Alessandro Correa sulla reinterpretazione di Medea per l'animazione

Alessandro Correa è un animatore, illustratore e professore universitario con sede a San Paolo, in Brasile, e attualmente è rappresentato come Toon Boom Ambassador. Alessandro ha iniziato ad animare digitalmente utilizzando il software Toon Boom nel 2010. A partire dal 2016, ha tenuto un corso sui principi dell'animazione, usando Harmony.

Abbiamo intervistato Alessandro sul suo film di tesi sperimentale, Medea, che puoi visualizzare nella sua interezza di seguito. Basato sull'omonimo gioco di Euripide, Medea si sposta tra il contemporaneo e l'antico, mentre collega le immagini dei tarocchi alla mitologia greca. Nella nostra intervista, Alessandro esplora i concetti di spazio e tempo, il processo di produzione dietro Medea e i suoi consigli per i creatori indipendenti.

La Medea di Euripide risale al 431 a.C. ed è stata reinterpretata numerose volte per teatro e cinema. Cos'era questa commedia classica che ti ha fatto desiderare di esplorare i suoi temi nell'animazione?

Avevo letto la commedia un paio di volte e la storia ha avuto un grande effetto su di me. Ho quindi giocato con alcune idee e bozze, ma dal momento che non riuscivo a trovare esattamente cosa mi ha commosso, a parte il tradimento e l'omicidio. Ho continuato a rimandare il progetto.

Circa cinque anni fa, avevo appena finito una breve animazione chiamata Hellhounds e stava per iniziare il mio master in arti visive. La mia ricerca ha riguardato i cambiamenti nella produzione di animazione in Brasile dopo che computer, software e Internet hanno iniziato a diventare popolari alla fine degli anni '90. L'inizio del nuovo secolo ha portato cambiamenti positivi nella scena politica del paese. Il presidente Lula e il presidente Dilma sono stati in grado di offrire un livello di stabilità finanziaria e sviluppo sociale che ha permesso a un gran numero di persone di avere accesso ai computer. L'animazione digitale, in particolare l'animazione indipendente, è diventata più veloce ed economica da produrre, e i nuovi programmi hanno aumentato il numero di film in generale, il che ha creato la necessità di leggi e regolamenti per fomentare la produzione.

Per studiare meglio l'impatto di quei cambiamenti nella scena dell'animazione, ho sentito la necessità di produrre un film che mi avrebbe aiutato a vedere il processo dall'interno. Medea saltò indietro.

Rileggo il dramma e mi rendo conto che ciò che mi ha spinto verso quella storia sono stati i "transiti" che il personaggio ha eseguito sulle pagine. Medea sembrava muoversi sempre intorno al palazzo. Alla fine della commedia è in esilio, in fuga dal paese in carrozza. Anche la sua cameriera e persino il coro apparivano estremamente dinamici, muovendosi, andando in posti, interferendo e commentando la storia.

Come hai detto nella tua domanda, Medea transita anche al di fuori dell'opera teatrale, oltre duemila anni dopo la sua stesura. È una figura icona pop in molti fumetti, film e dipinti.

L'idea di transito, cambiamento, movimento, associata al fascino drammatico della storia, mi ha aiutato a capire il nuovo movimento nella scena dell'animazione brasiliana.

Prime concept art per Medea, fornite da Alessandro Correa.

Quali sono state alcune delle influenze alla base dello stile visivo di questo corto, nell'animazione e nell'arte?

Poiché la mia ricerca ha riguardato l'impatto della tecnologia digitale nell'animazione, ho finito per aggiungere elementi della mia tesi nel cortometraggio. Quando ho iniziato a giocare con vecchi progetti di computer, televisori, eccetera, la narrazione si è estesa a un crollo dello spazio-tempo. Gli elementi del greco antico sono stati sovrapposti da manufatti del 20 ° secolo e Medea ha sviluppato la capacità di muoversi su diversi piani della realtà. Il palazzo reale, ad esempio, si divide in due diversi regni, uno antico, l'altro urbano e moderno.

Ogni elemento in ogni scena è stato disegnato tre volte – un disegno, ogni due fotogrammi – e animato in un ciclo continuo, creando una vibrazione, come se le dimensioni parallele stessero sempre per crollare.

Ho usato colori solidi in tonalità limitate di blu, rosa, sabbia e giallo, ispirati ai vecchi pallet CGA. I riferimenti sulla TV che Jason sta guardando provengono dalla mia esperienza con immagini televisive negli anni '80.

Poiché la storia di Medea è ben nota, ho pensato che sarebbe stato inutile raccontare di nuovo la stessa storia in modo lineare e naturalistico. All'inizio ho scoperto che il surrealismo era una buona fonte di ispirazione … ma era anche un po 'troppo ovvio. Andando più indietro nel tempo ho incontrato il simbolismo del XIX secolo. Il loro manifesto, pubblicato nel 1886, affermava che la verità può essere trovata solo nell'esperienza soggettiva, quindi le attività umane, il mondo, la realtà e gli eventi non dovrebbero essere rappresentati come le cose stesse, ma come gli effetti che producono.

Questa era la chiave che stavo cercando per sbloccare le possibilità in questa animazione.

Immagini dei tarocchi a Medea, fornite da Alessandro Correa.

Nel tuo portfolio, includi immagini di tarocchi accanto a immagini fisse del film. In che modo sono state usate le carte dei tarocchi per influenzare le immagini del film e tracciare connessioni con la mitologia della commedia?

Medea era uno stregone. Quando ho pensato a come la magia antica potesse avere un ruolo nel film, mi sono venute in mente alcune idee: carte, ossa, rune e zodiaco. I tarocchi sono diventati una buona scelta. Attraverso le carte, ho potuto aggiungere un po 'di imprevedibilità al processo.

Il modo in cui vengono giocate le carte ha permesso di mescolare alcune idee in modo casuale. In una lettura di tarocchi, l'indovino userà la loro conoscenza degli elementi simbolici, combinata con l'intuizione, per interpretare le immagini che appaiono secondo una volontà cosmica. La forza dietro la lettura è il desiderio di trovare ordine nel caos delle immagini casuali.
Ho raccolto le 22 carte principali dal famoso tarocco di Marsiglia, che si credeva fosse creato intorno al 15 ° secolo, e ho iniziato a giocare con loro, analizzando i loro disegni e diversi elementi nella sua composizione. In modo semi-casuale, ho iniziato a leggere le carte, ad esercitarle e a leggerle mentre cercavo connessioni tra le loro immagini e la storia.

Dopo un po ', Medea divenne associata sia al Matto, numero di carta senza numero, sia al Mago, numero di carta 1. Jason era collegato alla carta numero 15, il Diavolo. La cameriera nella storia, così come il coro, sono stati fusi con la carta numero 13, Morte. Se avessi avuto l'Imperatore o il Papa per Jason, o forse l'impiccato o la Giustizia per Medea, la storia avrebbe preso una svolta diversa in termini di design e persino di narrativa.

La scenografia è stata determinata anche da una combinazione di carte: la scena in cui Medea si trasforma in un uccello da preda e distrugge le sue uova è stata presa da una sequenza di carte: la Luna, la Torre e il Sole.

Storyboard Sketchbook per Medea, forniti da Alessandro Correa.

Avevo bisogno di guardare da vicino il film per notare gli elementi fondamentali della commedia: l'abito avvelenato, la morte dei bambini di Medea e un taxi nel ruolo del carro di Helios. Quali elementi della trama hai ritenuto più importanti da includere o alludere?

Jason ha rotto con Medea per sposare la principessa, seguito dall'avvelenamento della famiglia reale, dall'omicidio dei bambini e dall'esilio di Medea sono gli eventi principali della commedia. Sono i momenti decisivi. Senza di loro la storia sarebbe semplicemente diventata qualcos'altro, quindi ad un certo punto dovevano essere mostrati. Ma, dal momento che cercavo il simbolismo negli elementi visivi, ho dovuto provare a fare lo stesso con la narrazione stessa. Ho rinunciato a scrivere la sceneggiatura e ho iniziato a lavorare con alcuni semplici schizzi dello storyboard, usando il metodo di animazione diretta senza pose chiave. In questo modo, non ho mai saputo quanto sarebbe durata ogni scena.

Ho chiamato il corto Medea, come il gioco. Un nome intriso di significato, che ricorda immediatamente l'intero dramma dello stregone vendicativo. Il risultato, penso, è una sequenza di scene oniriche in cui lo spettatore viene portato attraverso oggetti, luoghi e personaggi carichi di energia esoterica, spazi fluidi e vibranti e una narrazione inafferrabile.

Com'era il processo di produzione di Medea, quanto tempo ti ha impiegato il cortometraggio e quanti artisti sono stati coinvolti?

Mi ci è voluto circa un anno e mezzo per finire il film. Ho lavorato da solo sulle immagini per l'animazione, usando il mio tempo libero. Mentre lavoravo su Medea, stavo anche intervistando altri animatori, viaggiando in diverse città per incontrarli, frequentando le lezioni, freelance come designer di motion graphics e scrivendo la tesi.

Il gruppo di persone coinvolte nel processo era molto piccolo, solo quattro, incluso me:

Gavin Folgert, un amico di Madison, nel Wisconsin, mi ha dato la musica. Abbiamo già lavorato su altri progetti e mi invia sempre nuovo materiale che produce.
Horacio Velasquez era l'editore. Era il mio professore al college durante il mio periodo come studente universitario in Cinema e TV. Continuiamo anche a lavorare insieme su diversi progetti.
Murillo Denardo era responsabile degli effetti sonori. Siamo stati presentati da un amico in comune.

Storyboard Sketchbook per Medea, forniti da Alessandro Correa.

Quale scena è stata la più stimolante, tecnicamente o artisticamente?

Probabilmente l'ultimo. Era la fine di un lungo processo, sia nel film che nella tesi. C'erano scadenze da rispettare, insicurezza riguardo al processo e al dramma generale di lavorare in una produzione indipendente – i personaggi sembrano prendersi una vita propria. Ad un certo punto ti rendi conto che stai passando molto più tempo con personaggi animati inventati rispetto alle persone reali.

Inoltre, il film ha avuto un flusso narrativo che si interrompe bruscamente nel momento finale. Medea si sposta dalla sua antica realtà greca a quella moderna. Prende un taxi giallo – il carro inviato da suo nonno, il dio del sole – e se ne va. La sua ombra entra e copre l'intera scena con il suo mantello scuro. Quel momento arriva all'improvviso, senza alcun annuncio o grande climax. In un certo senso è un finale anti-climax. L'idea era di condurre il pubblico attraverso una linea sfocata, una proto-narrativa, una storia in fuga … e poi tagliarla a metà strada, come se lo spettatore, incapace di seguire Medea nella sua nuova posizione, dovesse svegliarsi dalla trance, solo in tempo per chiedere: "Che cosa è appena successo? Che cosa ho visto?"

Quali funzionalità di Harmony sono state più utili nel processo di produzione? C'erano delle funzionalità del software che hai appreso mentre lavoravi al film?

Il mio primo contatto con Toon Boom è avvenuto intorno al 2005 o al 2006, forse, quando il programma è arrivato in Brasile. Un amico è andato a una dimostrazione e un seminario e ha iniziato a lavorarci. Intorno al 2010, ho finito un cortometraggio intitolato Sidereal Football Club. Ha vinto un premio per i migliori media misti e il premio era una licenza software Toon Boom.

Ho iniziato a sperimentarlo.

Dopo un po 'ho seguito un corso di due settimane e ho finito per insegnarlo ai miei studenti universitari in una classe chiamata 12 Principi di animazione.

Per Medea – e alcuni altri cortometraggi che ho realizzato – ho usato Harmony in un metodo di animazione diretto, progettando ogni fotogramma usando un tablet da tavolo, senza preoccuparmi troppo della precisione, per dargli una sorta di aspetto grezzo.

Immagini di ossa di Medea, fornite da Alessandro Correa.

Hai qualche consiglio per animatori e artisti che vogliono creare i propri cortometraggi?

Se stai lavorando con un'animazione indipendente, assicurati di raccontare la storia CHE VUOI, nel modo in cui vuoi raccontarla. Immagina come ti piacerebbe averlo visto, se fosse stato realizzato da qualcun altro.

Durante la produzione, dimentica gli spettatori, i critici, la piattaforma in cui verrà riprodotta. Se provi a fare qualcosa per impressionare gli altri, o raggiungere un mercato o un gruppo, probabilmente avrai una doppia dose di problemi e preoccupazioni, perché il gusto di un pubblico può essere imprevedibile. Assicurati di essere soddisfatto dei risultati. Non concentrarti troppo sui possibili errori che fai lungo il percorso o se l'animazione non è perfetta o ideale. Continua a migliorare e ad apprendere il più possibile. Correggi gli errori nel prossimo, non perdere più tempo con un progetto finito.

I film indipendenti sono un ottimo modo per creare un portfolio, partecipare a festival e incontrare spiriti affini. Trova e capisci il tipo di storie che vuoi raccontare. Chiedi se la tua storia deve essere raccontata e cosa significa nel mondo di oggi.
Finalmente: rischia e divertiti. Sperimenta con la narrazione, la narrazione, il design, il ritmo, dopo tutto, è la tua visione.

Curioso di vedere di più da Alessandro Correa? Assicurati di visitare il suo portfolio e le pagine di Behance per vedere il suo lavoro nell'animazione, nonché le anteprime di un progetto di rotoscope che sta realizzando con i suoi studenti.