'histoire dans un langage cinématographique. Il restait des nœuds que je ne pouvais pas dénouer. Puis Pascal Caucheteux, le producteur de Why Not Productions, m'a proposé de rencontrer Pascale Ferran. Au cours de plusieurs mois, nous nous sommes vus régulièrement et avons discuté en profondeur du film dans son ensemble, car il était impossible de changer des éléments isolés sans affecter tout le reste. Pascale m'a aidé à identifier les problèmes critiques et à rendre le récit plus clair et plus incisif. De plus, il aime l'idée que dans les films d'animation le montage est bien pensé avant la construction des cadres et a offert de nombreuses et valables contributions à la phase de montage.

Un des thèmes est encore une fois le "désir", cette attente du héros face à la mer ... Mais aussi celui que vous qui êtes intemporel, le "hors du temps". Elle est présente dans tous vos films, on la perçoit dans les séquences sur les arbres, le ciel, les nuages, les oiseaux qui tournent ...
Oui, ce sont des moments d'une grande pureté et simplicité, que chacun de nous connaît. Il n'y a ni passé ni futur, le temps n'existe plus.

Mais le temps est également circulaire. Les générations se succèdent. L'enfant fait les mêmes gestes que son père, surmonte les mêmes rochers, subit les mêmes dangers. Chez les animaux le cycle est différent: le poisson mort nourrit les mouches qui sont mangées par l'araignée, le crabe est emporté par l'oiseau et ainsi de suite ...
Exact. Le film raconte l'histoire de manière linéaire et circulaire et utilise le temps pour parler de l'absence de temps, un peu comme la musique peut mettre en évidence le silence. C'est un film qui raconte aussi que la mort est une réalité. L'être humain a tendance à combattre la mort, à en avoir peur, à se battre pour l'éliminer et c'est une attitude très saine et naturelle. Pourtant, vous pouvez avoir en même temps une belle compréhension intuitive que nous sommes la vie pure et que nous n'avons pas besoin de nous opposer à la mort. J'espère que le film transmet un peu ce sentiment.

Un autre élément essentiel est l'apparition de la tortue, son côté mystérieux ...
L'idée de créer une histoire avec une grande tortue est venue assez rapidement. Nous devions avoir une créature océanique impressionnante et respectée. La tortue de mer est solitaire et paisible et disparaît pendant de longues périodes dans l'immensité de l'océan. Cela donne le sentiment d'être proche de l'immortalité. Sa couleur rouge profond lui convient et se démarque visuellement. Nous avons longtemps pensé à garder un certain niveau de mystère dans l'histoire. Dans les films du Studio Ghibli, par exemple, la présence de l'élément mystérieux est très bien exploitée à mon avis. Il est clair que le mystère peut être magnifique, mais il ne doit pas être au point de détacher le spectateur de l'histoire. Il est important de le générer subtilement ... Et sans utiliser de mots, puisque le film est dépourvu de dialogue. C'est très facile d'expliquer quelque chose avec une blague, mais bien sûr, il existe d'autres moyens. Je pense notamment au comportement des personnages, à la musique et au montage. Et, en l'absence de dialogue, le son de la respiration des personnages devient naturellement plus expressif.

Parlons de la partie technique. Si je comprends bien, vous avez découvert le numérique chez Prima Linea Productions.
C'est ça. Prima Linea est le studio - à Paris et Angoule ^ moi - où l'équipe principale et moi avons réalisé le film. Lors des premiers tests d'animation, une autre équipe a terminé le film Loulou, l'incroyable secret à l'aide du Cintiq, un stylo graphique numérique qui permet de dessiner sur une tablette qui est un écran d'ordinateur. Avec cet outil, vous pouvez voir instantanément le résultat de l'animation sans avoir à numériser chaque dessin séparément. C'est moins cher et permet plus de créativité et plus de contrôle sur les retouches. Nous avons animé deux versions du même plan, une avec un crayon sur papier et une avec ce stylo numérique. Le trait de stylo graphique était plus beau et nous a convaincus.
Pour les environnements, le processus était différent. Les dessins ont été réalisés sur papier fusain, de manière très spontanée, avec de grands gestes et en frottant avec la paume de la main. Ce look artisanal était important et donnait une belle texture granuleuse à l'image. Le radeau et les tortues ont été animés numériquement séparément. Cela aurait été l'enfer de les animer en 2D. Et, puisque tout est finalisé avec le même style graphique, il n'est pas évident que ce soit numérique. Pendant la production, je ne me suis pas concentré sur l'animation ou la scénographie, j'ai juste fait quelques ajustements mineurs.

Comment la musique a-t-elle été conçue?
C'est très important car il n'y a pas de dialogues. Je n'avais pas d'idée précise orientée vers un style musical spécifique. Laurent Perez del Mar a fait de nombreuses propositions, dont une avec une très belle mélodie qui était parfaite comme thème principal et j'en étais content. En très peu de temps, il a proposé des pièces musicales dans des moments où je n'aurais pas pensé les mettre mais il avait raison. Oui, très souvent, cela m'a surpris.

Comment se sont déroulées les rencontres avec Isao Takahata?
Il y a eu en fait trois producteurs depuis le début: Isao Takahata et Toshio Suzuki, les deux producteurs du Studio Ghibli, et Vincent Maraval de Wild Bunch. Nous nous sommes rencontrés plusieurs fois au Studio Ghibli puis les deux japonais sont venus en France. Pendant les conversations, mes échanges se sont principalement déroulés avec Takahata. Parfois, nous parlions des détails, comme les costumes des personnages, mais plus que toute autre chose, nous avons discuté de l'histoire, des symboles et des aspects philosophiques, de ce que le film veut vraiment raconter. Dans certaines circonstances, j'ai ressenti nos différences culturelles. Pour vous donner un exemple, à un moment précis de l'histoire il y a un feu de joie et pour lui le feu avait une valeur symbolique un peu différente de celle que je lui attribue. En général, nous étions sur la même longueur d'onde, heureusement, et j'ai trouvé nos conversations subtiles et passionnées. Il était très impliqué et a un crédit officiel en tant que "producteur d'art".

Combien de temps a-t-il fallu pour construire?
En 2007, j'ai commencé à écrire le scénario et à concevoir l'animatique, ce qui a pris beaucoup de temps car j'ai réalisé que l'histoire ne coulait pas. Pendant de nombreuses années, j'ai travaillé sans relâche, parfois seul, parfois avec des collaborateurs, mais j'ai senti que le travail prenait du temps. Et pour cela je dois remercier mes producteurs: ils m'ont toujours rassuré et n'ont pas été surpris que cela prenne si longtemps, précisant que la phase la plus chère viendrait plus tard et qu'il valait mieux démarrer la production à partir d'une histoire vraiment solide. D'autres producteurs auraient décidé de résoudre l'histoire pendant la phase d'animation pour ne pas perdre trop de temps. Je comprends ce choix, mais avec moi cela aurait été trop risqué. La production a débuté en juillet 2013, chez Prima Linea, à Angoule ^ me. Tout l'aspect artistique a été assuré par le Studio Ghibli, par Why Not et par Prima Linea où j'ai pu compter sur un excellent animateur, Jean Christophe Lie, le réalisateur des Aventures de Zarafa. Il avait également une vraie sensibilité de cinéaste et était l'un des piliers du film.

bureau de presse: Federica de Sanctis

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Images du film The Red Turtle

Date: 20/03/2017

Vidéo La tortue rouge

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