Den magiske lykten og andre oppfinnelser
Når vi ser på en tegneserie eller en animert film, skjønner vi ikke hvor mye denne typen filmer som tilsynelatende kan virke nylig oppfunnet, i stedet har en fjern opprinnelse. De første eksemplene på tegneserier er faktisk mye eldre enn tradisjonell kino og dateres tilbake til slutten av 1600-tallet. De første optiske eksperimentene som forberedte seg på fødselen av animasjonsfilmer dateres tilbake til 1675 da den tyske jesuitten og filosofen Athanasius Kircher, ifølge den vanlige tradisjonen, oppfant "magisk lantern", det første eksemplet på en stillbildeprojektor. Takket være oppfinnelsen var det mulig å projisere forstørrede malerier og tegninger på gjennomsiktig glass ved hjelp av en lyskilde som oljelykt eller enkle lys. Den "magiske lanternen" erobret alle og spredte seg over hele verden på veldig kort tid, siden den gang ble mange verktøy oppfunnet som vil føre til den offisielle fødselen av animasjonskino i 1892, med det som regnes som den første "animatoren" i historien. : Émile Reynaud med “optisk teater”.

Før vi kom til dette, var det imidlertid andre oppfinnelser. Den første dateres tilbake til 1824 og ble kalt thaumatrope, som ble laget av en tegneserie med et design på begge sider som, når det ble spunnet raskt, ga inntrykk av bevegelsen av figurene som i tegneserier, på grunn av tegningenes overlapp.

I 1831 ble fenakistiskopet oppfunnet, som i virkeligheten var resultatet av foreningen av to prototyper: Phantascope av Joseph Plateau og stroboskop av Simon von Stampler. Fenakistiskopet besto av 2 sammenføyde skiver, på den ene siden var det en sirkel av lignende figurer tegnet, mens det på den andre var spalter, det var nok å rotere den foran et speil ved hjelp av en pinne, for å se en liten tegneseriesekvens.

Veien er imidlertid fortsatt lang, selv om det i 1834 ble gjort et betydelig skritt fremover med oppfinnelsen av zoetropen av William Horner, det er en sylinderformet maskin der det var en papirstripe med av små tegninger. Sylinderen hadde små spalter som hver tilsvarer en av tegningene, og det var derfor mulig å se en kort animert scene når man så inn i sporene og snudde sylinderen. Horners oppfinnelse hadde noen feil, fordi bildene virket tynnere enn de faktisk var, så vi måtte vente på Émile Reynauds oppfinnelse av praxinoskopet (1877) for å løse dette problemet.

Émile Reynauds optiske teater
Reynauds oppfinnelse hadde inne i et prisme av speil plassert i forskjellige vinkler, som ved å bytte ut sporene reflekterte bildene og tillot et klarere syn.
Før praxinoskopet ble imidlertid kinografen oppfunnet i 1868, en slags liten bok med alle sidene tegnet, og det var nok å bla gjennom den veldig raskt for å se en animert sekvens. Til slutt, i 1892, ankom Reynauds optiske teater, og etter mange eksperimenter forbedret han sin siste oppfinnelse ved å legge til lengre tegnede striper og en projektor for vegger. I virkeligheten ble denne enheten oppfunnet 3 år tidligere, men den strålende Reynaud viste den for første gang i 1892 i Paris hvor det var et bevegelig bildeshow. Dette skjer 3 år før Lumière-visningene, noe som gjør Reynaud til forløperen for animasjonskino.

Oppfinnelsen av kinoen
De som imidlertid regnes som de sanne oppfinnerne av kinoen er de franske brødrene, gründere av yrke, men håper regissører av lidenskap. Auguste og Louis Lumière patenterte den første filmprojektoren i 1894, som fungerte både som et kamera og en projektor, og overskygget oppfinnelsene til alle sine forgjengere. Maskinen jobbet ikke lenger med tegnet papirstrimler, men med en ekte fotografisk film. Året etter, i mars 1895, ble den første dokumentarfilmen laget med denne maskinen skutt og fikk tittelen “La sortie des usines Lumière”; mens det første showet med et betalende publikum fant sted i Paris desember etter. De turnerte i forskjellige byer med sin oppfinnelse og sine fremskrivninger: fra "Le Repas de bébé" til "L'arrivée d'un train en gare de la Ciotat, og gikk videre til det første eksemplet på" tegneseriefilm "med farsen" L'arroseur arrosé ". De reiste fra London til New York, og påvirket i stor grad raskt datidens kultur og samfunn og erobret alle.

Spesialeffektene av Georges Jean Méliès
Animasjonskinoen har imidlertid 3 fedre, faktisk i tillegg til Lumiere-brødrene, ga en annen franskmann et stort bidrag: Georges Jean Méliès. Regissøren og illusjonisten kan betraktes som den første oppfinneren av spesialeffekter og også av mange fortellende og tekniske nyvinninger, som redigering som han ifølge biografien (kanskje litt for fiktiv) oppdaget ved en tilfeldighet. De kunstneriske kreasjonene til Méliès skilte seg fra de forrige, fordi de fortalte gjennom de synlige og realistiske virkemidlene til den fotografiske bevegelsen, virkeligheten og fantastiske verdener som før da bare hadde blitt fortalt i litteraturen. Hans hovedmål var ikke så mye å fortelle historier med et underliggende plot, men var å forbløffe publikum med å lage spesialeffekter, som fortalte utrolige og umulige historier. I løpet av omtrent tjue år skutt han mange filmer av denne sjangeren, den mest kjente er absolutt "Le Voyage dans la Lune", fra 1902, som i likhet med andre filmer regnes som forfedre til science fiction-filmer, mens "Le Voyage dans la Lune" manoir du diable "fra 1896 ser ut til å ha født horror-sjangeren. Fram til første verdenskrig var suksessen til den franske regissøren enorm nok til å påvirke alle de andre.

Emile Cohls første tegneserie
For den første virkelige moderne tegneserien i historien må vi imidlertid vente til 1908 da franske Emile Cohl ga liv til karakteren til Fantôche, den lille klovnhovedpersonen til "Fantasmagorie". Dette første eksemplet på en komplett tegneserie hadde en kort varighet, bare et par minutter, men arbeidet han hadde krevd var langt og forseggjort: omtrent 3 måneders arbeid. Den besto av 700 tegninger laget på hvitt ark med svart blekk som ble utviklet negativt for å skape tavleeffekten, ifølge en teknikk som allerede hadde blitt brukt 2 år tidligere. Cohl arkiverte imidlertid aldri patentet på oppfinnelsen, men han jobbet alltid alene, og dette betydde selvfølgelig at han ble forbigått av den amerikanske teknologien som ble inspirert av hans kreasjoner under oppholdet i det landet. Til tross for sin viktige oppfinnelse, døde han i elendighet og uten behørig anerkjennelse, selv om han de siste årene har blitt husket flere ganger: i 1988, året for 50-årsjubileet for hans død, med en utstilling til ære for ham i Montreal; og ved noen anledninger på Annecy Animation Film Festival. Emile Cohl laget 300 filmer totalt.

Il Felix katt av Pat Sullivan
Åpenbart utvikler historien til tegneserie- og animasjonskino, som vi kan forestille oss, ikke bare i Europa, men også utenlands, også takket være periodene de “nye europeiske regissørene” tilbrakte i Amerika. Og når vi snakker om USA og tegneserier, er navnet som umiddelbart kommer til å tenke på Walt Disney, men i virkeligheten var det også andre figurer som ga et viktig bidrag til denne magiske verdenen. I den amerikanske produksjonen må vi huske to viktige hovedpersoner og deres verk (2-tallet): Pat Sullivan med serien "Katten Felix”Og brødrene Max og Dave Fleischer med serien“ Popeye the Sailor ”,“ Betty Boop ”,“ Ko-Ko ”.
Karakteristisk for produksjonen til disse regissørene var mangelen på lyd. Pat Sullivan hadde et ganske urolig liv og karriere, han savnet ikke noe: en kontrovers for tilskrivingen av tegneserien "katten Felix", 9 måneder i fengsel og til slutt, død på bare 46 år med lungebetennelse og alkoholisme . Fra Australia ankom han i veldig ung alder i Amerika og begynte å jobbe som assistent for en annen animatør. Etter noen kreative opplevelser (han laget to tegneserier "Willing Waldo" og "Old Pop Perkins") og arbeidet i andre studioer, i 1916 åpnet han sitt eget studio og laget en tegneserie med tittelen "Sammy Johnsin", som han allerede hadde startet å jobbe år før.
I 1919 ankom til slutt den animerte serien "Felix the Cat", som fortalte den surrealistiske og morsomme historien om en svart kattunge som sliter med alt som kan skje i hverdagen. Katten dukket opp i "Feline Follies" som startet Felix-serien og publikums suksess var enorm, både takket være historien, men også takket være den tekniske kvaliteten som ble brukt, og Felix ble en ekte stjerne i tegneserieverdenen i årene med stille kino Selv den italienske offentligheten kjente ham takket være "Corriere dei Piccoli" som publiserte hans eventyr, og ga ham imidlertid navnet Mio Mao.
Mens Sullivan ikke trengte å bekymre seg fordi skapelsen hans var vellykket, hadde han derimot flere problemer siden animatøren av serien, Otto Messmer, etter hans død hevdet kattens farskap. Det var også en appell, og selv i dag kunne ikke sannheten fastslås, faktisk hevder noen at Sullivans film fra 1917, med tittelen "The Tail of Thomas Kat", ville være en prototype av Felix, og dette støtter oppgaven om at han er den virkelige faren, ettersom det er vist at håndskriften i "Feline Follies" var hans og ikke Messmer. Hvis det fremdeles er tvil om hvem som virkelig oppfant serien, er det ingen tvil om hvem i stedet gjorde forårsaket tilbakegangen, absolutt den australske tegneserieskaperen da han på slutten av 20-tallet og med suksessen til Mickey Mouse stadig økte, nektet å legge til lyd og til og med avbrøt serien. å høre karakteren sin innen 1930 år, men det var allerede for sent, og Felix hadde blitt glemt av publikum.

Håndbak og Betty Boop av Max Fleisher
Et mer fredelig liv var imidlertid Max Fleisher som sammen med broren Dave i 1914 oppfant rotoskopteknikken. Oppfinnelsen ble patentert først året etter og garanterte en overlegen gjengivelse av karakterenes utseende og effekten av bevegelsen. Bildene av tegneserien ble først fotografert og deretter projisert på et gjennomsiktig panel, på dette tidspunktet ble rammene sporet og ga en komisk stil, men svært realistisk visjon. Med denne teknikken animerte de to brødrene, av polsk opprinnelse, men som ankom USA veldig unge, mange karakterer som ble veldig populære og som fortsatt er i dag, som Betty Boop og Popeye (2-1930). Serien der rotoskopet hovedsakelig ble brukt med fantastiske resultater for den perioden var "Out of the Inkwell", produsert fra 1933 til 1918. Tegneserien brukte den såkalte "mixed technique", teknikken som virkelige skuespillere og animerte. karakterer kunne samhandle og "handle" sammen.

Når det gjelder serien produsert av Max Fleisher, er hovedpersonen Koko the Clown, som kom ut av en blekkhull eller kom til liv etter å ha blitt tegnet på et ark og samhandlet ikke bare med designeren sin, men også med gjenstander og dyr. Opprinnelsen til Koko the Clown er ganske spesiell fordi prototypen som ble brukt til å lage den var Dave Fleischer, som broren hans hadde fotografert kledd som en klovn bare for å prøve oppfinnelsen. Tegneserien var en stor suksess og gjennomgikk flere endringer opp gjennom årene, og endret ofte hovedpersonenes navn (først ble den kalt "Klovnen" og deretter Fleischers klovn "og i 1923 Ko-Ko og tok sitt endelige utseende) opp frem til 1924 da oppfinneren introduserte en ny serie, men fremfor alt bruk av lyd.

Hvis "Out of the Inkwel" var en stor suksess blant den amerikanske offentligheten, var Fleischer-brødrenes sanne mesterverk "menneskelige" karakterer: den forførende Betty Boop, skapt i 1930, og den sterke Popeye (Popeye) som gjorde sin første opptreden. 3 år senere, i 1933 i en kort av Betty Boop. Sistnevnte var en skikkelig nyhet for publikum med sin høyst erotiske ladning selv om det var blandet og delvis temperert av en stor selvironi. Det filmatiske livet til den fasjonable jenta fra jazzperioden med korte hatter og tynne kjoler varte bare i 9 år, fra 1930 til 1939. Hennes forførende og ærbødige ladning, men også det faktum at hun tydelig fikk en til å tenke på en populær sanger fra disse årene , Helen Kane, for den barnslige stemmen hun hadde (så mye at Kane i 1932 saksøkte Fleischer for å ha utnyttet hennes image og personlighet, men mistet det), tillot de henne ikke å fortsette å følge denne representasjonsstilen. Så i 1934, på grunn av protester fra den konservative offentligheten og anvendelsen av en lovkode som styrte filmproduksjon i Amerika, ble Betty Boop tvunget til å bruke mer kyske klær og ta seg av husholdnings- og dyrearbeid, og tapte dermed selvfølgelig .. dens appell og interessen den vekket, så mye at serien i 1939 ble avbrutt.

Den mest kommersielt betydningsfulle suksessen for Max Fleischer kom imidlertid fra royalties på karakteren av Håndbak, en suksess som var enorm og plutselig nok til å umiddelbart konkurrere med den Mikke Mus. Karakteren til sjømannen som spiser spinat ble født fra blyanten til tegneserieskaperen Elzie Crisler Segar og var en enkel karakter fra serien som opprinnelig ble kalt "The Thimble Theatre", men han likte det så godt at han umiddelbart ble den absolutte hovedpersonen. Og suksessen til Popeye var åpenbart også suksessen til Fleischer som ikke stoppet likevel, men transponerte tegneserien av Superman i tegneserier og til tross for de høye kostnadene, selv her hadde han stor tilfredshet. Noen feil jobbvalg, som manglende suksess med filmen "Gulliver's Travels", utbruddet av andre verdenskrig og uenighetene med broren hans fikk ham til å miste kontrollen over studioene han hadde skapt, og fra Paramount-produksjonsselskapet han gikk videre til Columbia. Etter andre erfaringer, som deltakelse i produksjonen av pedagogiske filmer for United States Army and Navy og tilsyn med to filmer, produserte Max i 2, i samarbeid med sin tidligere animatør Hal Seeger, 1958 nye episoder av "Out of the Inkwell ”i farge og beregnet på TV. Samtidig som Pat Sullivan og brødrene Max og Dave Fleischer opererte andre amerikanske animatører og regissører som også laget animerte serier av god kvalitet.

Al Falfa av Paul Terry
I 1916 oppfant for eksempel tegneren og regissøren Paul Terry karakteren til Al Falfa, en gammel bonde som var hovedpersonen i en serie tause kortfilmer med tittelen "Farmer Al Falfa". Karakteren ble gjentatt flere ganger av Terry som frem til 1936 laget flere filmer som fortalte historiene. Al Falfa, med en gretten og ensom karakter, var vellykket blant det amerikanske publikummet fram til ankomsten av Sullivans "Felix the Cat". Også i de årene produserte Universal Studios, et av de største filmproduksjonshusene i Amerika, 2 animerte serier som erobret seerne. Fra 1940 produserte han en meget vellykket tegneserie: "Woody Woodpecker" og "Oswald the Lucky Rabbit". Historiene om denne søte hakkespetten, illustratørens største prestasjon Den italiensk-amerikanske Walter Lantz, så mye at han oppnådde to Oscar-nominasjoner, den første i 2 som forfatter av den beste animerte korte og den andre i 1944 for den beste sangen, fortsatte til 1949 med nesten 1972 episoder.

De første tegneseriene av Walt Disney og Ub Iwerks
Tidligere i september 1927 hadde Universal også produsert "Oswald the Lucky Rabbit" ("Oswald the Lucky Rabbit"), en tegneseriefigur skapt av Walt Disney og Ub Iwerks. Kaninen med sine eventyr ble produsert til 1943 mens tegneseriene til 60-tallet. Ekteparet Walt Disney og Ub Iwerks var veldig viktige for historien til animasjonskino, de jobbet ikke bare sammen, men var gode venner, og dette vennskapet fortsatte livet ut, avbrutt bare i noen få år der Iwerks på grunn av uenighet han forlot kameratens studier for å starte sitt eget, Iwerks Studio. Dette skjedde i 1930 da han sammen med Walt allerede hadde skapt den mest berømte Mikke Musen i verden og mange andre karakterer fra den første Disney-produksjonsperioden. Bare 6 år senere måtte "Iwerks Studio" imidlertid stenge fordi Disney og karakterene til Fleischer Studios hadde det bedre med Ubs produksjoner. Iwerks talent for å tegne karakterene var sannsynligvis ikke nok til å bestemme suksessen uten støtte fra Walts kreative og gründerhode. Så i 1940 kom de tilbake for å jobbe sammen, og Uub på 60-tallet mottok 2 Oscar for sine innovative oppfinnelser i animasjonsindustrien (1960 og 1965) og en nominasjon for beste spesialeffekter for Hitchcocks film "The Birds" (1964). ). Hans mest vellykkede kreasjon da han jobbet alene var "Flip the Frog", en tegneserieserie hvis hovedperson lignet på andre figurer Iwerks allerede hadde jobbet med, som Mickey Mouse og Oswald, og som kom distribuert av MGM fra 1930 til 1933.

MGM-tegneserier (Metro-Goldwyn-Mayer)
MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), et historisk privat amerikansk filmproduksjonsselskap, handlet om distribusjon av mange animerte serier, kanskje den mest berømte over hele verden er den av "Tom og Jerry". Eventyrene til katten og musen, født fra den inderlige fantasien til 2 talentfulle animatører, William Hanna og Joseph Barbera, debuterte i 1940 og fortsatte i mer enn 20 år med å fortelle de morsomme historiene om denne rivaliseringen mellom katten Tom og musen Jerry og ha det gøy generasjoner av barn, men også mange voksne. Den amerikanske regissøren og animatøren Tex Avery jobbet også for studioene til Metro-Goldwyn-Mayer og oppfant karakteren til "Screwball" Screwy "Squirrel" som dukket opp i en serie kortfilmer mellom 1944 og 1946. Tex Averys animasjonsstil var veldig forskjellig fra Walt Disneys, faktisk hans regissjonsstil, som inspirerte mange amerikanske produksjonshus mellom 40- og 50-tallet, holdt seg ikke til realisme som Disneys, men Ted likte å lage situasjoner og scener som det var umulig å oppnå i ekte filmer. Andre figurer Avery oppfant inkluderer "Daffy Duck"Og"Snurre Sprett”, Hovedpersoner i den meget vellykkede tegneserieserien distribuert av Warner Brothers. Karakterer som har reist verden rundt og hvis historier er kjent for alle. Og også på 40-tallet, karakteren til hunden, tilsynelatende ikke veldig våken, men som i virkeligheten har en veldig utviklet og raffinert intelligens, kalt Droopy. Droopy hadde stor suksess gjennom hele 50-tallet og ble deretter kjøpt og relansert av forfatterparet Hanna og Barbera. Tex Avery på MGM opprettet også to tøffe bjørner kalt George og Junior. I likhet med Screwy Squirrel ble de forlatt etter å ha dukket opp i bare fire tegneserier: Henpecked Hoboes (1946), Hound Hunters (1947), Red Hot Rangers (1947) og Half-Pint Pygmy (1948). Tegneseriene følger vanligvis misforholdene til to bjørner George og Junior inspirert av John Steinbecks Menn og mus: George er den kortsiktige lille bjørnen (uttalt av Dick Nelson), mens Junior den høye bjørnen er en kløktig (uttalt av Avery selv. ).

Tegneseriene til UPA
Disse er imidlertid ikke de eneste amerikanske tegneserieskaperne som har jobbet i denne perioden med stor gjæring av animasjonskino, de er absolutt de mest kjente og deres kreasjoner de mest populære, men det er mange andre som har gitt sitt bidrag ved å oppfinne tegn vi fremdeles kjenner. Vi snakker om alle animatørene og teknikerne som, etter å ha forlatt Disney etter en streik, grunnla animasjonsstudioet United Productions of America, bedre kjent som UPA, på 40-tallet. De mest kjente animerte shortsene, blant de mange produktene, er "Mr. Magoo”, Den gretten kortsynte karakteren, og Dìck Tracy, den uforgjengelige politimannen fra 30-tallet Chicago. Den første var etableringen av de mest suksessrike United Productions of America. Mr. Magoo ble opprettet i 1949 av John Hubley, og totalt 53 shorts ble laget mellom 1949 og 1959. Den andre gjorde imidlertid sitt første opptreden i oktober 1931 og ble tegnet av tegneserieskaper Chester Gold, og ble umiddelbart en eksempel som alle andre krim tegneserier trakk. UPAs animasjonsstil var veldig langt fra Disney, som i likhet med mange andre studioer i de årene prøvde så mye som mulig å gjenskape filmrealisme i animasjonsfilmer. I stedet brukte de mye mindre realistiske bakgrunner og flate, todimensjonale figurer. Teknikkene og innovasjonene til disse kunstnerne ble brukt av mange andre produksjonshus og fremfor alt av mange uavhengige regissører, og den begrensede animasjonsteknikken ble brukt mye på 60- og 70-tallet. United Productions of America lukket dørene sine permanent i 1964 og solgte tegneseriebiblioteket, selv om det beholdt lisensene og opphavsretten til noen karakterer som den sympatiske Mr. Magoo. Karakterene og tegneserieseriene hans er filmet av ulike studioer, for eksempel Columbia Pictures som han allerede hadde produsert mange animerte shorts for.

De første tegneseriene i Italia
I mellomtiden kommer den første europeiske animerte spillefilmen fra vårt land, men tidligere i 1926 ble en annen film ansett som den første noensinne, "The Adventures of Prince Achmed" av Lotte Reiniger, tysk regissør og animatør. Den italienske filmen kom i stedet ut i 1949 og fikk tittelen "La rosa di Bagdad", regissert og produsert av Anton Gino Domeneghini, og faktisk, selv i Italia, kjemper filmen for denne platen med en annen utgitt samme år, "The Dinamite brothers ”Produsert av Nino Pagot. “La rosa di Bagdad” var den første italienske filmen i Technicolor, den varte i 76 minutter og fortalte historien om den motsatte kjærligheten mellom Zelia, sultandatteren, og den unge hofffløyten, Amin. Kjærlighet hindret av den glødende og ambisiøse visiren Jafar som for enhver pris ønsker å gifte seg med sultandatteren for å overta kongeriket, og for dette prøver han å eliminere sin rival. Som enhver kjærlighetshistorie som respekterer seg selv, hersker det gode følelser, og takket være magien er det en lykkelig slutt, og Zelia og Amin vil kunne inngå ekteskap. Selv om historien ender bra og historien har den lykkelige avslutningen "The Rose of Baghdad" var ikke veldig vellykket på den tiden og ble mer verdsatt utenfor de italienske grensene. Imidlertid ble den senere evaluert og restaurert med stor omhu.

De første tegneseriene i Frankrike
Som vi tidligere har sett, var Frankrike opprinnelseslandet og hvor forskjellige animatører har jobbet siden tidlig på 900-tallet, for eksempel Emile Cohl og hans karakter Fantôche. Og det er takket være møtet med Cohl at det kreative geniet til en annen viktig personlighet begynner å utvikle seg, ansett som pioner for den franske tegneserien, Robert Lortac, som i 1919 åpnet sitt produksjonshus. Han var en eklektisk karakter: forfatter, maler, kunstkritiker, animatør og i sitt studio møttes mange unge med samme lidenskap og evne. Robert Lortac er noen science fiction-romaner, og mellom 50- og 60-tallet skrev han flere tegneserier for Artima forlag. Også i Frankrike opererte Ales og Jean Giaume, Benjamin Rabier, skatteagent med en lidenskap for tegning, og Omer Boucquey, oppfinneren av Choupinet. Rabier arbeider for flere forlag, og hans interesse var hovedsakelig rettet mot å representere dyr nesten som om de var menneskelige. Karakteristikken ved stilen hans var humor og den presise og rene tegningen. Hergè ble inspirert av albumet "Tintin Lutin" for navnet på hans karakter, den berømte Tintin. All hans kunstneriske produksjon viste seg å representere dyr og illustrere barnebøker, og i 1923 oppfant han karakteren til anda Gédéon, hovedperson i en vellykket serie eventyr (fra "Gédéon sportsman" til "Gédéon en Afrique" og "Gédéon travers l'Atlantique "). Boucquey, derimot, oppnådde suksess med karakteren Choupinet, født i 1938 under en engelsktime. Han er et barn med et fengende smil, kledd i samme farger som det franske flagget og hovedpersonen i to tegneserier, flere album og tegneserier. Choupinet, etter andre verdenskrig, kom også på kino, i 2 ble det til og med oversatt til arabisk, og 1954 år senere ble det også et leketøy som barn kunne leke med.

Filmene og Walt Disney-figurer
Uansett kommer imidlertid Walt Dìsney umiddelbart til å tenke på animerte filmer, som i en alder av 20 år viste seg å være den beste produsenten av disse årene og allerede i 1922 produserte animerte kortfilmer inspirert av barnas historier. Året etter produserte han sammen med vennen Ub Iwerks "Alice's Wonderland", og i denne korte beskrivelsen er det allerede mange av funksjonene i den fremtidige serien som avsluttes i 1927 og som var ganske vellykket, som blandede medier og verdener skapt i drøm. I 1927 er altså den nye animasjonsserien "Oswald the Lucky Rabbit", som imidlertid Disney mistet rettighetene til 2006. Også i de årene kom karakteren, kanskje, symbolet Mickey Mouse, alltid skapt av Disney - Iwerks-paret. , som debuterte i en stille kortfilm som imidlertid ikke fikk god respons, og så i 1928 ble den vist for publikum, med stor suksess, "Steamboat Willie", med hovedrollen i ham, og var den første tegneserien med ikke registrert lyd. av Walt Disney. Takket være samarbeidet med Carl Stalling, skaper av lyd for stumfilmer, ble en ny serie født "Silly Simphonies" som i 1932 presenterte en ytterligere innovasjon: en episode laget helt i farger. Disney signerte en kontrakt med Technicolor om å bruke systemet deres også for andre episoder Mickey Mouse den forble svart og hvit i noen år til. I 1934 hadde imidlertid den utrettelige Walt ideen om å lage den første spillefilmen og bestemte seg for at det var historien om Snow White, inspirert av en stille film han hadde sett som barn. Studien for å realisere dette nye eventyret var mye, og til slutt, til tross for all mistillit, i desember 1937 ankom han kinoen "Snøhvit og de syv dvergene”Og suksessen var enorm. De hadde imidlertid ikke samme suksess, økonomisk sett, "Pinocchio"Og" Fantasia ", begge fra 1940, og" Dumbo "og"Bambi", Henholdsvis fra 1941 og 1942, mens studioene på slutten av 40-tallet kom seg økonomisk og forberedte spillefilmene"Alice i Eventyrland","Eventyrene til Peter Pan"Og" Askepott ".

TV-tegneseriene av Hanna & Barbera
Fans av tegneserier kan ikke glemme det produktive paret Hanna-Barbera som siden 1956, året da han grunnla produksjonsselskapet Hanna-Barbera Productions Inc., har laget mange animerte serier. William Hanna og Joseph Barbera møttes for første gang i 1938 på Metro-Goldwyn-Mayer hvor de i mange år laget serien Tom & Jerry men da MGM stengte animasjonssektoren i 1956, startet de to sin egen virksomhet. Perioden på MGM forble imidlertid kunstnerisk den beste perioden, faktisk ble kreasjonene deres preget av designens perfeksjon, historienes originalitet og den høye kvaliteten, men etter hvert som årene gikk var mengden produksjon alltid mer foretrukket enn kvaliteten til skade for den nye serien som ble uoriginal, både i plottene og i realiseringen av karakterene som noen ganger virket veldig like i design, statisk og dårlig definert. Hanna-Barbera Productions Inc. produserte mange tegneserier for TV: Yogi Bear, Braccobaldo, The Ancestors bare for å huske noen få.

Ankomsten av japanske tegneserier
Endelig fortjener et eget kapittel Japan med sitt manga og anime. Med manga mener japanerne enhver type tegneserier av hvilken som helst sjanger, og som forteller en komplett historie der hovedpersonen har sin egen utvikling. Mangaen foretrekker bevegelse fremfor dialog mellom karakterene, og det er dermed en sterkere visuell innvirkning enn i vestlige tegneserier, og dessuten er karakterene veldig like i fysisk utseende (store øyne, mye hår osv.) Og figurene er veldig stiliserte, mens kulissene alltid er rike på detaljer. Blant de mange mangaene som er laget, nevner vi "Astro Boy", arbeidet til Osamu Tezuka, mangaka så kjent som å bli kalt "manga-guden." Det ble utgitt i Japan fra 1952 til 1968, delt inn i 23 bind, det fortalte historien om Atom (Astro Boy er det vestlige navnet), robotbarnet med menneskelige følelser skapt av Dr. Temma etter sønnens død. Atom har et liv som alle sine jevnaldrende, men kjemper mot ondskapen for å redde jorden. Fra 1963 ble det laget en animasjonsserie som hadde karakteristikkene av anime og ankom Italia på 80-tallet. Astro Boy kan betraktes som den første serielle TV-anime og var også den første av en sjanger som var veldig vellykket i Japan, spesielt på 70- og 80-tallet, den som er dedikert til roboter. Anime kan betraktes som TV- eller filmutviklingen av manga. Faktisk, hvis en manga har stor suksess, er det naturlig at den har en transponering til en animert TV- eller filmserie.venen til “robottoni”, serien av tegneserier som fortalte historiene om roboter som kjemper mot skurkene. Alle som var barn på 80-tallet kan ikke glemme eventyrene til Goldrake, Great Mazinger, Mazinger Z eller Jeeg Steel Robot som fremdeles i dag er uforglemmelige og kult-serier for fans av sjangeren.