Alessandro Correa om genfortolkningen af ​​Medea til animation

Alessandro Correa er animator, illustrator og universitetsprofessor med base i Sao Paulo, Brasilien og er i øjeblikket repræsenteret som Toon Boom-ambassadør. Alessandro begyndte at animere digitalt ved hjælp af Toon Boom-software i 2010. Fra og med 2016 har han undervist i et kursus om animationsprincipperne ved hjælp af Harmony.

Vi interviewede Alessandro om hans eksperimentelle afhandlingsfilm, Medea, som du kan se i sin helhed nedenfor. Baseret på Euripides 'spil med samme navn, Medea skifter mellem det moderne og det gamle, mens det forbinder tarotbillederne med den græske mytologi. I vores interview udforsker Alessandro begreberne rum og tid, produktionsprocessen bag Medea og hans råd til uafhængige skabere.

Euripides 'Medea går tilbage til 431 f.Kr. og er blevet fortolket adskillige gange til teater og biograf. Hvad var denne klassiske komedie, der fik dig til at udforske dens temaer i animation?

Jeg havde læst stykket et par gange, og historien havde stor indflydelse på mig. Derefter spillede jeg rundt med nogle ideer og kladder, men da jeg ikke kunne finde nøjagtigt, hvad der flyttede mig, bortset fra svig og mord. Jeg blev ved med at udsætte projektet.

For cirka fem år siden var jeg lige færdig med en kort animation kaldet Hellhounds og var ved at starte mine mestre i billedkunst. Min forskning har handlet om ændringer i animationsproduktionen i Brasilien, efter at computere, software og Internettet begyndte at vinde popularitet i slutningen af ​​90'erne. Begyndelsen af ​​det nye århundrede medførte positive ændringer i landets politiske scene. Præsident Lula og præsident Dilma var i stand til at tilbyde et niveau af finansiel stabilitet og social udvikling, der gjorde det muligt for et stort antal mennesker at have adgang til computere. Digital animation, især uafhængig animation, er blevet hurtigere og billigere at producere, og nye programmer har øget antallet af film generelt, hvilket har skabt behovet for love og regler for at fremme produktionen.

For bedre at undersøge virkningen af ​​disse ændringer i animationsscenen følte jeg behovet for at producere en film, der ville hjælpe mig med at se processen indefra. Medea sprang tilbage.

Jeg genlæste stykket, og jeg indså, at det, der skubbede mig mod den historie, var de "transitter", som karakteren udførte på siderne. Medea syntes altid at bevæge sig rundt i paladset. I slutningen af ​​stykket er han i eksil og flygter landet i en vogn. Hendes servitrice og endda koret så også ekstremt dynamisk ud, bevæger sig rundt, går steder, blander sig og kommenterer historien.

Som du sagde i dit spørgsmål, sender Medea også uden for stykket mere end to tusind år efter skrivningen. Han er en popikonfigur i mange tegneserier, film og malerier.

Idéen om transit, forandring, bevægelse forbundet med historiens dramatiske charme hjalp mig med at forstå den nye bevægelse i den brasilianske animationsscene.

Hvad var nogle af indflydelserne bag den korte visuelle stil i animation og kunst?

Da min forskning fokuserede på virkningen af ​​digital teknologi i animation, endte jeg med at tilføje elementer i min afhandling i kortfilmen. Da jeg begyndte at lege med gamle computerprojekter, fjernsyn osv., Udvidede fortællingen til et sammenbrud af rumtid. Elementer af antikgræsk blev lagt oven på artefakter fra det 20. århundrede, og Medea udviklede evnen til at bevæge sig på forskellige virkelighedsplaner. Det kongelige palads er for eksempel opdelt i to forskellige kongeriger, den ene gamle, den anden urbane og moderne.

Hvert element i hver scene blev tegnet tre gange - en tegning, hver to billeder - og animeret i en kontinuerlig cyklus, hvilket skabte en vibration, som om parallelle dimensioner altid var ved at kollapse.

Jeg brugte solide farver i begrænsede nuancer af blå, lyserød, sand og gul, inspireret af gamle CGA-paller. Henvisningerne på tv'et, som Jason ser, kommer fra min erfaring med tv-billeder i 80'erne.

Da Medeas historie er velkendt, tænkte jeg, at det ville være meningsløst at genfortælle den samme historie på en lineær og naturalistisk måde. Først fandt jeg ud af, at surrealisme var en god inspirationskilde ... men det var også lidt for indlysende. Går længere tilbage i tiden, stødte jeg på det 1886. århundredes symbolik. Deres manifest, der blev offentliggjort i XNUMX, sagde, at sandheden kun kan findes i subjektiv oplevelse, så menneskelige aktiviteter, verden, virkelighed og begivenheder bør ikke repræsenteres som tingene selv, men som de effekter, de frembringer.

Dette var den nøgle, jeg ledte efter for at låse mulighederne i denne animation op.

Medtag tarotbilleder sammen med stillbilleder fra filmen i din portefølje. Hvordan blev tarotkort brugt til at påvirke filmens billeder og få forbindelser til komediens mytologi?

Medea var en troldmand. Da jeg tænkte på, hvordan gammel magi kunne spille en rolle i filmen, kom nogle få ideer til at tænke på: kort, knogler, runer og stjernetegn. Tarotkort er blevet et godt valg. Gennem kortene var jeg i stand til at tilføje noget uforudsigelighed til processen.

Den måde, kortene spilles på, gjorde det muligt at blande nogle ideer tilfældigt. I en tarot-læsning vil sagsøgeren bruge deres viden om symbolske elementer kombineret med intuition til at fortolke de billeder, der vises i henhold til en kosmisk vilje. Styrken bag læsning er ønsket om at finde orden i kaoset med tilfældige billeder.
Jeg indsamlede de 22 hovedkort fra den berømte Marseille-tarot, som antages at være skabt omkring det 15. århundrede, og begyndte at lege med dem, analysere deres design og forskellige elementer i dens sammensætning. På en semi-afslappet måde begyndte jeg at læse kortene, øve dem og læse dem, mens jeg var på udkig efter forbindelser mellem deres billeder og historien.

Efter et stykke tid blev Medea forbundet med både tåben, kortnummer uden nummer og guiden, kortnummer 1. Jason var knyttet til kortnummer 15, Djævelen. Pigen i historien såvel som koret blev fusioneret med kortnummer 13, Døden. Hvis jeg havde haft kejseren eller paven for Jason, eller måske hængeren eller retfærdigheden for Medea, ville historien have taget en anden drejning med hensyn til design og endda fortælling.

Scenografien blev også bestemt af en kombination af kort: scenen, hvor Medea forvandles til en rovfugl og ødelægger hendes æg, blev taget fra en række kort: Månen, Tårnet og Solen.

Jeg havde brug for at se filmen nøje for at lægge mærke til de grundlæggende elementer i stykket: den forgiftede kjole, Medeas børns død og en taxa i rollen som Helios 'vogn. Hvilke plotelementer fandt du vigtigst at inkludere eller henvise til?

Jason brød op med Medea for at gifte sig med prinsessen, efterfulgt af forgiftning af den kongelige familie, drab på børn og Medeas eksil er de vigtigste begivenheder i stykket. Dette er de afgørende øjeblikke. Uden dem ville historien simpelthen være blevet noget andet, så på et tidspunkt måtte de blive vist. Men da jeg ledte efter symbolik i de visuelle elementer, måtte jeg prøve at gøre det samme med selve fortællingen. Jeg opgav at skrive scriptet og begyndte at arbejde med nogle enkle storyboard-skitser ved hjælp af den direkte animationsmetode uden nøglepositioner. På den måde vidste jeg aldrig, hvor længe hver scene ville vare.

Jeg ringede til den korte Medea, ligesom spillet. Et navn gennemsyret af betydning, der straks minder om hele den hævngerrige troldmands drama. Resultatet, tror jeg, er en sekvens af drømmescener, hvor seeren tages gennem genstande, steder og karakterer fyldt med esoterisk energi, flydende og levende rum og en undvigende fortælling.

Hvordan var Medeas produktionsproces, hvor lang tid tog kortfilmen dig, og hvor mange kunstnere var involveret?

Det tog mig omkring halvandet år at færdiggøre filmen. Jeg arbejdede alene på billederne til animation ved at bruge min fritid. Mens jeg arbejdede på Medea, interviewede jeg også andre animatorer, rejste til forskellige byer for at møde dem, deltog i klasser, freelancing som en bevægelsesgrafikdesigner og skrev afhandlingen.

Gruppen af ​​mennesker, der var involveret i processen, var meget lille, kun fire, inklusive mig:

Gavin Folgert, en ven fra Madison, Wisconsin, gav mig musikken. Vi har allerede arbejdet med andre projekter, og han sender mig altid nyt materiale, som han fremstiller.
Horacio Velasquez var udgiveren. Han var min universitetsprofessor i min tid som universitetsstuderende i film og tv. Vi fortsætter også med at arbejde sammen om forskellige projekter.
Murillo Denardo han var ansvarlig for lydeffekterne. Vi blev introduceret til en gensidig ven.

Hvilken scene var den mest stimulerende, teknisk eller kunstnerisk?

Sandsynligvis den sidste. Det var slutningen på en lang proces, både i filmen og i afhandlingen. Der var deadlines til at mødes, usikkerhed omkring processen og det generelle drama om at arbejde i en uafhængig produktion - tegnene ser ud til at tage et eget liv. På et tidspunkt indser du, at du bruger meget mere tid med fiktive animerede figurer end med rigtige mennesker.

Derudover havde filmen en fortællingsstrøm, der stopper brat i sidste øjeblik. Medea bevæger sig fra sin antikke græske virkelighed til den moderne. Han tager en gul taxa - vognen sendt af sin bedstefar, solguden - og kører væk. Hans skygge kommer ind og dækker hele scenen med sin mørke kappe. Det øjeblik kommer pludselig uden meddelelse eller stort klimaks. På en måde er det en anti-klimaks slutning. Ideen var at lede publikum gennem en sløret linje, en fortælling, en løbende historie ... og derefter klippe den halvvejs, som om seeren, der ikke var i stand til at følge Medea til sin nye position, skulle vågne op af transen, alene i tide til at spørge: "Hvad skete der lige? Hvad så jeg?"

Hvilke Harmony-funktioner var mest nyttige i produktionsprocessen? Var der nogen softwarefunktioner, du lærte, mens du arbejdede med filmen?

Min første kontakt med Toon Boom skete måske omkring 2005 eller 2006, da programmet ankom i Brasilien. En ven gik til en demonstration og et seminar og begyndte at arbejde på det. Omkring 2010 afsluttede jeg en kortfilm med titlen Sidereal Fodboldklub. Han vandt en pris for bedste blandede medier, og prisen var en Toon Boom-softwarelicens.

Jeg begyndte at opleve det.

Efter et stykke tid tog jeg et to ugers kursus og endte med at undervise det til mine studerende i en klasse kaldet 12 Principles of Animation.

Til Medea - og et par andre korte film, jeg har lavet - brugte jeg Harmony i en direkte animationsmetode, hvor jeg designede hver ramme ved hjælp af en tabletop-tablet uden at bekymre mig for meget om nøjagtighed for at give det et slags rå look.

Har du noget råd til underholdere og kunstnere, der vil skabe deres egne kortfilm?

Hvis du arbejder med indie-animation, skal du sørge for at fortælle den historie, DU VIL, som du vil fortælle den. Forestil dig, hvordan du gerne ville have set det, hvis det blev lavet af en anden.

Under produktionen skal du glemme seerne, kritikerne og platformen, hvor den skal spilles. Hvis du prøver at gøre noget for at imponere andre eller nå et marked eller en gruppe, vil du sandsynligvis have en dobbelt dosis problemer og bekymringer, fordi smagen fra et publikum kan være uforudsigelig. Sørg for, at du er tilfreds med resultaterne. Fokuser ikke for meget på mulige fejl, du laver undervejs, eller hvis animationen ikke er perfekt eller ideel. Bliv ved med at forbedre og lære så meget som muligt. Ret fejl i den næste, spild ikke mere tid med et færdigt projekt.

Uafhængige film er en fantastisk måde at skabe en portefølje på, deltage i festivaler og møde relateret spiritus. Find og forstå den type historier, du vil fortælle. Spørg, om din historie skal fortælles, og hvad det betyder i dagens verden.
Endelig: tag en chance og have det sjovt. Eksperimenter med historiefortælling, historiefortælling, design, rytme, det er jo din vision.

Er du nysgerrig efter at se mere fra Alessandro Correa? Sørg for at besøge hans portefølje- og Behance-sider for at se hans arbejde i animation samt eksempler på et rotoscope-projekt, han laver med sine studerende.