L'histoire des dessins animés

La lanterne magique et autres inventions
Quand on regarde un dessin animé ou un film d'animation on ne se rend pas compte à quel point ce genre de films qui, apparemment, pourrait sembler inventé récemment, ont plutôt une origine lointaine. Les premiers exemples de dessins animés sont en fait beaucoup plus anciens que ceux du cinéma traditionnel et remontent à la fin des années 1600. Les premières expériences optiques qui préparèrent la naissance des films d'animation remontent à 1675 lorsque le jésuite et philosophe allemand Athanasius Kircher, selon la tradition commune, a inventé la "lanterne magique", le premier exemple d'un projecteur d'image fixe. Grâce à son invention, il était possible de projeter des peintures et des dessins agrandis sur du verre transparent à l'aide d'une source de lumière telle que des lanternes à huile ou de simples bougies. La "lanterne magique" a conquis tout le monde et s'est répandue dans le monde entier en très peu de temps, depuis lors de nombreux outils ont été inventés qui mèneront à la naissance officielle du cinéma d'animation en 1892, avec ce qui est considéré comme le premier "animateur" de l'histoire : Émile Reynaud avec le «théâtre optique».

Avant d'en arriver là, cependant, il y avait d'autres inventions. Le premier remonte à 1824 et s'appelait thaumatrope qui était réalisé à partir d'un dessin animé avec un dessin des deux côtés qui, lorsqu'il était tourné rapidement, donnait l'impression du mouvement des personnages comme dans les dessins animés, en raison du chevauchement des dessins.

En 1831, fut inventé le phénachistiscope qui, en réalité, était le résultat de l'union de 2 prototypes: le fantascope de Joseph Plateau et le stroboscope de Simon von Stampler. Le phénachistiscope se composait de 2 disques réunis, d'un côté il y avait un cercle de figures similaires, tandis que de l'autre il y avait des fentes, il suffisait de le faire tourner devant un miroir à l'aide d'un bâton, pour voir un petite séquence de dessin animé.

La route, cependant, est encore longue même si en 1834 un pas en avant significatif est fait avec l'invention du zootrope par William Horner, c'est une machine en forme de cylindre à l'intérieur de laquelle se trouvait une bande de papier avec de petits dessins. Le cylindre avait de petites fentes dont chacune correspond à l'un des dessins et, ainsi, en regardant dans les fentes et en tournant le cylindre, il était possible d'observer une courte scène animée. L'invention d'Horner avait quelques défauts, car les images semblaient plus minces qu'elles ne l'étaient réellement, nous avons donc dû attendre l'invention du praxinoscope par Émile Reynaud (1877) pour résoudre ce problème.

Théâtre d'optique d'Émile Reynaud
L'invention de Reynaud avait à l'intérieur un prisme de miroirs positionnés à différents angles qui, en remplaçant les fentes, reflétaient les images et permettaient une vision plus claire.
Avant le praxinoscope, cependant, en 1868, le cinéographe a été inventé, une sorte de petit livre avec toutes les pages dessinées et il suffisait de le feuilleter très rapidement pour voir une séquence animée. Enfin, en 1892, le Théâtre optique de Reynaud arrive et, après de nombreuses expériences, il améliore sa dernière invention en ajoutant des bandes dessinées plus longues et un projecteur pour les murs. En réalité, ce dispositif a été inventé 3 ans plus tôt mais le brillant Reynaud l'a montré pour la première fois en 1892 à Paris où il y avait un spectacle d'images en mouvement. Cela se passe 3 ans avant les projections Lumière, faisant de Reynaud le précurseur du cinéma d'animation.

L'invention du cinéma
Ceux qui sont pourtant considérés comme les vrais inventeurs du cinéma sont les frères français, entrepreneurs de profession mais réalisateurs en herbe par passion. Auguste et Louis Lumière ont breveté le premier projecteur de film en 1894, qui a agi à la fois comme une caméra et un projecteur, éclipsant les inventions de tous leurs prédécesseurs. La machine ne fonctionnait plus avec des bandes de papier dessinées, mais avec du vrai film photographique. L'année suivante, en mars 1895, le premier film documentaire réalisé avec cette machine est tourné et s'intitule «La sortie des usines Lumière»; tandis que le premier spectacle public payant a eu lieu à Paris en décembre suivant. Ils ont fait le tour de différentes villes avec leur invention et leurs projections: de "Le Repas de bébé" à "L'arrivée d'un train en gare de la Ciotat, en passant par le premier exemple de" film comique "avec la farce" L'arroseur arrosé ". Ils ont voyagé de Londres à New York, influençant grandement et rapidement la culture et la société de l'époque et conquérant tout le monde.

Les effets spéciaux de Georges Jean Méliès
Le cinéma d'animation a cependant 3 pères, en fait en plus des frères Lumière, un autre Français a apporté une grande contribution: Georges Jean Méliès. Le réalisateur et illusionniste peut être considéré comme le premier inventeur d'effets spéciaux mais aussi de nombreuses innovations narratives et techniques, comme le montage qu'il a découvert, selon sa biographie (peut-être un peu trop fictive), par hasard. Les créations artistiques de Méliès diffèrent des précédentes, car elles racontent à travers les moyens visibles et réalistes du mouvement photographique, la réalité et des mondes fantastiques qui auparavant n'étaient racontés que dans la littérature. Son objectif principal n'était pas tant de raconter des histoires avec une intrigue sous-jacente, mais d'étonner le public avec la création d'effets spéciaux, qui racontaient des histoires incroyables et impossibles. En l'espace de vingt ans, il a tourné de nombreux films de ce genre, le plus connu est certainement "Le Voyage dans la Lune", de 1902, qui, comme ses autres films, est considéré comme l'ancêtre des films de science-fiction; tandis que "Le Voyage dans la Lune" le manoir du diable "à partir de 1896 semble avoir donné naissance au genre de l'horreur. Jusqu'à la veille de la Première Guerre mondiale, le succès du réalisateur français fut suffisamment énorme pour influencer tous les autres.

Le premier dessin animé d'Emile Cohl
Pour le premier véritable dessin animé moderne de l'histoire, il faut cependant attendre 1908 lorsque le Français Emile Cohl donne vie au personnage de Fantôche, le petit clown protagoniste de «Fantasmagorie». Ce premier exemple de dessin animé complet avait une durée courte, seulement quelques minutes, mais le travail dont il avait besoin était long et élaboré: environ 3 mois de travail. Il se composait de 700 dessins réalisés sur feuille blanche à l'encre noire qui ont été développés en négatif pour créer l'effet tableau noir, selon une technique déjà utilisée 2 ans plus tôt. Cohl, cependant, n'a jamais déposé de brevet pour son invention, mais il a toujours travaillé seul et cela signifiait bien sûr qu'il était dépassé par la technologie américaine inspirée par ses créations lors de son séjour dans ce pays. Malgré son invention importante, il mourut dans la misère et sans reconnaissance, bien que ces dernières années on se soit souvenu à plusieurs reprises: en 1988, année du 50e anniversaire de sa mort, avec une exposition en son honneur à Montréal; et à certaines occasions au Festival du film d'animation d'Annecy. Emile Cohl a réalisé 300 films au total.

Il Félix chat par Pat Sullivan
Évidemment, l'histoire du cinéma d'animation et de dessin animé, comme on peut l'imaginer, ne se développe pas seulement en Europe mais aussi à l'étranger, également grâce aux périodes que les «nouveaux réalisateurs européens» ont passées en Amérique. Et quand on parle des États-Unis et des dessins animés, le nom qui vient immédiatement à l'esprit est Walt Disney mais, en réalité, il y avait aussi d'autres personnages qui ont apporté une contribution importante à ce monde magique. Dans la production américaine, nous devons nous souvenir de 2 protagonistes importants et de leurs œuvres (années 20): Pat Sullivan avec la série "Félix le chat»Et les frères Max et Dave Fleischer avec la série« Popeye the Sailor »,« Betty Boop »,« Ko-Ko ».
La caractéristique des productions de ces réalisateurs était le manque de son. Pat Sullivan a eu une vie et une carrière plutôt troublées, il n'a rien raté: une polémique pour l'attribution du dessin animé "Félix le Chat", 9 mois de prison et enfin, mort à seulement 46 ans de pneumonie et d'alcoolisme . D'Australie, il est arrivé très jeune en Amérique et a commencé à travailler comme assistant d'un autre animateur. Après quelques expériences créatives (il a réalisé deux bandes dessinées "Willing Waldo" et "Old Pop Perkins") et travaillé dans d'autres studios, il a ouvert en 1916 son propre studio et créé un dessin animé, intitulé "Sammy Johnsin", qu'il avait déjà commencé travailler des années auparavant.
En 1919, enfin, la série animée «Félix le chat» est arrivée, qui racontait l'histoire surréaliste et drôle d'un chaton noir aux prises avec tout ce qui peut arriver dans la vie quotidienne. Le chat est apparu dans "Feline Follies" qui a lancé la série Felix et le succès public a été énorme, à la fois grâce à l'histoire mais aussi grâce à la qualité technique utilisée et Félix est devenu une véritable star du monde du dessin animé dans les années du cinéma muet Même le public italien l'a connu grâce au «Corriere dei Piccoli» qui a publié ses aventures, lui donnant pourtant le nom de Mio Mao.
Si Sullivan n'a pas eu à s'inquiéter car sa création a réussi, en revanche il a eu plusieurs problèmes puisque l'animateur de la série, Otto Messmer, après sa mort a revendiqué la paternité du chat. Il y avait aussi un appel et même aujourd'hui, la vérité n'a pas pu être établie, en fait certains soutiennent que le film de Sullivan de 1917, intitulé "La queue de Thomas Kat", serait un prototype de Félix et cela soutient la thèse qu'il est le vrai père, car il a été démontré que l'écriture de "Feline Follies" était la sienne et non celle de Messmer. S'il y a encore un doute sur qui a vraiment inventé la série, il ne fait aucun doute a provoqué le déclin, certainement le caricaturiste australien quand, à la fin des années 20 et avec le succès toujours croissant de Mickey Mouse, il refusa d'ajouter du son et même interrompit la série. pour sonner son personnage dans les 1930 ans mais il était déjà trop tard et Félix avait été oublié du public.

Bras de fer et Betty Boop par Max Fleisher
Une vie plus paisible était, cependant, Max Fleisher qui, avec son frère Dave, en 1914, a inventé la technique du rotoscope. L'invention ne fut brevetée que l'année suivante et garantissait un rendu supérieur de l'apparence des personnages et de l'effet du mouvement. Les images du dessin animé ont d'abord été photographiées puis projetées sur un panneau transparent, à ce stade, les cadres ont été tracés pour donner une vision de style bande dessinée mais très réaliste. Avec cette technique les 2 frères, d'origine polonaise, mais arrivés très jeunes aux Etats-Unis d'Amérique, ont animé de nombreux personnages devenus très populaires et qui le sont encore aujourd'hui, comme Betty Boop et Popeye (1930-1933). La série dans laquelle le rotoscope a été principalement utilisé avec des résultats étonnants pour cette période était "Out of the Inkwell", produit de 1918 à 1929. Le dessin animé a utilisé la soi-disant "technique mixte", la technique selon laquelle de vrais acteurs et personnages animés pouvaient interagir et «agir» ensemble.

Dans le cas de la série produite par Max Fleisher, le principal protagoniste est Koko le clown, qui est sorti d'un encrier ou est né après avoir été dessiné sur une feuille de papier et interagi non seulement avec son créateur, mais aussi avec des objets et des animaux. L'origine de Koko le Clown est assez particulière car le prototype utilisé pour le fabriquer était Dave Fleischer, que son frère avait photographié habillé en clown juste pour essayer son invention. Le dessin animé a été un grand succès et a subi plusieurs changements au fil des ans, changeant souvent le nom du protagoniste (au début, il s'appelait "The Clown" puis Fleischer's Clown "et en 1923 Ko-Ko et a pris son apparence finale) jusqu'en 1924 lorsque son inventeur introduit une nouvelle série mais surtout l'utilisation du son.

Si "Out of the Inkwel" rencontra un grand succès auprès du public américain, les véritables chefs-d'œuvre des frères Fleischer furent des personnages "humains": la séduisante Betty Boop, créée en 1930, et le fort Popeye (Popeye) qui fit le sa première apparition 3 ans plus tard, en 1933 dans un court métrage de Betty Boop. Cette dernière était une vraie nouveauté pour le public avec sa charge hautement érotique même si mélangée et en partie tempérée par une grande auto-ironie. La vie cinématographique de la fille à la mode de la période jazz avec des chapeaux courts et des robes étroites n'a duré que 9 ans, de 1930 à 1939. Sa charge séduisante et irrévérencieuse, mais aussi le fait qu'elle nous a clairement fait penser à une chanteuse populaire de ces années, Helen Kane, pour la voix enfantine qu'elle avait (à tel point qu'en 1932 Kane a poursuivi Fleischer pour avoir exploité son image et sa personnalité, mais la perdant), ils ne lui ont pas permis de continuer à suivre ce style de représentation. Ainsi, en 1934, en raison des protestations du public conservateur et de l'application d'un code de lois régissant la production cinématographique en Amérique, Betty Boop a été forcée de porter des vêtements plus chastes et de s'occuper des tâches ménagères et animales, perdant ainsi, bien sûr. , son attrait et l'intérêt qu'il suscitait, à tel point qu'en 1939 la série fut interrompue.

Le succès le plus important sur le plan commercial pour Max Fleischer est cependant venu des redevances sur le personnage de Bras de fer, un succès qui a été énorme et assez soudain pour rivaliser immédiatement avec lui Mickey Mouse. Le personnage du marin qui mange des épinards est né du crayon du dessinateur Elzie Crisler Segar et était un personnage simple de la série initialement appelée «The Thimble Theatre», mais il l'aimait tellement qu'il en est immédiatement devenu le protagoniste absolu. Et le succès de Popeye était évidemment aussi le succès de Fleischer qui ne s'est pas arrêté de toute façon mais a transposé la bande dessinée par superman dans les dessins animés et, malgré les coûts élevés, même ici, il avait une grande satisfaction. Certains mauvais choix de carrière, comme le manque de succès du film "Les voyages de Gulliver", le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale et les désaccords avec son frère lui ont fait perdre le contrôle des studios qu'il avait créés et de la société de production Paramount qu'il passa Columbia. Après d'autres expériences, comme la participation à la production de films éducatifs pour l'armée et la marine américaines et la supervision de 2 films, Max en 1958, en partenariat avec son ancien animateur Hal Seeger, produit 100 nouveaux épisodes de «Out de l'encrier ”en couleur et destiné à la télévision. En même temps que Pat Sullivan et les frères Max et Dave Fleischer ont exploité d'autres animateurs et réalisateurs américains qui ont également réalisé des séries animées de bonne qualité.

Al Falfa par Paul Terry
En 1916, par exemple, le dessinateur et réalisateur Paul Terry a inventé le personnage d'Al Falfa, un vieux fermier qui était le protagoniste d'une série de courts métrages muets intitulée «Farmer Al Falfa». Le personnage a été repris à plusieurs reprises par Terry qui jusqu'en 1936 a réalisé plusieurs films qui racontaient les histoires. Al Falfa, au caractère grincheux et solitaire, a connu un succès auprès du public américain jusqu'à l'arrivée de «Felix the Cat» de Sullivan. Aussi au cours de ces années, Universal Studios, l'une des plus grandes maisons de production cinématographique d'Amérique, a produit 2 séries animées qui ont conquis les téléspectateurs. À partir de 1940, il réalise un dessin animé très réussi: "Woody Woodpecker" et "Oswald the Lucky Rabbit". Les histoires de ce joli pic, la plus grande réalisation de l'illustrateur L'italo-américain Walter Lantz, à tel point qu'il obtient 2 nominations aux Oscars, la première en 1944 comme auteur du meilleur court métrage d'animation et la seconde en 1949 pour la meilleure chanson, se poursuit jusqu'en 1972 avec près de 200 épisodes.

Les premiers dessins animés de Walt Disney et Ub Iwerks
Auparavant, en septembre 1927, Universal avait également produit «Oswald le lapin chanceux» («Oswald le lapin chanceux»), un personnage de dessin animé créé par Walt Disney et Ub Iwerks. Le lapin avec ses aventures a été produit jusqu'en 1943 tandis que la bande dessinée jusqu'aux années 60. Le couple Walt Disney et Ub Iwerks étaient très importants pour l'histoire du cinéma d'animation, ils ont non seulement travaillé ensemble mais étaient de grands amis et cette amitié a duré toute la vie, interrompue seulement pendant quelques années au cours desquelles, en raison de désaccords, Iwerks il quitte les études de son ami pour créer le sien, le «Iwerks Studio». Cela s'est produit en 1930 lorsque, avec Walt, il avait déjà créé le Mickey Mouse le plus célèbre au monde et de nombreux autres personnages de la première période de production de Disney. Seulement 6 ans plus tard, cependant, le «Iwerks Studio» a dû fermer parce que Disney et les personnages de Fleischer Studios avaient eu raison des productions d'Ub. Le talent d'Iwerks pour dessiner les personnages n'était probablement pas suffisant pour les réussir, sans le soutien de l'esprit créatif et entrepreneurial de Walt. Ainsi, en 1940, ils retournèrent travailler ensemble et Uub dans les années 60 reçut 2 Oscars pour ses inventions innovantes dans l'industrie de l'animation (1960 et 1965) et une nomination pour les meilleurs effets spéciaux pour le film de Hitchcock "The Birds" (1964 ). Sa création la plus réussie quand il travaillait seul était "Flip the Frog", une série de dessins animés dont le protagoniste ressemblait à d'autres personnages sur lesquels Iwerks avait déjà travaillé, comme Mickey Mouse et Oswald, et qui est venu distribué par MGM de 1930 à 1933.

Dessins animés de la MGM (Metro-Goldwyn-Mayer)
MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), une société de production cinématographique américaine privée historique, s'occupait de la distribution de nombreuses séries animées, peut-être la plus célèbre dans le monde est celle de "Tom et Jerry". Les aventures du chat et de la souris, nées de l'imagination fervente de 2 animateurs talentueux, William Hanna et Joseph Barbera, ont débuté en 1940 et se sont poursuivies pendant plus de 20 ans en racontant les histoires hilarantes de cette rivalité entre le chat Tom et la souris Jerry et s'amusant générations d'enfants mais aussi de nombreux adultes. Le réalisateur et animateur américain Tex Avery a également travaillé pour les studios de Metro-Goldwyn-Mayer et a inventé le personnage de "Screwball" Screwy "Squirrel" qui est apparu dans une série de courts métrages entre 1944 et 1946. . Le style d'animation de Tex Avery était très différent de celui de Walt Disney, en fait son style de mise en scène, qui a inspiré de nombreuses maisons de production américaines dans les années 40 et 50, ne restait pas fidèle au réalisme comme celui de Disney mais Ted aimait créer des situations et des scènes impossibles à réaliser dans de vrais films. Les autres personnages inventés par Avery incluent "Daffy Duck"Et"Bugs Bunny», Protagonistes de la série de dessins animés à succès distribuée par Warner Brothers. Des personnages qui ont parcouru le monde et dont les histoires sont connues de tous. Et aussi, dans les années 40, le personnage du chien, apparemment pas très éveillé mais qui, en réalité, a une intelligence très développée et raffinée, appelé Droopy. Droopy connut un grand succès tout au long des années 50 et fut ensuite racheté et relancé par le duo d'auteurs Hanna et Barbera. Tex Avery à MGM a également créé deux ours maladroits nommés George et Junior. Comme Screwy Squirrel, ils ont été abandonnés après être apparus dans seulement quatre dessins animés: Henpecked Hoboes (1946), Hound Hunters (1947), Red Hot Rangers (1947) et Half-Pint Pygmy (1948). Les dessins animés suivent généralement les mésaventures de deux ours George et Junior inspirés de Men and Mice de John Steinbeck: George est le petit ours au caractère colérique (exprimé par Dick Nelson), tandis que Junior le grand ours est un ours rusé (exprimé par Avery lui-même. ).

Les caricatures de l'UPA
Ce ne sont pourtant pas les seuls dessinateurs américains à avoir travaillé en cette période de grande agitation dans le cinéma d'animation, ce sont certainement les plus connus et leurs créations les plus appréciées, mais il y en a beaucoup d'autres qui ont apporté leur contribution en inventant personnages que nous connaissons encore. On parle de tous les animateurs et techniciens qui, quittant Disney suite à une grève, ont fondé le studio d'animation United Productions of America, mieux connu sous le nom d'UPA, dans les années 40. Les courts métrages d'animation les plus connus, parmi les nombreux produits, sont "M. Magoo», Le personnage grincheux myope et Dìck Tracy, le flic incorruptible des années 30 à Chicago. Le premier a été la création des Productions Unis d'Amérique les plus réussies. M. Magoo a été créé en 1949 par John Hubley et un total de 53 courts métrages ont été réalisés entre 1949 et 1959. Le deuxième, cependant, a fait sa première apparition en octobre 1931 et a été dessiné par le dessinateur Chester Gold, devenant rapidement un exemple auquel toutes les autres bandes dessinées de crime se sont inspirées. Le style d'animation de l'UPA était très éloigné de celui de Disney, qui, comme beaucoup d'autres studios de ces années, tentait autant que possible de recréer le réalisme cinématographique dans les films d'animation. Au lieu de cela, ils ont utilisé des arrière-plans beaucoup moins réalistes et des figures plates en deux dimensions. Les techniques et innovations de ces artistes ont été utilisées par de nombreuses autres maisons de production et, surtout, par de nombreux réalisateurs indépendants et la technique d'animation limitée a été beaucoup utilisée dans les années 60 et 70. United Productions of America a fermé ses portes définitivement en 1964 et a vendu sa bibliothèque de dessins animés tout en conservant les licences et les droits d'auteur sur certains personnages tels que le sympathique M. Magoo. Ses personnages et séries de dessins animés ont été filmés par différents studios, comme Columbia Pictures pour lequel il avait déjà produit de nombreux courts métrages d'animation.

Les premiers dessins animés en Italie
Pendant ce temps, le premier long métrage d'animation européen arrive de notre pays, même si auparavant en 1926 un autre film considéré comme le tout premier, «Les Aventures du prince Achmed» de Lotte Reiniger, réalisatrice et animatrice allemande, est sorti. Le film italien est sorti en 1949 et s'intitulait "La Rose de Bagdad", réalisé et produit par Anton Gino Domeneghini et, en réalité, même en Italie, le film est en compétition pour ce disque avec un autre sorti la même année, "Les frères Dinamite »Produit par Nino Pagot. «La rosa di Bagdad» fut le premier film italien en Technicolor, il dura 76 minutes et raconta l'histoire de l'amour opposé entre Zelia, la fille du sultan, et le jeune flûtiste de la cour, Amin. L'amour contrarié par le vizir perfide et ambitieux Jafar qui veut à tout prix épouser la fille du sultan pour s'emparer du royaume et pour cela il tente d'éliminer son rival. Comme toute histoire d'amour qui se respecte, cependant, les bons sentiments prévalent et grâce à la magie, il y a une fin heureuse et Zelia et Amin pourront se marier. Bien que l'histoire se termine bien et que l'histoire a une fin heureuse, "La Rose de Bagdad" n'a pas eu beaucoup de succès à l'époque et a été plus appréciée en dehors des frontières italiennes. Cependant, il a ensuite été réévalué et restauré avec beaucoup de soin.

Les premiers dessins animés en France
Comme nous l'avons vu précédemment, la France était la terre d'origine et dans laquelle divers animateurs ont travaillé depuis le début des années 900 comme Emile Cohl et son personnage Fantôche. Et c'est grâce à la rencontre avec Cohl que commence à se développer le génie créatif d'une autre personnalité importante, considérée comme le pionnier du dessin animé français, Robert Lortac, qui ouvrit en 1919 sa maison de production. C'était un personnage éclectique: écrivain, peintre, critique d'art, animateur et dans son atelier se rencontraient de nombreux jeunes avec cette même passion et cette même capacité. Robert Lortac sont des romans de science-fiction et entre les années 50 et 60, il a écrit plusieurs bandes dessinées pour la maison d'édition Artima. Toujours en France opèrent Alès et Jean Giaume, Benjamin Rabier, agent fiscal passionné de dessin, et Omer Boucquey, l'inventeur de Choupinet. Rabier travaille pour plusieurs éditeurs et son intérêt visait principalement à représenter des animaux presque comme s'ils étaient humains, les caractéristiques de son style étaient l'humour et la ligne précise et nette du dessin. Hergè s'est inspiré de son album "Tintin Lutin" pour le nom de son personnage, le célèbre Tintin. Toute sa production artistique se tourna vers la représentation d'animaux et pour illustrer des livres pour enfants et en 1923 il inventa le personnage du canard Gédéon, le protagoniste d'une série d'aventures à succès (de "Gédéon sportif" à "Gédéon en Afrique" et "Gédéon" traverser l'Atlantique "). Boucquey, quant à lui, réussit avec le personnage de Choupinet, né en 1938 lors d'un cours d'anglais. C'est un enfant au sourire captivant, habillé des mêmes couleurs que le drapeau français et le protagoniste de 2 dessins animés, plusieurs albums et bandes dessinées. Choupinet, après la Seconde Guerre mondiale, est également venu au cinéma, en 1954 il a même été traduit en arabe et 3 ans plus tard, il est également devenu un jouet avec lequel les enfants pouvaient jouer.

Les films et Personnages de Walt Disney
Inévitablement, cependant, quand il s'agit de films d'animation, Walt Dìsney vient immédiatement à l'esprit, qui à l'âge de 20 ans s'est avéré être le meilleur producteur de ces années et déjà en 1922 produit des courts métrages d'animation inspirés d'histoires pour enfants. L'année suivante, avec son ami Ub Iwerks, il produisit "Alice's Wonderland" et dans ce court métrage il y a déjà de nombreuses fonctionnalités de la future série qui se terminera en 1927 et qui connut un grand succès, comme les techniques mixtes et les mondes créés en rêver. En 1927, alors, est la nouvelle série d'animation "Oswald le lapin chanceux", dont cependant Disney a perdu les droits jusqu'en 2006. Aussi dans ces années est venu le personnage, peut-être, le symbole Mickey Mouse, toujours créé par le couple Disney-Iwerks. , qui a fait ses débuts dans un court métrage muet qui, cependant, n'a pas obtenu une bonne réponse et donc en 1928 il a été projeté au public, avec un grand succès, "Steamboat Willie", également avec lui, et a été le premier dessin animé avec un son non enregistré. par Walt Disney. Grâce à la collaboration avec Carl Stalling, créateur de son pour les films muets, une nouvelle série est née, «Silly Simphonies», qui en 1932 présente une innovation supplémentaire: un épisode entièrement en couleur. Disney a signé un contrat avec Technicolor pour utiliser son système pour d'autres épisodes également Mickey Mouse il est resté noir et blanc encore quelques années. En 1934, cependant, l'infatigable Walt eut l'idée de faire le premier long métrage et décida qu'il s'agissait de l'histoire de Blanche-Neige, inspirée d'un film muet qu'il avait vu enfant. L'étude pour mener à bien cette nouvelle aventure fut longue et, finalement, malgré toute hésitation, en décembre 1937 il arriva au cinéma "Blanche-Neige et les sept nains«Et le succès a été énorme. Cependant, ils n’ont pas eu le même succès, économiquement parlant ».Pinocchio"Et" Fantasia ", tous deux de 1940, et" Dumbo "et"Bambi", Respectivement de 1941 et 1942, alors qu'à la fin des années 40, les studios se rétablissaient économiquement et préparaient les longs métrages"Alice au pays des merveilles","Les aventures de Peter Pan"Et" Cendrillon ".

Les dessins animés télévisés de Hanna et Barbera
Les amateurs de dessins animés ne peuvent donc pas oublier le couple prolifique Hanna-Barbera qui, depuis 1956, année où il a fondé la société de production Hanna-Barbera Productions Inc., a créé de nombreuses séries animées. William Hanna et Joseph Barbera se sont rencontrés pour la première fois en 1938 à Metro-Goldwyn-Mayer où pendant de nombreuses années ils ont fait la série Tom & Jerry mais lorsque MGM a fermé le secteur de l'animation en 1956, les 2 ont lancé leur propre entreprise. La période à MGM, cependant, est restée artistiquement leur meilleure période, en fait leurs créations se distinguaient par la perfection du design, l'originalité des histoires et la haute qualité, cependant, au fil des années, la quantité de production était toujours plus préféré à la qualité au détriment de la nouvelle série qui est devenue peu originale, tant dans les intrigues que dans la réalisation des personnages qui semblaient parfois très similaires dans le design, statiques et mal définis. Hanna-Barbera Productions Inc. a produit de nombreux dessins animés pour la télévision: Yogi Bear, Braccobaldo, Gli Antenati pour n'en retenir que quelques-uns.

L'arrivée des dessins animés japonais
Enfin, un chapitre distinct mérite le Japon avec ses manga et anime. Par manga, les Japonais désignent tout type de bande dessinée de tout genre et qui raconte une histoire complète où le protagoniste a son propre développement. Le manga préfère le mouvement au dialogue entre les personnages et, ainsi, il y a un impact visuel plus fort que dans les dessins animés occidentaux et, de plus, les personnages sont très similaires en apparence physique (grands yeux, beaucoup de cheveux, etc.) et les personnages sont très stylisés, tandis que les fonds sont toujours riches en détails. Parmi les nombreux mangas faits on mentionne "Astro Boy", l'oeuvre d'Osamu Tezuka, mangaka si célèbre qu'on l'appelle le "dieu du manga". Il fut publié au Japon de 1952 à 1968, divisé en 23 volumes, il racontait l'histoire d'Atom (Astro Boy est le nom occidental), l'enfant robot aux sentiments humains créé par le Dr Temma après la mort de son fils. Atom a une vie comme tous ses pairs mais combat le mal pour sauver la terre. De 1963, il a été réalisé une série animée qui avait les caractéristiques de l'anime et est arrivé en Italie dans les années 80. Astro Boy peut être considéré comme le premier anime télévisé en série et a également été le premier d'un genre qui a eu beaucoup de succès au Japon, en particulier dans les années 70 et 80, celui dédié aux robots.L'anime peut être considéré comme l'évolution télévisuelle ou cinématographique du manga, en effet si un manga rencontre un grand succès il est naturel qu'il se transpose en série télévisée ou cinématographique animée.la veine de «robottoni», la série de dessins animés qui racontaient des histoires de robots luttant contre des méchants. Quiconque était un enfant dans les années 80 ne peut oublier les aventures de Goldorak, Great Mazinger, Mazinger Z ou Jeeg Steel Robot qui, encore aujourd'hui, sont des séries incontournables et cultes pour les fans du genre.