Visuelle Entwicklung animierter Kurzfilme: Interviews mit Regisseuren

Eine visuelle Reise: Wie Regisseure ihre Werke für die Oscars gestalteten

Da die Abstimmungsfrist für die Oscar-Nominierung näher rückt, hatten wir die Gelegenheit, mit einigen der nominierten animierten Kurzfilmregisseure zu sprechen. Wir haben sie gebeten, uns zu erzählen, wie sie die visuelle Herangehensweise an ihre Filme entwickelt und wie sie den Stil oder die Techniken ihrer früheren Arbeiten verändert haben. Hier sind ihre Antworten in umgekehrter alphabetischer Reihenfolge.

Beginnen wir mit „Once Upon a Studio“ von Dan Abraham und Trent Correy, bei dem besonderer Wert darauf gelegt wurde, die Charaktere genau so zu gestalten, wie wir sie aus ihren Originalfilmen kennen, während sie innerhalb der Mauern ihres Filmstudios leben und mit verschiedenen Medien und Stilen interagieren in den letzten 100 Jahren. Bei den CG-Charakteren gab es zwischen den Teams einen enormen Aufwand, um frühere Charaktere neu aufzubauen und sie für die Arbeit mit neuen Technologien zu aktualisieren. Mit handgezeichneten Charakteren wollten sie ihre Flachheit umarmen und zelebrieren, sie aber in ihre dreidimensionale Umgebung bringen.

Bei Yegane Moghaddams „Our Uniform“ wollte die Regisseurin eine minimale visuelle Atmosphäre schaffen, also entschied sie sich für eine monochromatische Palette und ließ die Hintergrundtexturen Teil der Charaktere selbst werden. Später entschied er, dass die Schwarz-Weiß-Palette dem Film möglicherweise ein veraltetes Aussehen verleihen würde, und entschied sich daher für Buntstifte, mit denen er ein zufriedenstellendes Ergebnis erzielte. Die Bleistiftstriche ähnelten Stickereien auf Stoff, was zum Gesamtbild des Films beitrug, in dem es um Kleidung, Fäden, Texturen usw. ging.

Dann ist da noch Stéphanie Cléments „Pachyderme“, ein CGI/3D-Film, der in seinen Konzeptzeichnungen die malerische Wiedergabe und die Freiheiten mit den Regeln der Perspektive beibehalten musste. Alle in verschiedene Schichten unterteilten Sets wurden vollständig „von Hand“ bemalt. Er wollte Bilder schaffen, die durch das einfache Spiel von Farben, Aufnahmen und Kompositionen beim Betrachter ein gemischtes Gefühl von Süße und Unbehagen hervorrufen.

Regisseur Bret Parker wusste von Anfang an, dass er bei seinem Film „Pete“ einen Tusche- und Aquarell-Look haben wollte, der von den frühen Illustrationen von Winnie the Pooh inspiriert war, aber die Entwicklung des Looks des Films war eine der größeren Herausforderungen. Der Film wurde mit der Pixar Cooperative gedreht, daher musste eine Möglichkeit gefunden werden, einen anderen Look als herkömmliche Animationen zu schaffen. Die letzte Komponente des Erscheinungsbilds des Films war die Beleuchtung, die untersucht wurde, um herauszufinden, was „Beleuchtung“ in einem 3D-Raum bedeutet, der wie ein Aquarell aussehen sollte.

„27“ von Flóra Anna Buda ist ein persönlicherer und linearerer Film als ihr vorheriger Kurzfilm „Entropia“. Der Regisseur wollte einen poetischeren visuellen Stil und realistischere Farbkombinationen wählen. Was die Kompositionen angeht, wählte er ein Seitenverhältnis von 3:4, um den Schwerpunkt auf die Action zu legen, die im Film sehr wichtig war, und gleichzeitig ein angespanntes und klaustrophobisches Gefühl zu erzeugen.

Denn „Der Krieg ist vorbei! „Inspiriert durch die Musik von John & Yoko“ von Dave Mullins konzentrierte sich die Produktion mehr auf einen unverwechselbaren handwerklichen Stil, ähnlich den Kriegsplakaten des Ersten und Zweiten Weltkriegs, als auf den Produktionsstil von Pixar. Der Linienstil und die Handpinselstriche waren eine Hommage an die traditionelle Animation, während der handgemalte Stil aus der Liebe zur Malerei und tadellos ausgeführten Konzeptkunstwerken entstand.

Schließlich „Wild Summon“ der Regisseure Karni Arieli und Saul Freed, das Animation und Live-Action in einem Stil mischt, der als „informelle Fantasie“ definiert wird. Es handelt sich um ein fotografisches und filmisches Bild, das fantastische Elemente auf direkte und informelle Weise einbezieht, meist mit natürlichen Elementen und Tieren. Der Hauptfokus lag auf dem Design- und Animationsstil der weiblichen Figur und den verschiedenen Stadien ihres Wachstums, was eine Änderung der Farbe und Textur im Design erforderte.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Vielfalt der Stile und Techniken, die die Regisseure der in diesem Jahr für den Oscar nominierten animierten Kurzfilme verwenden, die große Bandbreite an Möglichkeiten zeigt, die das Medium bietet, von handwerklich bis digital, von malerisch bis realistisch. Sie sind ein Beweis für die Kreativität und den Einfallsreichtum der Regisseure, ihre filmischen Visionen zum Leben zu erwecken.



Quelle: www.cartoonbrew.com