Idan ni ọna kukuru ti Annecy: awotẹlẹ ti ẹda 2021 ologo

*** Nkan yii akọkọ han ni Oṣu Karun-Keje '21 ti Iwe irohin Animation (Bẹẹkọ. 311) ***

L'edizione di quest'anno del Festival di Annecy (14-19 giugno) offre una ricca collezione di cortometraggi molto originali e stimolanti provenienti da tutto il mondo. Ecco un campionatore:

Jọwọ ko si olori kankan
Regia di Joan Gratz

Il celebre autore di animazione con sede a Portland Joan Gratz è meglio conosciuto per cortometraggi memorabili come il vincitore dell'Oscar Monna Lisa che scende una scala Stai (1992), la nominata ad Annecy Kubla Khan (2010) ati marmellata di caramelle (1988). Naturalmente, ha anche lavorato su funzionalità come Anabi, Pada si Oz e Le avventure di Mark Twain. Quest'anno il geniale artista torna nel circuito dei festival con l'animazione di argilla Jọwọ ko si olori kankan, un omaggio alle opere di Basquiat, Banksy, Keith Haring e Ai Weiwei.

“Mi sono ispirata alla poesia di Charles Bukowski”, ci racconta via email. "Sebbene fosse un cinico e 'The Laureate of American Lowlife', questa poesia celebra l'individualismo, il cambiamento e la creatività."

Gratz ha iniziato ad animare il suo cortometraggio il 26 maggio 2020 e ha terminato le immagini il 29 luglio 2020. "Il film si è evoluto dall'interesse per gli artisti dei graffiti e le loro motivazioni", osserva. “I miei strumenti di animazione sono costituiti dal mio dito, un cavalletto e argilla a base di olio. Scatto in digitale e poi edito in After Effects. Mi occupo del design, dell'animazione, del montaggio e della produzione, e Judith Gruber-Stitzer si è occupata della musica e degli effetti".

Dice che uno dei vantaggi di essere produttore, regista e animatore è che può scegliere di non avere un budget! "So che i cortometraggi indipendenti non saranno redditizi, quindi perché considerare un budget?" chiede Gratz. “Mi ha fatto piacere realizzare un cortometraggio basato su un breve poema così potente letto con tale eloquenza. La parte più difficile del film è stata trovare la musica giusta che non competesse con le parole e le immagini. credo Jọwọ ko si olori kankan è un film così positivo. È il Fallo e basta di cortometraggi animati!”

L'illustre regista, che ha compiuto 80 anni lo scorso aprile, afferma di essere una grande fan delle opere del collega artista indipendente Theodore Ushev (Vaysha cieco, Fisiksi ti irora). Gratz dice che ammira anche i film d'animazione di Aardman Animations e Cartoon Saloon. "Come regista di cortometraggi indipendenti a Portland, durante un'epidemia, non ho una visione d'insieme", aggiunge. “Tutto quello che so è che Netflix sta producendo due lungometraggi a Portland, che riunisce animatori, registi, produttori e artigiani di tutto il mondo. Se non fosse per il COVID, potrei godermi la loro compagnia!”

Iwe akọsilẹ Darwin
Regia di Georges Schwizgebel

È sempre motivo di festa quando abbiamo un nuovo cortometraggio animato di Georges Schwizgebel. Il maestro svizzero dell'animazione, noto soprattutto per opere celebri come game, Fifehan e L'uomo senza ombra, è tornato con uno splendido lavoro intitolato Iwe akọsilẹ Darwin, che ripercorre le atrocità commesse dai coloni al popolo della Terra del Fuoco, la provincia più meridionale dell'Argentina.

Schwizgebel è stato ispirato a basare il suo corto su questi incidenti dopo aver visitato una mostra su Charles Darwin al museo del campus della Notre Dame University vicino a Chicago. "C'erano diversi documenti su questa disavventura capitata a tre nativi della Terra del Fuoco che Darwin racconta nel suo diario", dice. “Ma è stato solo pochi anni dopo che ho iniziato questo progetto e ho letto altri libri su questo argomento che mi hanno aiutato a capire meglio cosa era successo all'Alacaluf. Lo scenario iniziale è stato molto cambiato ed è arrivato alla post-produzione, e anche la pandemia di COVID ha ritardato il traguardo. In effetti mi ci sono voluti tre anni distribuiti su cinque anni per completare il corto".

Realizzato per circa $ 250.000, la lunghezza del cortometraggio si è espansa dai suoi sette minuti originariamente previsti a nove minuti. “Sto ancora lavorando alla vecchia maniera, quindi i miei strumenti sono pennelli, colori acrilici e cel. Sto usando un banco di animazione con una fotocamera digitale e il programma Dragonframe invece di una fotocamera da 35 mm, che ora è conservata in un armadietto", ci dice il regista.

Dice che la parte più difficile della realizzazione della sua visione è stata l'inizio. “Le grandi sfide sono le prove di prima linea, trovare idee per raccontare questa storia senza usare dialoghi e come passare da un'inquadratura all'altra in modo elegante. Poi più il lavoro va avanti, più le idee portano ad altre. Sono molto soddisfatto della musica che Judith Gruber-Stitzer ha composto per il film".

Come molti animatori in tutto il mondo, Schwizgebel ha dovuto fare i conti con le restrizioni al lavoro durante la pandemia. “È successo tutto nel momento in cui le immagini per il cortometraggio erano finite, ma gli studi di registrazione erano chiusi. Quindi, nel frattempo, ho iniziato un altro film a casa senza dover andare nel mio studio”.

Il regista che è stato nominato quattro volte per il suo lavoro ad Annecy, ci lascia con qualche consiglio per aspiranti registi di cortometraggi. “In primo luogo, sii appassionato di immagini in movimento. Gli strumenti si sono evoluti molto e ti permettono di fare film molto brutti ma anche belli. Questo è ciò che non ho capito quando è stata introdotta per la prima volta l'animazione digitale. All'epoca pensavo fosse utile solo per i videogiochi e per l'esercito!”

Bi jije ni ile
Regia di Andrea Dorfman

Un cortometraggio sull'isolamento sociale dell'era della pandemia globale è forse l'opera d'arte perfetta per il 2021. Andrea Dorfman ha collaborato a stretto contatto con la produttrice del National Film Board of Canada Annette Clarke, la poetessa-musicista Tanya Davis e il sound designer Sacha Ratcliffe per creare il meraviglioso cortometraggio Come essere a casa. Come ci dice Dorfman via e-mail, "All'inizio della pandemia, la mia amica e talvolta collaboratrice, la brillante poetessa Tanya Davis, mi ha inviato la sua nuova poesia sulla vita in isolamento, che è un pezzo tenero, dolorante, riconoscibile, il tipo di poesia che doveva uscire, e sapevo che l'animazione gli avrebbe dato le ali per volare".

Realizzato con un budget di circa 70.000 dollari canadesi ($ 57.000 USA), il cortometraggio utilizza pagine di libri per illustrare i molti stati d'animo e le idee del poema tempestivo di Davis. "Volevo lavorare con gli acrilici, ma la fornitura e la spedizione sono state interrotte dalla pandemia e non sono riuscito a ottenere la carta per l'animazione, ma avevo molti libri", ricorda Dorfman. “Amo i progetti animati che utilizzano i libri (soprattutto Il gioco degli opposti di Lisa LaBracio) ed ero curioso. Inoltre, il motivo di un libro – della lettura, un'attività a cui potremmo rivolgerci mentre siamo isolati in casa – si prestava bene al tema della poesia. I libri stessi erano un'altra storia. Volevo vecchi libri con le pagine ingiallite. Ho trovato diversi libri nel seminterrato della madre del mio ragazzo e il resto è venuto da un amico che lavora in una libreria di seconda mano. Ho usato circa 15 libri in totale.”

La produzione del cortometraggio è iniziata all'inizio di giugno del 2020 ed è stata completata a metà agosto. Dorfman ha combinato la pittura nei libri con l'animazione ritagliata della carta in stop-motion. Ha girato i libri con una fotocamera Canon 7D con obiettivo fisso Nikon a 12 fotogrammi al secondo, utilizzando il popolare software stop-motion Dragonframe. La parte più difficile, secondo il regista, è stata affrontare il clima estivo insolitamente caldo in Nuova Scozia l'anno scorso. "Ho adorato fare questo film, ma stavo animando in una stanza minuscola con la finestra chiusa!" lei ricorda.

Citando i lavori di Amanda Forbis e Wendy Tilby, Lizzy Hobbs, Daisy Jacobs, Daniel Bruson, Alê Abreu e Signe Bauman come alcuni dei suoi preferiti, Dorfman afferma di essere sempre attratta dall'animazione fatta a mano, dove il pubblico può vedere e sentire il presenza degli animatori. Dice anche che ha adorato la risposta estremamente positiva al suo cortometraggio. "La pandemia è stata così dura per così tanti e la poesia di Tanya risuona profondamente", osserva. "La musica, composta da Daniel Ledwell, è emotiva e avvolgente, e il sound design di Sacha Ratcliffe attira lo spettatore per creare un'esperienza commovente e coinvolgente".

Nell'addio, ci lascia anche degli ottimi consigli. "Se hai un'idea per una breve animazione, iniziala!" lei dice. “Non lasciarti sopraffare da quante opzioni ci sono per materiali, stile o approccio da utilizzare. Una volta che inizi, anche se non sai esattamente dove stai andando, lo capirai!”

Ninu iseda
di Marcel Barelli

L'artista svizzero Marcel Barelli è sempre stato affascinato dalla natura. Ma per la sua ultima avventura animata, ha deciso di fare un film che parla di omosessualità per un vasto pubblico. "Ho letto molti articoli che hanno sottolineato che l'omosessualità è molto comune tra gli animali", dice. “Ho pensato che fosse un'idea interessante e un argomento poco conosciuto. In effetti, ci sono pochissimi libri e documentari sull'argomento, forse tre o quattro libri in inglese e uno in francese».

Il passo successivo è stato quello di contattare l'autorità francese in materia, l'etologa e giornalista Fleur Daugey. "Ha accettato di aiutarmi a scrivere il cortometraggio, in qualità di esperta francese in materia", osserva. “La scrittura è stata molto veloce. Ho deciso di trasformare il film in un film per bambini, usando un linguaggio semplice. Mi ci è voluto un anno per fare il corto di cinque minuti. Di solito disegno su carta, ma per la prima volta, per lavorare più velocemente, ho deciso di animare il film con Toon Boom Harmony. Ho usato mia figlia come narratrice per la versione francese! In tutto è costato circa 100.000 euro [about $121,2000].”

Il regista afferma che la sua più grande sfida è stata mantenerlo breve e semplice, nonostante la complessità del soggetto. "Parlare di omosessualità senza parlare di sessualità e sesso è stata un po' una sfida", osserva. "Sono molto contento del risultato, perché sento che possiamo dire a tutti del fatto che l'omosessualità è presente in tutto il mondo, ed è qualcosa che è naturalmente presente in natura".

Barelli afferma che il suo film d'animazione preferito di tutti i tempi è il premio Oscar di Frédéric Backdé L'uomo che piantava alberi. "Amo i film che ci fanno riflettere sull'impatto che ha il nostro modo di vivere", dice. “E cerco di fare lo stesso con i miei pantaloncini. Spero che il nostro corto faccia sorridere, perché è anche un film divertente (spero) ma fa anche riflettere un po'!”

Mamma

Mamma
Regia di Kajika Aki

Quando Kajika Aki aveva 16 anni, ha combattuto contro l'anoressia perché, come ci racconta, il suo corpo non capiva più come vivere. "Poi, a 18 anni, ho capito molto presto che il disegno per me riguardava la sopravvivenza e l'introspezione, ho lavorato molto duramente per molto tempo", ricorda. “Se non facevo il lavoro, alla fine della giornata non potevo né mangiare né dormire”.

L'idea per il suo nuovo cortometraggio animato Mamma è venuta da lei una notte quando ha iniziato a pensare a immagini di cavalli e cani in corsa, quindi li ha disegnati. Dopo aver lasciato gli studi alla Gobelins University in Francia nel 2017, l'artista ha realizzato il cortometraggio utilizzando TVPaint e After Effects, saltando completamente il processo dello storyboard. "Disegnavo un'inquadratura dopo l'altra in base a ciò che mi veniva liberamente in mente", ricorda Aki. “Ho bisogno di libertà per creare e non posso lavorare per un pubblico. Lavoro con “lampi” di evidenza e intuizione; non c'è limite alla mia onestà mentre creo perché non ne ho il controllo: è un atto puro ed egoistico".

Aki dice che si è buttata nel progetto e ci ha lavorato senza sosta. "Allora ci è voluto molto tempo per trovare musicisti e mezzi finanziari", dice. “I miei compositori (Théophile Loaec e Arthur Dairaine) hanno fatto un lavoro impressionante, mi sento così fortunato ad averli incontrati al momento giusto. So quanto sia importante l'audio in un film".

Trova divertente che solo alla fine del processo si sia resa conto che il suo corto parlava d'amore. “Riguarda la prima forma d'amore che ho ricevuto sulla Terra, così l'ho chiamata Mamma", spiega Aki. “Il titolo arriva sempre alla fine, perché non so di cosa sto parlando finché non è finito. Libertà e onestà sono parti essenziali della mia definizione di amore; e comincia con l'essere vero con me stesso”.

Guardando indietro, dice che la sfida più grande per lei è stata rispettare il proprio corpo durante la produzione del cortometraggio. “Posso lavorare come un computer e dimenticarmi di mangiare o di muovermi. Dopo due mesi di lavoro su Mamma, sono sceso dal letto e sono caduto a terra perché le mie gambe non si muovevano più. Ero solo nel mio appartamento e per cinque minuti ho pensato di aver perso le gambe. Poi, dovevo allenarmi per 30 minuti ogni giorno… Non sono un buon esempio di qualcuno che conduce una vita sana! Lavorare da solo e creare è come respirare o vivere, e tutto sembra logico quando sono solo: faccio più fatica quando sono in vacanza!”

Labẹ awọ ara, epo igi
Regia di Franck Dion

L'artista francese Franck Dion ha fatto schizzi ad Annecy negli anni passati con i suoi cortometraggi Edmond era un asino (2012) ati Ori parun (2016). Quest'anno è tornato con un nuovo progetto che dice di aver realizzato come risposta al suo lavoro precedente. "Penso che sia stato un fallimento dal momento che ho passato un anno e mezzo a lavorare per ottenere un risultato che non era affatto quello che volevo fare", ricorda. “È stato estremamente frustrante e triste. Mi sono molto incolpato di me stesso, e questo ha avuto l'effetto di accelerare il processo di una depressione che incombeva su di me da molto tempo».

L'ispirazione è arrivata un paio di anni fa, quando Dion ha lavorato a un progetto di video mapping con Gael Loison e ha scoperto la musica del Dale Cooper Quartet & The Dictaphones. “Ho subito riconosciuto nella loro musica un'emozione molto stimolante”, dice il regista. "Allo stesso tempo, mentre stavo scrivendo il mio primo lungometraggio, ho avuto l'idea di un cortometraggio che presentasse un personaggio non amato dal suo autore".

La pandemia del 2020 ha spinto Dion a concentrarsi sul suo cortometraggio e a collaborare con Loison e la sua band. Ma il suo processo era diverso dalle sue precedenti iniziative. "Per questo progetto, ho capovolto l'intero processo", osserva. “Ho iniziato costruendo il burattino demiurgo senza sapere davvero quale sarebbe stata la sua storia. Ho cambiato il suo aspetto decine di volte per rendermi finalmente conto che non era la sua storia che volevo raccontare ma piuttosto la storia della sua creazione, il personaggio del cacciatore che disegna".

Dion ha utilizzato disegni a inchiostro scansionati e ha lavorato sia nella modellazione 3D che nel 2D digitale per assemblare il progetto. Aggiunge: “Naturalmente, c'è il talento del Dale Cooper Quartet che ha composto la musica per il film, così come Chloé Delaume e Didier Brunner, le cui voci sentiamo sulla segreteria telefonica. Poi c'è il sostegno incrollabile di mia moglie, che mi è particolarmente preziosa».

Il regista dice che gli piaceva improvvisare ed esplorare i piaceri dell'artigianato. “Amavo passare dal disegno tradizionale alla scultura, dall'animazione al compositing, con sempre la stessa gioia. Trovo queste diverse tecniche così affascinanti e complementari. Io, che ho conosciuto l'animazione in Super 8, mi dico spesso che è una grande opportunità poter sfruttare gli strumenti digitali di oggi con tanta facilità".

Naturalmente, ogni viaggio creativo ha le sue ricompense. Per Dion, il corto gli ha permesso di giocare con un modo di lavorare radicalmente diverso. “Ho imparato a lasciar andare le solite contingenze: penso che dovevo sfogarmi un po'! È stata un'esperienza molto forte e felice che mi ha permesso di continuare a lavorare al mio lungometraggio con molta più serenità!”

Conversazioni con una balena
Regia di Anna Bergmann

Anche le orribili lettere di rifiuto dei festival cinematografici possono fungere da improbabili fonti di ispirazione. Basta chiedere ad Anna "Samo" Bergmann, che ha creato una cartella speciale per salvare tutte le email di rifiuto che ha ricevuto dai festival di animazione di tutto il mondo. “Sono stato viziato dal successo del festival precedente dei miei giorni da studente, e mi aspettavo che le cose fossero le stesse per il mio nuovo film. Sconvolto dal mio fallimento, stavo cercando di capire le ragioni della portata della mia depressione e di trovare nuove motivazioni per continuare a lavorare come artista e regista".

Il suo nuovo corto Conversazioni con una balena le ha permesso di reinventare il suo processo creativo. "Ho cercato di mantenere la creazione più intuitiva, consentendo alle cose di crescere in movimento", spiega. “Non avevo storyboard o animatic, solo un'idea approssimativa, una sensazione. Le idee per il film sono nate sul tavolo dell'animazione, durante la realizzazione dell'animazione. È stato spaventoso e fastidioso per me non sapere esattamente come si sarebbe sviluppato il film, ma ha anche portato più entusiasmo in ogni fase della realizzazione del film".

Secondo il regista, Conversazioni con una balena è stato creato direttamente sotto l'obiettivo della fotocamera. "Disegnavo con matite a carboncino e pastello secco su carta kraft, utilizzando animazioni ritagliate e pixellate, oltre agli oggetti che ho costruito", osserva. “Stavo lavorando principalmente su un livello, ma a volte avevo un secondo livello di vetro per aggiungere profondità al telaio. Ho anche fatto buon uso dei blocchi Duplo e del mastice appiccicoso bianco per fissare e trattenere gli oggetti nella mia animazione. Per quanto riguarda il software e l'attrezzatura, usavo Dragonframe insieme a una fotocamera Nikon D800 e facevo l'editing in Adobe After Effects e Premiere."

Bergmann, che sceglie aladugbo mi Totoro, Ilu enchanted, La casa del lupo, Quando arriva il giorno e Racconto di racconti come alcuni dei suoi preferiti nel regno dell'animazione, dice di sentirsi fortunata di essere riuscita a risolvere il puzzle del suo progetto animato. "Non ero sicura fino alla fine che sarei stata in grado di trovare tutti i pezzi mancanti", osserva. “Mi sento fortunato che tutto abbia funzionato! Questo film è la mia lettera d'amore agli artisti, all'arte, al suo pubblico e in particolare all'animazione. Spero che le persone che guardano questo film sentano questo amore e sentano il sapore della magia che accade ogni volta che i miei personaggi iniziano a vivere la propria vita".

Notte di giugno
Regia di Mike Maryniuk

I molti volti della leggenda del cinema muto Buster Keaton e del mondo naturale sono molto presenti nell'ultimo cortometraggio dell'artista Mike Maryniuk. Il regista afferma di voler esplorare il sogno della pandemia nel progetto. “La logica del sogno è qualcosa che mi piace molto come spettatore e sognatore; fornisce un margine di manovra artistico e permette a un universo cinematografico di sbocciare”, spiega. Avevo anche coltivato piantine per il giardino e immaginavo che desiderassero ardentemente uscire. Volevo esaminare il nostro rapporto con la natura, che può essere riparato solo ricalibrando, riconoscendo l'inutilità di certe occupazioni e immergendo contemporaneamente un dito di ciascun piede nelle pozze del passato e del futuro, mentre fissavo l'intricato noodle che è il presente!»

Il progetto del National Film Board of Canada, prodotto con un budget di 68.000 dollari canadesi (circa 55.400 dollari USA), è stato completato la scorsa estate in un periodo di quattro mesi. "Ho usato molti coltelli X-Acto, un sacco di inchiostro per stampanti, cartoncini, miniature, lampade UV, piante in crescita time-lapse – tutto catturato utilizzando Dragonframe e alcune fotocamere Sony", ricorda Maryniuk. “Il mio produttore, Jon Montes (NFB), ha contribuito a elaborare alcune delle idee e le immagini d'archivio di provenienza. Il reparto di produzione era un esercito di una sola persona. Avevamo un ottimo team di suoni e musica (Andy Rudolph, Kelsey Braun, Sarah Jo Kirsch e Aaron Funk). Molte persone della NFB hanno lavorato dietro le quinte con la loro magia".

Il regista si dice abbastanza soddisfatto del livello di libertà artistica che gli è stato concesso per il suo progetto di passione. “Sperimenta interventi sincronistici creativi dal mondo intorno a te, troppo strani ed eccitanti per non includerli nel processo creativo”, sostiene. "Immagino che il processo di creazione di questo film sia stato in realtà la parte più piacevole, e rendere omaggio a Buster Keaton, il regista indipendente originale, è stato piuttosto speciale". E la parte più difficile del lavoro? Risponde: "Devo dire che probabilmente stava tagliando 16.000 singoli Buster Keaton dalla carta!"

Quando gli è stato chiesto di parlarci di alcuni dei suoi lavori animati preferiti, ha menzionato quello di Caroline Leaf Due sorelle, di Virgil Widrich Film veloce, Ed Ackerman e Greg Zbitnew's 5 centesimi a copia, così come qualsiasi cosa di David Daniels, Leslie Supnet, Helen Hill e Winston Hacking. È anche meravigliosamente aperto quando si tratta di consigli sulla forma d'arte. "L'animazione può essere un sacco di cose", sottolinea. “Le ultime tecnologie sono fantastiche, tuttavia lavorare con le mani, tecnologie antiquate e una mentalità artigiana può diventare l'antidoto allo stare seduti davanti a uno schermo. Ciò consente all'editing, alla colorazione e al compositing di diventare l'antidoto al noioso lavoro fatto a mano. In definitiva, trovare una sorta di equilibrio è importante quando si lavora. Non devi essere bravo, devi solo lavorare sodo ed essere te stesso".

Per maggiori informazioni sulla selezione di Annecy di quest'anno, visita www.annecy.org.