A lanterna mágica e outras invenções
Quando assistimos a um desenho animado ou a um filme de animação, não percebemos o quanto esse tipo de filme que, aparentemente, poderia parecer inventado recentemente, tem uma origem distante. Os primeiros exemplos de desenhos animados são, na verdade, muito mais antigos que os do cinema tradicional e datam do final dos anos 1600. As primeiras experiências ópticas que prepararam o nascimento dos filmes de animação datam de 1675, quando o jesuíta e filósofo alemão Athanasius Kircher, segundo a tradição comum, inventou a "lanterna mágica", o primeiro exemplo de um projetor de imagens estáticas. Graças à sua invenção, foi possível projetar pinturas e desenhos ampliados em vidro transparente a partir de uma fonte de luz como lanternas a óleo ou simples velas. A "lanterna mágica" conquistou a todos e se espalhou por todo o mundo em muito pouco tempo, desde então muitas ferramentas foram inventadas que levarão ao nascimento oficial do cinema de animação em 1892, com aquele que é considerado o primeiro "animador" da história : Émile Reynaud com o “teatro óptico”.

Antes de chegarmos a isso, no entanto, houve outras invenções. O primeiro data de 1824 e chamava-se taumatropo que era feito a partir de um desenho animado com um desenho nas duas faces que, quando girado rapidamente, dava a impressão de movimento das figuras como em desenhos animados, devido à sobreposição dos desenhos.

Em 1831, foi inventado o fenacistiscópio que, na realidade, era o resultado da união de 2 protótipos: o fantasma de Joseph Plateau e o estroboscópio de Simon von Stampler. O fenaquistiscópio era composto por 2 discos unidos, de um lado desenhava-se um círculo de figuras semelhantes, e do outro havia fendas, bastava girá-lo na frente de um espelho com o auxílio de um bastão, para ver um seqüência de pequenos desenhos animados.

O caminho, no entanto, ainda é longo, mesmo que em 1834 se dê um passo significativo com a invenção do zootrópio por William Horner, uma máquina cilíndrica dentro da qual havia uma tira de papel com de pequenos desenhos. O cilindro possuía pequenas fendas, cada uma correspondendo a um dos desenhos e, assim, olhando nas fendas e girando o cilindro, foi possível observar uma curta cena animada. A invenção de Horner tinha algumas falhas, porque as imagens pareciam mais finas do que realmente eram, então tivemos que esperar a invenção do praxinoscópio de Émile Reynaud (1877) para resolver esse problema.

Teatro óptico de Émile Reynaud
A invenção de Reynaud teve dentro de um prisma de espelhos posicionados em diferentes ângulos que, ao substituir as ranhuras, refletiam as imagens e permitiam uma visão mais clara.
Antes do praxinoscópio, porém, em 1868 foi inventado o cineógrafo, uma espécie de livrinho com todas as páginas desenhadas e bastava folheá-lo muito rapidamente para ver uma seqüência animada. Finalmente, em 1892, chegou o Teatro Óptico de Reynaud e, após muitos experimentos, ele aprimorou sua última invenção adicionando tiras mais longas e um projetor para paredes. Na realidade, este dispositivo foi inventado 3 anos antes, mas o brilhante Reynaud o mostrou pela primeira vez em 1892 em Paris, onde houve um show de imagens em movimento. Isso acontece 3 anos antes das exibições de Lumière, fazendo de Reynaud o precursor do cinema de animação.

A invenção do cinema
Aqueles que, no entanto, são considerados os verdadeiros inventores do cinema são os irmãos franceses, empresários de profissão mas aspirantes a realizadores por paixão. Auguste e Louis Lumière em 1894 patentearam o primeiro projetor de filme, que funcionava como uma câmera e um projetor ao mesmo tempo, ofuscando as invenções de todos os seus antecessores. A máquina não funcionava mais com tiras de papel desenhadas, mas com filme fotográfico real. No ano seguinte, em março de 1895, foi rodado o primeiro documentário realizado com esta máquina, intitulado “La sortie des usines Lumière”; enquanto o primeiro show com público pagante aconteceu em Paris no mês de dezembro seguinte. Percorreram várias cidades com suas invenções e projeções: de "Le Repas de bébé" a "L'arrivée d'un train en gare de la Ciotat, passando ao primeiro exemplo de" quadrinhos "com a farsa" L'arroseur arrosé ". Eles viajaram de Londres a Nova York, influenciando grande e rapidamente a cultura e a sociedade da época e conquistando a todos.

Os efeitos especiais de Georges Jean Méliès
O cinema de animação, porém, tem 3 pais, aliás, além dos irmãos Lumière, outro francês deu uma grande contribuição: Georges Jean Méliès. O realizador e ilusionista pode ser considerado o primeiro inventor dos efeitos especiais e também de muitas inovações narrativas e técnicas, como a montagem que, segundo a sua biografia (talvez um pouco ficcional demais), descobriu por acaso. As criações artísticas de Méliès diferiam das anteriores, pois contavam através dos meios visíveis e realistas do movimento fotográfico, a realidade e os mundos fantásticos que antes só eram contados na literatura. Seu principal objetivo não era tanto contar histórias com uma trama subjacente, mas sim surpreender o público com a criação de efeitos especiais, que contavam histórias incríveis e impossíveis. No espaço de cerca de vinte anos realizou muitos filmes do gênero, o mais conhecido certamente é "Le Voyage dans la Lune", de 1902, que, como seus outros filmes, é considerado o ancestral dos filmes de ficção científica; enquanto "Le Voyage dans la Lune" manoir du diable "de 1896 parece ter dado origem ao gênero terror. Até as vésperas da Primeira Guerra Mundial, o sucesso do diretor francês foi enorme o suficiente para influenciar todos os outros.

O primeiro desenho animado de Emile Cohl
Para o primeiro desenho animado moderno real da história, no entanto, temos que esperar até 1908, quando o francês Emile Cohl deu vida ao personagem de Fantôche, o pequeno palhaço protagonista de “Fantasmagorie”. Este primeiro exemplo de desenho animado completo teve uma duração curta, apenas alguns minutos, mas o trabalho que ele havia exigido era longo e elaborado: cerca de 3 meses de trabalho. Consistia em 700 desenhos feitos em folha branca com tinta preta que foram desenvolvidos em negativo para criar o efeito quadro-negro, de acordo com uma técnica já utilizada 2 anos antes. Cohl, porém, nunca depositou a patente de sua invenção, mas sempre trabalhou sozinho e isso, claro, fez com que fosse ultrapassado pela tecnologia americana que se inspirou em suas criações durante a estada naquele país. Apesar de sua importante invenção, ele morreu na miséria e sem o devido reconhecimento, embora nos últimos anos tenha sido lembrado várias vezes: em 1988, ano do 50º aniversário de sua morte, com uma exposição em sua homenagem em Montreal; e em algumas ocasiões no Festival de Cinema de Animação de Annecy. Emile Cohl fez 300 filmes no total.

Il Felix cat por Pat Sullivan
Obviamente, a história do cinema de cartoon e animação, como podemos imaginar, não se desenvolve apenas na Europa mas também no estrangeiro, também graças aos períodos que os “novos realizadores europeus” passaram na América. E quando falamos dos Estados Unidos e dos desenhos animados, o nome que imediatamente vem à mente é Walt Disney, mas, na verdade, também houve outros personagens que deram uma contribuição importante para este mundo mágico. Na produção americana, devemos lembrar 2 protagonistas importantes e suas obras (anos 20): Pat Sullivan com a série "Felix o gato”E os irmãos Max e Dave Fleischer com as séries“ Popeye the Sailor ”,“ Betty Boop ”,“ Ko-Ko ”.
Uma característica das produções desses diretores era a falta de som. Pat Sullivan teve uma vida e carreira bastante conturbada, não perdeu nada: uma polêmica pela atribuição do desenho animado "Felix o Gato", 9 meses de prisão e finalmente, morte com apenas 46 anos de pneumonia e alcoolismo . Da Austrália ele chegou muito jovem à América e começou a trabalhar como assistente de outro animador. Depois de algumas experiências criativas (fez duas histórias em quadrinhos "Willing Waldo" e "Old Pop Perkins") e trabalhando em outros estúdios, em 1916 abriu seu próprio estúdio e criou um desenho animado, intitulado "Sammy Johnsin", que já havia começado para trabalhar anos antes.
Em 1919, finalmente, chegou a série animada “Felix the Cat”, que contava a história surreal e divertida de um gatinho preto lutando com tudo que pode acontecer no dia a dia. O gato apareceu em "Feline Follies" que deu início à série Felix e o sucesso de público foi enorme, tanto graças à história como também à qualidade técnica utilizada e Felix tornou-se uma verdadeira estrela do mundo cartoon nos anos do cinema mudo Até o público italiano o conheceu graças ao “Corriere dei Piccoli” que publicou as suas aventuras, dando-lhe, porém, o nome de Mio Mao.
Enquanto Sullivan não precisava se preocupar com o sucesso de sua criação, por outro lado ele teve vários problemas já que o animador da série, Otto Messmer, após sua morte reivindicou a paternidade do gato. Houve também um apelo e ainda hoje a verdade não pôde ser estabelecida, de fato alguns argumentam que o filme de Sullivan de 1917, intitulado "The Tail of Thomas Kat", seria um protótipo de Félix e isso corrobora a tese de que ele é o verdadeiro pai, como de fato foi demonstrado que a caligrafia em "Feline Follies" era dele e não de Messmer. Se ainda há alguma dúvida sobre quem realmente inventou a série, não há dúvida de quem, em vez disso, causou o declínio, certamente o cartunista australiano quando, no final dos anos 20 e com o sucesso do Mickey Mouse cada vez maior, ele se recusou a adicionar som e até interrompeu a série. Talvez lamentando, em 1930, ele anunciou que se converteria para soar seu personagem dentro de 3 anos, mas já era tarde e Felix havia sido esquecido pelo público.

Queda de braço e Betty Boop por Max Fleisher
Uma vida mais tranquila foi, no entanto, Max Fleisher que, juntamente com seu irmão Dave, em 1914, inventou a técnica do rotoscópio. A invenção foi patenteada apenas no ano seguinte e garantiu uma renderização superior da aparência dos personagens e do efeito do movimento. As imagens do desenho animado foram primeiro fotografadas e depois projetadas em um painel transparente, neste ponto os quadros foram traçados dando uma visão em estilo cômico, mas altamente realista. Com esta técnica os 2 irmãos, de origem polonesa, mas que chegaram aos Estados Unidos da América muito jovens, animaram muitos personagens que se tornaram muito populares e que ainda são hoje, como Betty Boop e Popeye (1930-1933). A série em que o rotoscópio foi usado principalmente com resultados surpreendentes para aquele período foi "Out of the Inkwell", produzida de 1918 a 1929. O desenho usou a chamada "técnica mista", a técnica segundo a qual atores reais e desenhos animados personagens podiam interagir e "agir" juntos.

No caso da série produzida por Max Fleisher, o protagonista é Koko, o Palhaço, que saiu de um tinteiro ou ganhou vida depois de ser desenhado em uma folha de papel e interagiu não só com seu designer, mas também com objetos e animais. A origem de Koko, o Palhaço, é bastante particular porque o protótipo usado para fazê-lo foi Dave Fleischer, que seu irmão havia fotografado vestido de palhaço apenas para experimentar sua invenção. O desenho animado foi um grande sucesso e passou por várias mudanças ao longo dos anos, muitas vezes mudando o nome do protagonista (no início era chamado de "O Palhaço", depois o Palhaço de Fleischer "e em 1923 Ko-Ko assumiu sua aparência final) até até 1924 quando seu inventor introduziu uma nova série mas, acima de tudo, o uso do som.

Se "Out of the Inkwel" foi um grande sucesso entre o público americano, as verdadeiras obras-primas dos irmãos Fleischer foram personagens "humanos": a sedutora Betty Boop, criada em 1930, e o forte Popeye (Popeye) que fez sua primeira aparição 3 anos depois, em 1933 em um curta de Betty Boop. Este último foi uma verdadeira novidade para o público com sua carga altamente erótica mesmo que misturada e em parte temperada por uma grande auto-ironia. A vida cinematográfica da garota da moda do período do jazz com chapéus curtos e vestidos curtos durou apenas 9 anos, de 1930 a 1939. Sua carga sedutora e irreverente, mas também o fato de ela claramente fazer pensar em uma cantora popular daqueles anos , Helen Kane, pela voz infantil que tinha (tanto que em 1932 Kane processou Fleischer por explorar sua imagem e personalidade, mas perdê-la), não permitiram que ela continuasse seguindo esse estilo de representação. Assim, em 1934, devido aos protestos do público conservador e à aplicação de um código de leis que regia a produção cinematográfica na América, Betty Boop foi obrigada a usar roupas mais castas e a cuidar dos afazeres domésticos e animais, perdendo assim, é claro, . , seu apelo e o interesse que despertou, tanto que em 1939 a série foi interrompida.

O sucesso comercialmente mais significativo para Max Fleischer veio, no entanto, dos royalties sobre o personagem de Queda de braço, um sucesso que foi enorme e repentino o suficiente para competir imediatamente com ele Mickey Mouse. O personagem do marinheiro que come espinafre nasceu do lápis da cartunista Elzie Crisler Segar e era um personagem simples da série originalmente chamada “The Thimble Theatre”, mas gostou tanto que imediatamente se tornou o protagonista absoluto. E o sucesso de Popeye foi obviamente também o sucesso de Fleischer que não parou de qualquer maneira, mas transpôs o quadrinho por super-homem em desenhos animados e, apesar dos altos custos, mesmo aqui ele teve grande satisfação. Algumas escolhas erradas de trabalho, como o insucesso do filme "As Viagens de Gulliver", a eclosão da Segunda Guerra Mundial e os desentendimentos com o irmão o fizeram perder o controle dos estúdios que havia criado e da produtora Paramount que passou para Columbia. Após outras experiências, como a participação na produção de filmes educacionais para o Exército e a Marinha dos Estados Unidos e a supervisão de 2 filmes, Max em 1958, em parceria com seu ex-animador Hal Seeger, produziu 100 novos episódios de “Out do Inkwell ”em cores e destinado à TV. Ao mesmo tempo que Pat Sullivan e os irmãos Max e Dave Fleischer trabalharam outros animadores e diretores americanos que também fizeram séries animadas de boa qualidade.

Al Falfa de Paul Terry
Em 1916, por exemplo, o cartunista e diretor Paul Terry inventou o personagem de Al Falfa, um velho fazendeiro que foi o protagonista de uma série de curtas mudos intitulada "Farmer Al Falfa". O personagem foi retomado várias vezes por Terry que até 1936 fez vários filmes que contavam as histórias. Al Falfa, de caráter rabugento e solitário, fazia sucesso entre o público americano até a chegada de “Felix the Cat” de Sullivan. Também naqueles anos a Universal Studios, uma das maiores produtoras de cinema da América, produzia 2 séries animadas que conquistaram o público. A partir de 1940, ele produziu um desenho animado de muito sucesso: "Woody Woodpecker" e "Oswald the Lucky Rabbit". As histórias deste lindo pica-pau, a maior conquista do ilustrador O ítalo-americano Walter Lantz, a tal ponto que obteve 2 indicações ao Oscar, a primeira em 1944 como autor do melhor curta de animação e a segunda em 1949 como melhor canção, continuou até 1972 com quase 200 episódios.

Os primeiros desenhos de Walt Disney e Ub Iwerks
Anteriormente, em setembro de 1927, a Universal também havia produzido “Oswald the Lucky Rabbit” (“Oswald the Lucky Rabbit”), um personagem de desenho animado criado por Walt Disney e Ub Iwerks. O coelho com suas aventuras foi produzido até 1943 enquanto os quadrinhos até os anos 60. O casal Walt Disney e Ub Iwerks foram muito importantes para a história do cinema de animação, eles não só trabalharam juntos, mas foram grandes amigos e essa amizade durou toda a vida, interrompida apenas por alguns anos em que, devido a desentendimentos, Iwerks deixou os estudos do amigo para começar o seu próprio, o “Estúdio Iwerks”. Isso aconteceu em 1930 quando, junto com Walt, já havia criado o mais famoso Mickey Mouse do mundo e muitos outros personagens do primeiro período de produção da Disney. Apenas 6 anos depois, no entanto, o "Iwerks Studio" teve que fechar porque a Disney e os personagens do Fleischer Studios tiveram o melhor das produções de Ub. O talento de Iwerks em desenhar os personagens provavelmente não foi suficiente para decretar seu sucesso, sem o apoio da mente criativa e empreendedora de Walt. Então, em 1940, eles voltaram a trabalhar juntos e Uub na década de 60 recebeu 2 Oscars por suas invenções inovadoras na indústria da animação (1960 e 1965) e uma indicação para os melhores efeitos especiais do filme de Hitchcock "Os Pássaros" (1964 ) Sua criação de maior sucesso quando trabalhou sozinho foi "Flip the Frog", uma série de desenhos animados cujo protagonista se assemelhava a outros personagens em que Iwerks já havia trabalhado, como Mickey Mouse e Oswald, e que veio distribuído pela MGM de 1930 a 1933.

Desenhos animados da MGM (Metro-Goldwyn-Mayer)
MGM (Metro-Goldwyn-Mayer), uma histórica produtora de filmes americana privada, lidou com a distribuição de muitas séries de animação, talvez a mais famosa em todo o mundo seja a de "Tom Jerry" As aventuras do gato e do rato, nascidas da imaginação fervorosa de 2 talentosos animadores, William Hanna e Joseph Barbera, estreou-se em 1940 e continuou por mais de 20 anos, contando as hilariantes histórias desta rivalidade entre o gato Tom e o rato Jerry e se divertindo gerações de crianças, mas também muitos adultos. O diretor e animador americano Tex Avery também trabalhou para os estúdios da Metro-Goldwyn-Mayer e inventou o personagem "Screwball" Screwy "Squirrel", que apareceu em uma série de curtas-metragens entre 1944 e 1946. . O estilo de animação de Tex Avery era muito diferente do de Walt Disney; na verdade, seu estilo de direção, que inspirou muitas casas de produção nos Estados Unidos entre as décadas de 40 e 50, não se limitava ao realismo como o da Disney, mas Ted gostava de criar situações e cenas que eram impossíveis de alcançar em filmes reais. Entre os outros personagens inventados por Avery estão "Patolino"E"Pernalonga”, Protagonistas da série de desenhos animados de grande sucesso distribuída pela Warner Brothers. Personagens que viajaram pelo mundo e cujas histórias são conhecidas de todos. E também, na década de 40, o personagem do cão, aparentemente não muito acordado, mas que, na realidade, possui uma inteligência muito desenvolvida e refinada, chamada Droopy. Droopy teve grande sucesso ao longo dos anos 50 e foi comprado e relançado pela dupla de autores Hanna e Barbera. Tex Avery da MGM também criou dois ursos patetas chamados George e Junior. Como o Screwy Squirrel, eles foram abandonados depois de aparecer em apenas quatro desenhos animados: Henpecked Hoboes (1946), Hound Hunters (1947), Red Hot Rangers (1947) e Half-Pint Pygmy (1948). Os desenhos animados geralmente seguem as desventuras de dois ursos George e Junior inspirados em Men and Mice de John Steinbeck: George é o ursinho de temperamento curto (dublado por Dick Nelson), enquanto Junior, o urso alto, é astuto (dublado pelo próprio Avery. )

Os desenhos animados da UPA
Estes, no entanto, não são os únicos cartunistas americanos que trabalharam neste período de grande efervescência do cinema de animação, são certamente os mais conhecidos e suas criações as mais populares, mas há muitos outros que deram sua contribuição inventando personagens que ainda conhecemos. Estamos falando de todos os animadores e técnicos que, saindo da Disney em decorrência de uma greve, fundaram na década de 40 o estúdio de animação United Productions of America, mais conhecido como UPA. Os curtas de animação mais conhecidos, entre os diversos produtos, são "Mr. Magoo”, O personagem mal-humorado e míope, e Dìck Tracy, o policial incorruptível dos anos 30 de Chicago. O primeiro foi a criação da United Productions of America de maior sucesso. O Sr. Magoo foi criado em 1949 por John Hubley e um total de 53 curtas foram feitos entre 1949 e 1959. O segundo, entretanto, fez sua primeira aparição em outubro de 1931 e foi desenhado pelo cartunista Chester Gold, rapidamente se tornando um exemplo ao qual todos os outros quadrinhos do crime se basearam. O estilo de animação da UPA estava muito longe do da Disney, que, como muitos outros estúdios da época, tentava ao máximo recriar o realismo cinematográfico em filmes de animação. Em vez disso, eles usaram fundos muito menos realistas e figuras bidimensionais planas. As técnicas e inovações destes artistas foram utilizadas por muitas outras casas de produção e, sobretudo, por muitos realizadores independentes e a técnica de animação limitada foi muito utilizada nos anos 60 e 70. A United Productions of America fechou suas portas permanentemente em 1964 e vendeu sua biblioteca de desenhos, embora mantivesse as licenças e direitos autorais de alguns personagens, como o simpático Sr. Magoo. Seus personagens e séries de desenhos animados foram filmados por vários estúdios, como a Columbia Pictures, para a qual ele já havia produzido muitos curtas de animação.

Os primeiros desenhos animados na Itália
Entretanto, chega do nosso país o primeiro longa-metragem de animação europeu, embora anteriormente em 1926 tenha sido lançado outro filme considerado o primeiro de sempre, “As Aventuras do Príncipe Achmed” de Lotte Reiniger, realizadora e animadora alemã. O filme italiano foi lançado em 1949 e foi intitulado "A Rosa de Bagdá", dirigido e produzido por Anton Gino Domeneghini e, na realidade, até mesmo na Itália o filme está competindo por esse recorde com outro lançado no mesmo ano, "Os irmãos Dinamite ”Produzido por Nino Pagot. “La rosa di Bagdad” foi o primeiro filme italiano em Technicolor, durou 76 minutos e contou a história do conflito de amor entre Zélia, filha do sultão, e o jovem flautista da corte, Amin. Amor frustrado pelo pérfido e ambicioso vizir Jafar que quer se casar com a filha do sultão a todo custo para assumir o reino e para isso ele tenta eliminar seu rival. Como qualquer história de amor que se preze, no entanto, os bons sentimentos prevalecem e, graças à magia, há um final feliz e Zélia e Amin poderão se casar. Embora a história termine bem e tenha um final feliz, "A Rosa de Bagdá" não teve muito sucesso na época e foi mais apreciada fora das fronteiras italianas. No entanto, ele foi posteriormente reavaliado e restaurado com muito cuidado.

Os primeiros desenhos animados na França
Como vimos anteriormente, a França foi a terra de origem e na qual trabalharam vários animadores desde o início dos anos 900, como Emile Cohl e seu personagem Fantôche. E é graças ao encontro com Cohl que começa a se desenvolver o gênio criativo de outra importante personalidade, considerada o pioneiro do cartoon francês, Robert Lortac, que em 1919 inaugurou a sua produtora. Era um personagem eclético: escritor, pintor, crítico de arte, animador e em seu ateliê se conheceram muitos jovens com essa mesma paixão e habilidade. Robert Lortac é alguns romances de ficção científica e entre os anos 50 e 60 escreveu vários quadrinhos para a editora Artima. Também na França operaram Ales e Jean Giaume, Benjamin Rabier, agente tributário apaixonado pelo desenho, e Omer Boucquey, o inventor do Choupinet. Rabier trabalha para várias editoras e o seu interesse era principalmente representar os animais quase como se fossem humanos, as características do seu estilo eram o humor e a linha precisa e limpa do desenho. Hergè se inspirou em seu álbum "Tintin Lutin" pelo nome de seu personagem, o famoso Tintin. Toda a sua produção artística se voltou para representar animais e ilustrar livros infantis e em 1923 inventou o personagem do pato Gédéon, protagonista de uma série de aventuras de sucesso (de "Gédéon desportista" a "Gédéon en Afrique" e "Gédéon atravessar l'Atlantique "). Boucquey, por outro lado, alcançou sucesso com o personagem Choupinet, nascido em 1938 durante uma aula de inglês. É uma criança de sorriso cativante, vestido com as cores da bandeira francesa e protagonista de 2 desenhos animados, vários álbuns e banda desenhada. O Choupinet, depois da Segunda Guerra Mundial, também veio ao cinema, em 1954 chegou a ser traduzido para o árabe e 3 anos depois também se tornou um brinquedo para as crianças brincarem.

Os filmes e Personagens de Walt Disney
Inevitavelmente, porém, quando se trata de filmes de animação, imediatamente vem à mente Walt Dìsney, que aos 20 anos se revelou o melhor produtor daqueles anos e já em 1922 produzia curtas-metragens de animação inspirados em contos infantis. No ano seguinte, junto com seu amigo Ub Iwerks, produziu "Alice's Wonderland" e neste curta já estão muitos dos recursos da futura série que terminará em 1927 e que fez muito sucesso, como a mixagem de mídia e mundos criados em Sonhe. Em 1927, então, surge a nova série de animação "Oswald the Lucky Rabbit", da qual entretanto a Disney perdeu os direitos até 2006. Também nesses anos surgiu o personagem, talvez, o símbolo Mickey Mouse, sempre criado pelo casal Disney - Iwerks. , que estreou num curta-metragem mudo que, no entanto, não obteve uma boa resposta e por isso em 1928 foi exibido ao público, com grande sucesso, "Steamboat Willie", também estrelado por ele, e foi o primeiro cartoon com som não gravado. por Walt Disney. Graças à colaboração com Carl Stalling, criador de som para filmes mudos, nasceu uma nova série chamada "Silly Simphonies" que em 1932 apresentou mais uma inovação: um episódio inteiramente feito a cores. A Disney assinou um contrato com a Technicolor para usar seu sistema também em outros episódios mickey mouse permaneceu preto e branco por mais alguns anos. Em 1934, porém, o incansável Walt teve a ideia de fazer o primeiro longa-metragem e decidiu que era a história de Branca de Neve, inspirada em um filme mudo que vira quando criança. O estudo para realizar esta nova aventura foi muito e, finalmente, apesar de toda desconfiança, em dezembro de 1937 ele chegou ao cinema "Branca de Neve e os Sete Anões“E o sucesso foi enorme. Eles não tiveram, no entanto, o mesmo sucesso, economicamente falando, "Pinóquio"E" Fantasia ", ambos de 1940, e" Dumbo "e"Bambi", Respectivamente de 1941 e 1942, enquanto no final da década de 40 os estúdios se recuperavam economicamente e preparavam os longas-metragens"Alice no Pais das Maravilhas","As aventuras de Peter Pan"E" Cinderela ".

Os desenhos animados da TV de Hanna e Barbera
Os fãs de desenhos animados, então, não podem esquecer o prolífico casal Hanna-Barbera que, desde 1956, ano em que fundou a produtora Hanna-Barbera Productions Inc., vem criando muitas séries de animação. William Hanna e Joseph Barbera se conheceram em 1938 na Metro-Goldwyn-Mayer, onde por muitos anos eles fizeram a série Tom Jerry mas quando a MGM fechou o setor de animação em 1956, os 2 iniciaram seu próprio negócio. O período na MGM, porém, permaneceu artisticamente o seu melhor período, de fato suas criações se destacaram pela perfeição do design, pela originalidade das histórias e pela alta qualidade, porém, com o passar dos anos a quantidade de produção sempre foi mais preferida à qualidade em detrimento da nova série que se tornou não original, tanto nas tramas quanto na realização dos personagens que às vezes pareciam muito semelhantes no design, estáticos e mal definidos. A Hanna-Barbera Productions Inc. produziu muitos desenhos animados para a televisão: o urso Yogi, Braccobaldo, Gli Antenati, só para lembrar alguns.

A chegada dos desenhos animados japoneses
Finalmente, um capítulo separado merece o Japão com sua mangá e anime. Por manga o japonês entende qualquer tipo de banda desenhada de qualquer género e que conta uma história completa onde o protagonista tem o seu desenvolvimento. O mangá prefere o movimento ao diálogo entre os personagens e, assim, o impacto visual é mais forte do que nos desenhos animados de faroeste e, além disso, os personagens são muito semelhantes na aparência física (olhos grandes, muito cabelo, etc.) e as figuras são muito estilizadas, enquanto os cenários são sempre ricos em detalhes. Entre os muitos mangás feitos citamos "Astro Boy", obra de Osamu Tezuka, mangaká tão famoso que chega a ser chamado de "deus da manga". Foi publicado no Japão de 1952 a 1968, dividido em 23 volumes, contava a história de Atom (Astro Menino é o nome ocidental), a criança robô com sentimentos humanos criado pelo Dr. Temma após a morte de seu filho. Atom tem uma vida como a de todos os seus colegas, mas luta contra o mal para salvar a Terra. A partir de 1963, uma série animada foi feita que tinha características de anime e chegou à Itália nos anos 80. Astro Boy pode ser considerado o primeiro anime serial para televisão e também foi o primeiro de um gênero que fazia muito sucesso no Japão, principalmente nas décadas de 70 e 80, Aquele dedicado aos robôs.O anime pode ser considerado a evolução televisiva ou cinematográfica da manga, de facto, se uma manga tem um grande sucesso é natural que tenha uma transposição para uma televisão de animação ou uma série de filmes.a linha de “robottoni”, série de desenhos animados que contavam histórias de robôs lutando contra bandidos. Quem foi criança nos anos 80 não pode esquecer as aventuras de Goldrake, Great Mazinger, Mazinger Z ou Jeeg Steel Robot que, ainda hoje, são séries inesquecíveis e cult para os fãs do gênero.