Collezionare
personaggi: statuine, oggetti da esposizione e piccole rarità
dei personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi
Collezionare
oggetti legati ai personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi significa trasformare l'immaginario
in qualcosa di tangibile. Le storie, i mondi fantastici, le atmosfere
viste sullo schermo o giocate su console diventano oggetti reali:
statuine, palle di vetro, miniature, souvenir, pezzi rari da scaffale.
Si tratta di un collezionismo che ha una forte componente visiva,
ovvero creare uno spazio personale abitato da figure che parlano
della nostra passione.
Il merchandising legato ai personaggi di cartoni animati, anime, manga, videogiochi, film Disney, supereroi e cultura pop in generale è diventato negli anni un universo parallelo a quello delle storie da cui quei personaggi provengono. Non è un’estensione secondaria o accessoria: è una parte integrante della progettazione e della sopravvivenza dei brand. Un personaggio funziona, oggi, anche in base alla sua capacità di essere trasformato in oggetto fisico, in indumento, in decorazione, in simbolo da portare addosso o esporre su una mensola.
L’esempio di Topolino è emblematico. Nato nel 1928, è stato uno dei primi personaggi animati a comparire su prodotti commerciali già negli anni ’30. Walt Disney capì subito il potenziale di una figura che poteva vivere fuori dallo schermo. Da lì si è creata una cultura del licensing che ha fatto scuola, tanto che oggi ogni nuova uscita, che si tratti di un film Pixar o di una nuova serie Marvel, viene accompagnata da una strategia commerciale millimetrica. Pupazzi, t-shirt, tazze, giochi, set LEGO, zaini, penne, edizioni da collezione: ogni oggetto è un punto di contatto tra la narrazione e la vita quotidiana.
L’animazione giapponese ha seguito un percorso parallelo ma con una filosofia in parte diversa. Il concetto di character merchandising in Giappone è centrale nel modo in cui gli anime vengono prodotti e sostenuti economicamente. In molti casi, le serie animate esistono per promuovere giocattoli, statuette o model kit. Gundam è un caso paradigmatico: il franchise ha generato un’industria miliardaria basata sul modellismo, al punto che il mecha design è diventato parte del linguaggio tecnico dell’intrattenimento nipponico. Lo stesso vale per franchise come Pokémon, One Piece, Dragon Ball o Sailor Moon, che vantano linee di merchandising continue e aggiornate ciclicamente, a ogni nuova saga, stagione o anniversario.
I personaggi Disney hanno trovato casa in praticamente ogni settore merceologico. Da Frozen a Toy Story, da Stitch a Cars, ogni property viene trasformata in un catalogo che copre tutte le fasce d’età. Disney ha imparato a creare linee differenziate: prodotti per bambini, oggetti da collezione per adulti, articoli lifestyle per adolescenti, collaborazioni con brand di moda o arredamento. Le Loungefly, ad esempio, sono mini-zaini da collezione decorati con pattern ispirati a personaggi specifici. Funko produce figure viniliche dallo stile caricaturale, diventate oggetti da scaffale per collezionisti e fan di ogni livello.
Il mondo dei videogiochi si è avvicinato gradualmente a questo sistema. Se negli anni ’80 e ’90 il merchandising era limitato a gadget occasionali o magazine, con l’ascesa di icone globali come Mario, Sonic, Link o Lara Croft le cose sono cambiate. Nintendo, in particolare, ha costruito un intero ecosistema che ruota attorno ai suoi personaggi, dai peluche ufficiali fino ai parchi tematici come Super Nintendo World. Anche franchise occidentali come Fortnite o Minecraft hanno sviluppato una strategia di merchandising fortissima, basata su action figure, armi giocattolo, abbigliamento tecnico e accessori per il gaming.
Il comparto supereroistico, alimentato da Marvel e DC, rappresenta uno dei punti più alti dell’intersezione tra cultura pop e mercato. Ogni personaggio è un brand a sé, con linee dedicate per ogni tipo di pubblico. Hasbro, Mattel, Hot Toys, Sideshow, Kotobukiya: tutti questi nomi producono figure che vanno dal giocattolo articolato fino alla statua iperrealistica in edizione limitata. Il collezionismo adulto è diventato parte del business: non si tratta solo di “giocattoli”, ma di oggetti da esposizione, da investimento o legati all’identità del fan.
Il merchandising ha un peso anche nella conservazione e nel rilancio di personaggi che magari non sono più protagonisti di nuovi contenuti. Basti pensare ai Looney Tunes o ai personaggi Hanna-Barbera. Anche in assenza di serie animate recenti, continuano a essere presenti nei negozi attraverso capsule collection, articoli vintage, riedizioni o collaborazioni con brand di moda. Il revival passa anche dal prodotto fisico: un astuccio con Titti o un cappellino con Scooby-Doo può essere la chiave per riattivare la memoria collettiva di un’intera generazione.
Un elemento chiave del successo del merchandising contemporaneo è la modularità. Un personaggio non vive più solo nella sua “forma originale”, ma si moltiplica in versioni alternative, tematiche, speciali. I blind box, ad esempio, vendono personaggi a sorpresa, spesso inseriti in serie a tema: Halloween, estate, edizioni natalizie. Questo meccanismo stimola il collezionismo e la ripetizione dell’acquisto. Lo stesso accade con le versioni chibi, super deformed, pixel art, kawaii: ogni reinterpretazione è un modo per rilanciare l’interesse, anche tra pubblici che magari non sono più legati al contenuto originale.
Il legame tra merchandising e identità culturale è sempre più evidente. Portare uno zaino con Pikachu o indossare una felpa di Spider-Man non è solo una scelta estetica: è una dichiarazione di appartenenza. Gli oggetti diventano strumenti di identificazione, condivisione e riconoscimento tra fan. Questo vale anche per i contenuti più recenti: Bluey, ad esempio, ha rapidamente conquistato il mercato prescolare anche grazie a una linea di giocattoli ben studiata e coerente con il tono narrativo della serie.
L’integrazione con il digitale ha ulteriormente ampliato il campo. Oggi il merchandising si estende in NFT, filtri AR, skin per avatar virtuali, contenuti esclusivi legati al possesso di un prodotto fisico. Le grandi aziende stanno costruendo ponti tra realtà tangibile e dimensione digitale, offrendo esperienze ibride che rafforzano il legame emotivo con i personaggi. È una strategia che guarda al futuro, ma che nasce da un principio antico: la voglia di avere, nella vita quotidiana, un frammento di quei mondi immaginari che ci hanno fatto sognare.
Oltre il
merchandising di massa
Esiste una
differenza netta tra il gadget prodotto in milioni di copie e
l’oggetto pensato per essere esposto. Le statuine da collezione
dei personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi, ad esempio, non sono giocattoli.
Hanno dettagli curati, finiture precise, pose studiate. Alcune
sono realizzate in resina, altre in PVC di alta qualità.
I modellisti e gli scultori che lavorano a questi pezzi conoscono
bene il personaggio, i suoi tratti distintivi, l’espressività.
Il risultato è un oggetto che, una volta posizionato in
vetrina, comunica qualcosa anche senza muoversi.
Le palle
di vetro: suggestione e collezionismo
Tra gli oggetti
più affascinanti ci sono le palle di vetro. In apparenza
semplici soprammobili, diventano veri pezzi da collezione quando
raffigurano scene o versioni stilizzate dei personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi.
Ne esistono con paesaggi in miniatura, versioni chibi, silhouette
in rilievo. Alcune contengono luci LED, altre glitter, neve artificiale
o acqua colorata. Sono oggetti che non servono a nulla di pratico,
ma catturano l’occhio e hanno una presenza forte in qualsiasi
collezione.
Figure statiche
e pose dinamiche
Le statuine
si dividono in due grandi categorie: figure statiche e dinamiche.
Le prime sono pensate per rappresentare il personaggio in una
posa iconica o in un momento di calma. Le seconde cercano di catturare
il movimento, come se fossero uno scatto congelato in un momento
d’azione. Le figure dinamiche dedicate ai personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi
spesso richiedono basette complesse, effetti scenici, dettagli
fluttuanti come capelli, mantelli, armi. Alcune raggiungono dimensioni
notevoli e vengono vendute con certificati di autenticità
o numerazione limitata.
Edizioni
limitate e rarità
Chi colleziona
oggetti da esposizione sa bene quanto siano importanti le edizioni
limitate. Le versioni prodotte in poche centinaia di pezzi, magari
numerate o firmate dallo scultore, diventano rapidamente oggetti
da inseguire. Alcune di queste versioni esclusive vengono distribuite
solo in fiere, durante preordini o in occasione di anniversari.
La differenza, a volte, sta in piccoli dettagli: una colorazione
alternativa, una base diversa, un accessorio in più. Ma
proprio questi elementi definiscono il valore di mercato e l’interesse
tra i collezionisti.
Souvenir
e miniature
Oltre alle
statue e ai pezzi da esposizione di fascia alta, esiste una fascia
di oggetti più accessibili: miniature in scala ridotta,
piccoli soprammobili, souvenir. Questi oggetti non sono meno interessanti.
Anzi, spesso sono più fantasiosi, con versioni stilizzate
dei personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi, interpretazioni in chiave kawaii,
pixel art o retrò. Possono essere realizzati in plastica,
ceramica, metallo smaltato. Si trovano nei negozi specializzati,
nelle fiere, ma anche nei gacha giapponesi o nelle blind box.
Il bello è proprio la varietà.
L’esposizione
conta quanto l’oggetto
Collezionare
è anche saper esporre. Gli oggetti legati ai personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi
meritano uno spazio pensato. Non basta una mensola: serve una
disposizione che dia respiro, che racconti un ordine, anche visivo.
C’è chi organizza per serie, chi per colore, chi crea
piccole scenografie. Le teche con luce LED, gli sfondi stampati,
le basi trasparenti sono strumenti comuni tra i collezionisti.
L’obiettivo è sempre lo stesso: valorizzare l’oggetto
e farlo parlare anche da fermo.
Condizione,
confezione, autenticità
Nel mondo
del collezionismo da esposizione, la condizione è tutto.
Una statuina con un graffio, una palla di vetro con bolle d’aria,
un oggetto senza scatola originale perde molto del suo valore,
anche se esteticamente resta intatto. Per questo molti collezionisti
conservano le confezioni, anche se non le espongono. Inoltre,
in un mercato ricco ma anche pieno di repliche, l’autenticità
è un punto cruciale. Marchi affidabili, certificati, loghi
ufficiali aiutano a distinguere l’originale dalle imitazioni.
Collezione
tematica o libera?
Ogni collezionista
ha il suo stile. C’è chi raccoglie solo oggetti di
una linea specifica, chi si concentra su una particolare fascia
di prezzo, chi punta alle versioni più rare. Altri preferiscono
varietà e libertà: un mix di statue grandi, miniature,
oggetti artigianali, souvenir presi in viaggio. L’importante
è che la collezione rispecchi chi la costruisce. Non esiste
un modo giusto o sbagliato: solo una coerenza interna tra oggetti
scelti con criterio.
Il lato personale
del collezionismo
Oltre al valore
estetico e potenzialmente economico, collezionare oggetti dei personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi
è anche un modo per costruire un legame personale con un
mondo immaginario. Ogni oggetto racconta qualcosa: dove lo si
è trovato, perché lo si è scelto, cosa rappresenta.
Non serve una stanza piena per essere un vero collezionista. Basta
uno scaffale con pezzi che abbiano un senso, una storia, una connessione
autentica con chi li possiede.
Collezionare
oggetti da esposizione legati ai personaggi dei cartoni animati e dei videogiochi è
un’attività che unisce estetica, ricerca e piacere
personale. Ogni statuina, palla di vetro o rarità non è
solo un oggetto: è un punto di contatto tra fantasia e
realtà. E quando l'immaginario prende forma su una mensola,
resta lì, visibile, anche nei giorni più ordinari.
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