漫画やビデオゲームのキャラクターのアクションフィギュア

ミッキーマウスの例は象徴的です。1928年に生まれたミッキーマウスは、30年代初頭から商業製品に登場した最初のアニメーションキャラクターの一人です。ウォルト・ディズニーは、スクリーンの外でも生き生きと活躍できるキャラクターの可能性をすぐに理解しました。そこからライセンス文化が生まれ、それが先例となり、今日ではピクサー映画であれマーベルの新シリーズであれ、すべての新作にはミリ単位の商業戦略が伴うほどです。人形、Tシャツ、マグカップ、ゲーム、レゴセット、バックパック、ペン、コレクターズエディションなど、あらゆるものが物語と日常生活の接点となっています。

日本のアニメーションは、それと似たような道を歩んできましたが、その哲学はやや異なります。日本におけるキャラクターマーチャンダイジングの概念は、アニメの制作と経済的支援の中核を成しています。多くの場合、アニメシリーズは玩具、フィギュア、模型などのプロモーションを目的として存在します。ガンダムはその好例です。このフランチャイズは模型製作を基盤とした数十億ドル規模の産業を生み出し、メカデザインは日本のエンターテインメントにおける技術言語の一部となっています。ポケモン、ワンピース、ドラゴンボール、セーラームーンといったフランチャイズも同様で、新シリーズ、シーズン、周年ごとに、継続的かつ周期的にマーチャンダイジングラインを更新しています。

ディズニーのキャラクターは、事実上あらゆる製品分野に定着しています。『アナと雪の女王』から『トイ・ストーリー』、『スティッチ』から『カーズ』まで、それぞれの作品があらゆる年齢層を網羅するカタログへと変貌を遂げています。ディズニーは、子供向け製品、大人向けのコレクターズアイテム、ティーン向けのライフスタイルアイテム、ファッションブランドや家具ブランドとのコラボレーションなど、差別化された商品ラインを生み出すことに成功しています。例えば、ラウンジフライは、特定のキャラクターにインスパイアされた模様で装飾されたミニサイズのコレクション用バックパックです。ファンコは、似顔絵風のビニール製フィギュアを製造しており、あらゆるレベルのコレクターやファンが棚に飾るオブジェとなっています。

ビデオゲームの世界は、徐々にこのシステムに近づいてきました。80年代や90年代には、マーチャンダイジングは時折登場するガジェットや雑誌に限られていましたが、マリオ、ソニック、リンク、ララ・クロフトといった世界的アイコンの台頭により、状況は一変しました。特に任天堂は、公式ぬいぐるみから「スーパーニンテンドーワールド」のようなテーマパークまで、キャラクターを中心としたエコシステム全体を構築しました。フォートナイトやマインクラフトといった欧米のフランチャイズでさえ、アクションフィギュア、おもちゃの武器、テクニカルな衣類、ゲームアクセサリーをベースにした非常に強力なマーチャンダイジング戦略を展開しています。

マーベルとDCが牽引するスーパーヒーロー分野は、ポップカルチャーと市場の交差点における最も高い地点の一つです。それぞれのキャラクターがブランドとして存在し、それぞれの顧客層に向けた専用ラインが存在します。ハズブロ、マテル、ホットトイズ、サイドショウ、コトブキヤなど、これらのブランドは、可動式玩具から限定版の超リアルなスタチューまで、幅広いフィギュアを製造しています。大人のコレクターは、もはやビジネスの一部となっています。それは単なる「おもちゃ」ではなく、展示用、投資用、あるいはファンのアイデンティティと結びついたオブジェとして捉えられています。

マーチャンダイジングは、もはや新作の主人公ではなくなったキャラクターの保存と復活にも重要な役割を果たします。ルーニー・テューンズやハンナ・バーベラのキャラクターを思い浮かべてみてください。最近のアニメシリーズが放送されていないとしても、カプセルコレクション、ヴィンテージアイテム、復刻版、あるいはファッションブランドとのコラボレーションを通して、彼らは店頭に並び続けます。リバイバルには物理的な商品も関わってきます。トゥイーティーのペンケースやスクービー・ドゥーの帽子は、世代全体の集合的記憶を再び呼び起こす鍵となるかもしれません。

現代のマーチャンダイジングの成功の鍵となる要素は、モジュール化です。キャラクターはもはや「オリジナル」の姿でのみ存在するのではなく、テーマに沿った特別なバージョンへと進化します。例えば、ブラインドボックスでは、ハロウィン、サマー、クリスマスといったテーマ別シリーズにサプライズキャラクターが登場します。この仕組みは、コレクションやリピート購入を刺激します。ちびキャラ、スーパーデフォルメキャラ、ピクセルアート、カワイイバージョンでも同様です。それぞれの再解釈は、オリジナルコンテンツへの愛着が薄れた視聴者層でさえも、再び興味を喚起する手段となります。

マーチャンダイジングと文化的アイデンティティの繋がりはますます明確になっています。ピカチュウの絵が描かれたリュックを背負ったり、スパイダーマンのスウェットシャツを着ることは、単なる美的感覚ではなく、帰属意識の表明なのです。モノはファンの間で、識別、共有、そして認識のためのツールとなります。これは最近のコンテンツにも当てはまります。例えば、ブルーイは、シリーズの物語のトーンと一致する、綿密に研究された玩具シリーズのおかげで、幼児向け市場を急速に席巻しました。

デジタル統合によって、この分野はさらに拡大しました。今日では、マーチャンダイジングはNFT、ARフィルター、バーチャルアバターのスキン、そして物理的な製品の所有に紐づく限定コンテンツにまで広がっています。大企業は、実世界とデジタル世界の間に橋を架け、キャラクターとの感情的な繋がりを強めるハイブリッドな体験を提供しています。これは未来を見据えた戦略ですが、古くからある理念、つまり、私たちを夢見させてくれた空想の世界の一部を日常生活の中に持ちたいという願望から生まれたものです。

ミッキーマウスの例は象徴的です。1928年に生まれたミッキーマウスは、30年代初頭から商業製品に登場した最初のアニメーションキャラクターの一人です。ウォルト・ディズニーは、スクリーンの外でも生き生きと活躍できるキャラクターの可能性をすぐに理解しました。そこからライセンス文化が生まれ、それが先例となり、今日ではピクサー映画であれマーベルの新シリーズであれ、すべての新作にはミリ単位の商業戦略が伴うほどです。人形、Tシャツ、マグカップ、ゲーム、レゴセット、バックパック、ペン、コレクターズエディションなど、あらゆるものが物語と日常生活の接点となっています。

日本のアニメーションは、それと似たような道を歩んできましたが、その哲学はやや異なります。日本におけるキャラクターマーチャンダイジングの概念は、アニメの制作と経済的支援の中核を成しています。多くの場合、アニメシリーズは玩具、フィギュア、模型などのプロモーションを目的として存在します。ガンダムはその好例です。このフランチャイズは模型製作を基盤とした数十億ドル規模の産業を生み出し、メカデザインは日本のエンターテインメントにおける技術言語の一部となっています。ポケモン、ワンピース、ドラゴンボール、セーラームーンといったフランチャイズも同様で、新シリーズ、シーズン、周年ごとに、継続的かつ周期的にマーチャンダイジングラインを更新しています。

ディズニーのキャラクターは、事実上あらゆる製品分野に定着しています。『アナと雪の女王』から『トイ・ストーリー』、『スティッチ』から『カーズ』まで、それぞれの作品があらゆる年齢層を網羅するカタログへと変貌を遂げています。ディズニーは、子供向け製品、大人向けのコレクターズアイテム、ティーン向けのライフスタイルアイテム、ファッションブランドや家具ブランドとのコラボレーションなど、差別化された商品ラインを生み出すことに成功しています。例えば、ラウンジフライは、特定のキャラクターにインスパイアされた模様で装飾されたミニサイズのコレクション用バックパックです。ファンコは、似顔絵風のビニール製フィギュアを製造しており、あらゆるレベルのコレクターやファンが棚に飾るオブジェとなっています。

ビデオゲームの世界は、徐々にこのシステムに近づいてきました。80年代や90年代には、マーチャンダイジングは時折登場するガジェットや雑誌に限られていましたが、マリオ、ソニック、リンク、ララ・クロフトといった世界的アイコンの台頭により、状況は一変しました。特に任天堂は、公式ぬいぐるみから「スーパーニンテンドーワールド」のようなテーマパークまで、キャラクターを中心としたエコシステム全体を構築しました。フォートナイトやマインクラフトといった欧米のフランチャイズでさえ、アクションフィギュア、おもちゃの武器、テクニカルな衣類、ゲームアクセサリーをベースにした非常に強力なマーチャンダイジング戦略を展開しています。

マーベルとDCが牽引するスーパーヒーロー分野は、ポップカルチャーと市場の交差点における最も高い地点の一つです。それぞれのキャラクターがブランドとして存在し、それぞれの顧客層に向けた専用ラインが存在します。ハズブロ、マテル、ホットトイズ、サイドショウ、コトブキヤなど、これらのブランドは、可動式玩具から限定版の超リアルなスタチューまで、幅広いフィギュアを製造しています。大人のコレクターは、もはやビジネスの一部となっています。それは単なる「おもちゃ」ではなく、展示用、投資用、あるいはファンのアイデンティティと結びついたオブジェとして捉えられています。

マーチャンダイジングは、もはや新作の主人公ではなくなったキャラクターの保存と復活にも重要な役割を果たします。ルーニー・テューンズやハンナ・バーベラのキャラクターを思い浮かべてみてください。最近のアニメシリーズが放送されていないとしても、カプセルコレクション、ヴィンテージアイテム、復刻版、あるいはファッションブランドとのコラボレーションを通して、彼らは店頭に並び続けます。リバイバルには物理的な商品も関わってきます。トゥイーティーのペンケースやスクービー・ドゥーの帽子は、世代全体の集合的記憶を再び呼び起こす鍵となるかもしれません。

現代のマーチャンダイジングの成功の鍵となる要素は、モジュール化です。キャラクターはもはや「オリジナル」の姿でのみ存在するのではなく、テーマに沿った特別なバージョンへと進化します。例えば、ブラインドボックスでは、ハロウィン、サマー、クリスマスといったテーマ別シリーズにサプライズキャラクターが登場します。この仕組みは、コレクションやリピート購入を刺激します。ちびキャラ、スーパーデフォルメキャラ、ピクセルアート、カワイイバージョンでも同様です。それぞれの再解釈は、オリジナルコンテンツへの愛着が薄れた視聴者層でさえも、再び興味を喚起する手段となります。

マーチャンダイジングと文化的アイデンティティの繋がりはますます明確になっています。ピカチュウの絵が描かれたリュックを背負ったり、スパイダーマンのスウェットシャツを着ることは、単なる美的感覚ではなく、帰属意識の表明なのです。モノはファンの間で、識別、共有、そして認識のためのツールとなります。これは最近のコンテンツにも当てはまります。例えば、ブルーイは、シリーズの物語のトーンと一致する、綿密に研究された玩具シリーズのおかげで、幼児向け市場を急速に席巻しました。

デジタル統合によって、この分野はさらに拡大しました。今日では、マーチャンダイジングはNFT、ARフィルター、バーチャルアバターのスキン、そして物理的な製品の所有に紐づく限定コンテンツにまで広がっています。大企業は、実世界とデジタル世界の間に橋を架け、キャラクターとの感情的な繋がりを強めるハイブリッドな体験を提供しています。これは未来を見据えた戦略ですが、古くからある理念、つまり、私たちを夢見させてくれた空想の世界の一部を日常生活の中に持ちたいという願望から生まれたものです。

ミッキーマウスの例は象徴的です。1928年に生まれたミッキーマウスは、30年代初頭から商業製品に登場した最初のアニメーションキャラクターの一人です。ウォルト・ディズニーは、スクリーンの外でも生き生きと活躍できるキャラクターの可能性をすぐに理解しました。そこからライセンス文化が生まれ、それが先例となり、今日ではピクサー映画であれマーベルの新シリーズであれ、すべての新作にはミリ単位の商業戦略が伴うほどです。人形、Tシャツ、マグカップ、ゲーム、レゴセット、バックパック、ペン、コレクターズエディションなど、あらゆるものが物語と日常生活の接点となっています。

日本のアニメーションは、それと似たような道を歩んできましたが、その哲学はやや異なります。日本におけるキャラクターマーチャンダイジングの概念は、アニメの制作と経済的支援の中核を成しています。多くの場合、アニメシリーズは玩具、フィギュア、模型などのプロモーションを目的として存在します。ガンダムはその好例です。このフランチャイズは模型製作を基盤とした数十億ドル規模の産業を生み出し、メカデザインは日本のエンターテインメントにおける技術言語の一部となっています。ポケモン、ワンピース、ドラゴンボール、セーラームーンといったフランチャイズも同様で、新シリーズ、シーズン、周年ごとに、継続的かつ周期的にマーチャンダイジングラインを更新しています。

ディズニーのキャラクターは、事実上あらゆる製品分野に定着しています。『アナと雪の女王』から『トイ・ストーリー』、『スティッチ』から『カーズ』まで、それぞれの作品があらゆる年齢層を網羅するカタログへと変貌を遂げています。ディズニーは、子供向け製品、大人向けのコレクターズアイテム、ティーン向けのライフスタイルアイテム、ファッションブランドや家具ブランドとのコラボレーションなど、差別化された商品ラインを生み出すことに成功しています。例えば、ラウンジフライは、特定のキャラクターにインスパイアされた模様で装飾されたミニサイズのコレクション用バックパックです。ファンコは、似顔絵風のビニール製フィギュアを製造しており、あらゆるレベルのコレクターやファンが棚に飾るオブジェとなっています。

ビデオゲームの世界は、徐々にこのシステムに近づいてきました。80年代や90年代には、マーチャンダイジングは時折登場するガジェットや雑誌に限られていましたが、マリオ、ソニック、リンク、ララ・クロフトといった世界的アイコンの台頭により、状況は一変しました。特に任天堂は、公式ぬいぐるみから「スーパーニンテンドーワールド」のようなテーマパークまで、キャラクターを中心としたエコシステム全体を構築しました。フォートナイトやマインクラフトといった欧米のフランチャイズでさえ、アクションフィギュア、おもちゃの武器、テクニカルな衣類、ゲームアクセサリーをベースにした非常に強力なマーチャンダイジング戦略を展開しています。

マーベルとDCが牽引するスーパーヒーロー分野は、ポップカルチャーと市場の交差点における最も高い地点の一つです。それぞれのキャラクターがブランドとして存在し、それぞれの顧客層に向けた専用ラインが存在します。ハズブロ、マテル、ホットトイズ、サイドショウ、コトブキヤなど、これらのブランドは、可動式玩具から限定版の超リアルなスタチューまで、幅広いフィギュアを製造しています。大人のコレクターは、もはやビジネスの一部となっています。それは単なる「おもちゃ」ではなく、展示用、投資用、あるいはファンのアイデンティティと結びついたオブジェとして捉えられています。

マーチャンダイジングは、もはや新作の主人公ではなくなったキャラクターの保存と復活にも重要な役割を果たします。ルーニー・テューンズやハンナ・バーベラのキャラクターを思い浮かべてみてください。最近のアニメシリーズが放送されていないとしても、カプセルコレクション、ヴィンテージアイテム、復刻版、あるいはファッションブランドとのコラボレーションを通して、彼らは店頭に並び続けます。リバイバルには物理的な商品も関わってきます。トゥイーティーのペンケースやスクービー・ドゥーの帽子は、世代全体の集合的記憶を再び呼び起こす鍵となるかもしれません。

現代のマーチャンダイジングの成功の鍵となる要素は、モジュール化です。キャラクターはもはや「オリジナル」の姿でのみ存在するのではなく、テーマに沿った特別なバージョンへと進化します。例えば、ブラインドボックスでは、ハロウィン、サマー、クリスマスといったテーマ別シリーズにサプライズキャラクターが登場します。この仕組みは、コレクションやリピート購入を刺激します。ちびキャラ、スーパーデフォルメキャラ、ピクセルアート、カワイイバージョンでも同様です。それぞれの再解釈は、オリジナルコンテンツへの愛着が薄れた視聴者層でさえも、再び興味を喚起する手段となります。

マーチャンダイジングと文化的アイデンティティの繋がりはますます明確になっています。ピカチュウの絵が描かれたリュックを背負ったり、スパイダーマンのスウェットシャツを着ることは、単なる美的感覚ではなく、帰属意識の表明なのです。モノはファンの間で、識別、共有、そして認識のためのツールとなります。これは最近のコンテンツにも当てはまります。例えば、ブルーイは、シリーズの物語のトーンと一致する、綿密に研究された玩具シリーズのおかげで、幼児向け市場を急速に席巻しました。

デジタル統合によって、この分野はさらに拡大しました。今日では、マーチャンダイジングはNFT、ARフィルター、バーチャルアバターのスキン、そして物理的な製品の所有に紐づく限定コンテンツにまで広がっています。大企業は、実世界とデジタル世界の間に橋を架け、キャラクターとの感情的な繋がりを強めるハイブリッドな体験を提供しています。これは未来を見据えた戦略ですが、古くからある理念、つまり、私たちを夢見させてくれた空想の世界の一部を日常生活の中に持ちたいという願望から生まれたものです。