Como 'The Willoughbys' usa CGI para criar um visual feito à mão (arte exclusiva)

O antigo e o moderno, o fantástico e o real, encontram-se e colidem ao longo da história, e essas dinâmicas são refletidas no design do filme. No geral, os recursos animados da Netflix evitam a linguagem visual convencional dos grandes estúdios e CGI Os Willoughbys não é exceção: ele se deleita com paletas ousadas, texturas exaltadas e um estilo de animação que presta homenagem para interromper o movimento. (Vale a pena notar que essa abordagem já estava em vigor quando nós relatamos o filme pela primeira vez em 2017, antes do embarque da serpentina. O filme foi desenvolvido e animado durante a Animação Bron do Canadá.)

A aparência do filme é em grande parte obra do diretor Kris Pearn (Chovendo Almôndegas 2) e o designer de produção Kyle McQueen (A família Addams) Abaixo, ao lado da arte exclusiva dos bastidores, eles compartilham seus princípios criativos e falam sobre suas inspirações - de Cidadão Kane para morcegos nos banheiros.

Casa de Willoughby: mais um túmulo do que um lar

Cris Pearn: Quando eu era criança, meus avós eram cuidadores de uma antiga casa vitoriana em minha cidade natal, London, Ontario. Eu sempre achei o lugar cheio de cantos e fendas fascinantes. E estava cheio de morcegos. Nós os encontramos nos banheiros. Anos depois, quando a casa foi demolida, era como se parte da minha infância tivesse passado por ela.

Eu queria que a casa de Willoughby tivesse aquela sensação: de um lugar que ele havia esquecido um pouco naquela época, perdido em uma cidade normal. Falamos sobre isso como se fosse um museu ... um lugar divertido para o público visitar, mas também um lugar desbotado que se tornou mais um túmulo do que uma casa. Kyle escolheu as cores quentes do outono para sugerir que a casa estava no fim de seu ciclo.

Kyle McQueen: A casa é uma cápsula do tempo repleta de sucessos de Willoughby. Queríamos que fosse quente, mas com uma paleta de cores de outono controlada. Era para parecer extravagante, mas também um lugar de onde as quatro crianças eventualmente precisam sair. Há muito que foi esquecido pelo mundo exterior, então o enterramos neste idílico jardim não tratado e o esprememos entre dois enormes arranha-céus de concreto.

A cidade: um mosaico organizado com sabor artesanal

Aprender: Sempre imaginei que fosse uma cidade "no leste" - Chicago, Toronto, Pittsburgh - o tipo de lugar urbano construído em um passado industrial com uma população diversificada. Queríamos que tivesse cores e formas não relacionadas a Willoughbys: muitas linhas retas e formas repetitivas. Eu amo que parecia um conjunto com pinturas mate que pareciam pinturas.

Mesmo com extras, como pessoas e carros, buscávamos uma harmonia de formas para acentuar a diversidade de cores, então o lugar parecia um mosaico organizado ... Manter aquela sensação artesanal foi importante para harmonizar mundos, até mesmo no trânsito empilhando, queríamos que os carros parecessem brinquedos (um pequeno aceno de cabeça Haroldo e Maude).

McQueen: É muito simples e utilitário. Nós minimizamos a paleta e a mantivemos limpa e fresca para permitir que qualquer cor ativa realmente apareça contra ela. As multidões, os veículos, as lojas e a luz deveriam ser novos tanto para as crianças quanto para o público.

Inspirando-nos em livros infantis ilustrados de meados do século, descartamos tudo que não fosse dinâmico para que a ação pudesse ser lida com clareza, como olhar para ilustrações coloridas a guache em uma página em branco. A inclinação era muito [Miroslav] Uma maneira inspirada por Šašek de adicionar dinâmica e personalidade ao mundo e se afastar de um olhar rígido para uma sensação mais relaxada e artesanal.

Fábrica de Melanoff: Citizen Kane, mas com doces

Aprender: A fábrica de doces era uma metáfora para seu ocupante: o comandante Melanoff. Nós tínhamos decidido nos esforçar muito nos tropeços de Daddy Warbucks, Willy Wonka e Cidadão Kane para o comandante, por isso amamos a ideia de que a fábrica era grande e sombria por fora, mas continha uma doçura oculta por dentro.

O espaço negativo das duas torres da fábrica tem a forma de um comandante tombado, uma espécie de metáfora: uma peça que faltava. Muito parecido com os Willoughbys, ele é um estranho que precisa de uma família, então, tematicamente, esse cenário e o espaço que ele proporcionou para apoiar essa história.

McQueen: O azul monocromático ecoa os sentimentos do comandante, enquanto as cores vivas dos doces refletem a felicidade e o calor de que ele é capaz, mas do qual falta em sua própria vida.

Aprender: Sabíamos que queríamos ajustar a cinematografia para apoiar colisões de mundos. A câmera da casa está praticamente bloqueada. Queríamos transformar a casa como uma comédia (cortes repetitivos, cenas longas, cenas claras), mas assim que entram na cidade, a câmera se move. As cores viajavam das laranjas aos marrons da casa, ao arco-íris brilhante que formava um pedaço da cidade, ao frio azul e cinza do carro. Até a música acompanhou essas mudanças de posição.

Balanceamento de conjuntos monocromáticos e cores do arco-íris

Aprender: Kyle sempre quis que o filme começasse no outono e terminasse no inverno (na montanha alpina). Era importante para mim que o público sempre pudesse rir e desfrutar da farsa comédia, então o roteiro colorido de Kyle sempre manteve o clima, monitorando as emoções do filme. Sempre que as crianças assumem um risco e pressionam por sua independência, são recompensadas com cores. Todos os personagens se movem de seus mundos básicos para a cor.

McQueen: Os Willoughbys é uma história de crescimento e mudança, e desde o início eu queria que a cor refletisse esse arco emocional. Acabamos fazendo três roteiros de cores diferentes sobre a evolução da história, mas sempre levando a escolhas de cores muito específicas em cada cena. O preto é muito raro, especialmente com grupos de cores livres e semelhantes.

É muito fácil sobrecarregar o público com um milhão de cores em um filme de animação, mas eu queria ter um uso mais deliberado da cor, mais como live action ou fotografia, e não ter medo de fazer escolhas ousadas, como um fábrica de doces totalmente monocromática. O arco-íris foi importante, mas teve que ser introduzido em pequenas partes ao longo da jornada, levando ao momento em que as crianças finalmente saem em sua jornada e escapam de seu passado, onde abrimos a torneira e deixamos a cor realmente estourar na tela.

Canalização de livros infantis e animação 2D clássica

Aprender: Desde o início, sempre quis reduzir os temas mais sombrios do romance. Era importante que o filme fosse divertido, então o movimento que estávamos perseguindo dependia muito dos princípios clássicos de 2D. Menos é mais. Escolhas fortes de pose para pose. Composições gráficas.

Queríamos que o filme trouxesse aquele tom de época, então a ideia de texturas acentuadas, câmera simples, sem desfoque de movimento e forte profundidade de campo é baseada no estilo. Sempre que possível, usamos dois em vez desses. Helén Ahlberg, nosso principal fx, costumava colocar elementos como fogo e fumaça no três e no quatro, que [aumentavam o toque artesanal].

McQueen: [Uma cena que muda para uma estética 2D de rolagem lateral] foi nosso pequeno aceno para os livros ilustrados de meados do século que influenciaram nosso estilo. Queríamos que parecesse que estávamos virando as páginas de um livro, assistindo o dirigível viajar pelo branco da página.

Aprender: [Lowry ilustrou o romance sozinha, mas] não estávamos realmente nos referindo às ilustrações dela. A ilustração da casa na capa do livro foi instrutiva no início para apoiar a ideia da casa antiquada. Experimentamos com olhos de pontos no início do processo, mas, à medida que desenvolvíamos a estética artesanal, nos afastamos das ilustrações do livro. Assim que contratamos Craig Kellman para projetar nosso elenco, confiamos em seu gênio para nos guiar. Embora eu respeite e ame muito o livro de Lowry, precisávamos que o filme se baseasse em seus princípios visuais. Tem apoiado maravilhosamente o desenvolvimento do nosso mundo.

McQueen: Fomos influenciados mais pelo tom da história do que pelas ilustrações do livro original. Gostei da ideia de que essas crianças eram parte de uma família antiquada que cresceu com os livros, e isso realmente influenciou a maioria de nossas escolhas visuais. Isso significava que nada deveria ser digital ou nítido. Há um ligeiro deslocamento em toda parte, um absurdo que ecoa a sensação artesanal de livros e ilustrações. Queríamos que tivesse uma sensação muito visceral.