Profession: Animateur - Astuce d'or J'aurais aimé que quelqu'un m'ait donné plus tôt

Le conseil en or que j'aurais aimé que quelqu'un m'ait donné avant ...

Il serait partial de ma part de dire que les professionnels de l'animation ont la meilleure carrière au monde. Nous apportons de la joie à des millions de personnes, quels que soient leur âge, leur race, leur sexe ou leur orientation sexuelle. Nous avons la capacité de recréer le passé, d'imiter le présent, d'imaginer le futur et de donner vie à toutes sortes d'histoires, vous faisant pleurer, sourire, ressentir de la peur ou de la nostalgie. Travailler avec l'animation c'est, en d'autres termes, recréer la vie et, en attendant, emmener le public dans un voyage émotionnel.

Engager le public dans ce voyage et l'impliquer émotionnellement dans quelque chose que vous avez donné vie est en fait un sentiment incroyable. Mais ce travail, bien que surprenant, est toujours un travail, et il a derrière lui une industrie de plusieurs milliards de dollars qui exige constamment du contenu. Selon IMDb, il y a près de 10.289 émissions d'animation en production à ce jour et plus de 100 films d'animation des principaux studios et productions indépendants en 2019 seulement, sans parler des jeux vidéo, du contenu de réalité virtuelle et plus encore. Tout cela se traduit par des quotas à respecter, un nombre de secondes par semaine pour les acclamations ou un planning avec des délais étranges à respecter. Ce secteur vous poussera toujours à produire, produire, produire.

Cette pression constante nous amène à développer une mauvaise habitude d'aller trop vite, nous incitant à développer ce qui est commun, confortable, la même vieille recette encore et encore. L'art incroyable de recréer la vie laisse place à des animations génériques pour atteindre une certaine altitude. Il est difficile d'obtenir une reconnaissance lorsque vous commencez votre carrière, et encore plus difficile de faire quelque chose de bien dans une industrie qui évolue si vite. Alors, voici ce que j'aimerais savoir quand j'ai commencé ma carrière: Pour exceller, il faut pouvoir revenir en arrière. Laissez-moi expliquer ...

Étape 1: Allez au-delà de la technologie. Les vaccins qui se démarquent le plus sont ceux qui nous font oublier la technologie qui en a fait une réalité. Maîtriser la technologie est important, mais le sentiment que vous représentez, le message que vous voulez transmettre, l'essence de votre prise de vue doivent parler plus fort que la technologie que vous utilisez. L'animation est une forme d'art, une forme d'expression et la technologie n'est qu'un outil.

Apprendre à maîtriser les outils est bénéfique, vous donnant la vitesse dont vous avez besoin pour être compétent et compétitif dans ce secteur. Mais être capable d'observer et d'interpréter toute action émotionnelle et / ou physique sur les gens et d'utiliser ces connaissances pour donner vie aux personnages est le véritable cœur du travail. Pour exceller, vous devez viser l'essence de ce qui est en train de filmer et ne pas vivre sur votre écran d'ordinateur.

Capturer l'essence d'un plan signifie savoir quelle sensation vous voulez évoquer dans le spectateur lorsque vous voyez votre animation. Pour que votre cliché induise un sentiment, votre personnage doit être crédible, vous devez représenter l'émotion, vous devez avoir des intentions claires. L'essence de chaque plan est enracinée dans la réalité et des actions crédibles et pour la capturer, nous devons aller au-delà de la technologie et commencer à nous observer et à observer les autres.

Étape précédente 2: recherchez le sous-texte. Tous les plans ont quelque chose en commun, que ce soit une performance ou une action, avec dialogue ou simplement pantomime, avec des bipèdes, des quadrupèdes, un sac de farine ou une boîte, peu importe. Ils ont tous deux couches: texte et sous-texte. Le texte est explicite, la ligne qui dit votre personnage ou l'action que vous êtes invité à animer, et le sous-texte est l'essence. Le vrai or. Et un peu plus compliqué à obtenir.

Les plans réussis révèlent ce qui n'est pas dit, ce que le personnage veut vraiment dire, mais ne peut pas ou ne veut pas. Les plans réussis ravivent le sous-texte. Si on vous demande d'encourager un gars qui pleure dans un bar, la première chose à faire est de vous demander: "Pourquoi?" Pourquoi ce garçon est-il là? Pourquoi pleures-tu? Pourquoi est-il seul? Vous devez vraiment creuser jusqu'à ce que vous trouviez l'intention derrière les actions et les réactions de votre personnage, pour définir ce qu'est vraiment votre coup. Quelle émotion voulez-vous que nous ressentions quand nous la voyons?

Que cela fonctionne pour vous ou pour un grand studio, vous obtiendrez parfois le sous-texte sur un plateau d'argent, mais sinon, il est crucial de savoir comment le déterrer. L'erreur que certains d'entre nous font est de courir vers l'ordinateur sans demander "pourquoi?" et nous finissons par encourager l'action et non l'intention. En fin de compte, nous obtenons un mouvement très vivant qui ne signifie rien de plus qu'un simple homme décontracté assis dans un bar.

Quel que soit le type de plan, ce que ressent le personnage affecte la façon dont il effectue ces actions. S'asseoir sur une chaise quand on est en colère devrait être différent de ce qu'on ressent quand on est heureux. Votre personnage n'a peut-être pas de dialogue, mais votre animation devrait être capable de traduire le sous-texte en actions qui parlent d'elles-mêmes.

Étape 3: rendez-le précis. Après "pourquoi" vient "comment". Chaque plan peut être animé de différentes manières. La façon dont vous posez votre personnage et la façon dont il se comporte est la façon dont vous faites apparaître l'intention du plan. Les mouvements génériques ne vous mèneront nulle part. Vous devez viser les mouvements et les poses qui décrivent le mieux l'état émotionnel de votre personnage, correspondent au sous-texte du plan et lui donnent un type de personnalité, le rendant mémorable, mémorable. Les clichés réussis sont ceux auxquels les gens peuvent s'identifier.

Pour être précis, vous devez savoir quoi faire - il y a une grande différence entre penser vous comportez-vous et comment vérité se comporter. L'observation est le nom du jeu. Walt Disney a dit un jour: "... un artiste doit être un étudiant de tout ce qui peut ou qui existe. Du frisson d'un brin d'herbe, frappé par une brise invisible, au comportement d'un clochard affamé mangeant le premier filet Depuis un enfant, essayant provisoirement de marcher pour la première fois, à un éléphant fabriquant une canette. "En effet, j'ose dire que nous devons être des Etudiants de la Vie, et dans la vie, la variation est la règle.

Dans la vraie vie, il n'y a jamais de mouvement en double exact pour la même émotion. Différentes personnes décrivent leurs émotions de différentes manières, et même la même personne peut exprimer le même sentiment de différentes manières. Si vous ne faites confiance qu'à votre imagination pour recréer de tels sentiments, vous pouvez perdre la beauté de ce que signifie être humain, différent, unique. Le fait est que les humains ne sont pas parfaits: nous avons tous nos saccades, un geste que nous faisons lorsque nous sommes en colère, une façon de marcher lorsque nous nous sentons heureux. Saviez-vous qu'il existe différents types de sourires (19 selon certaines études) et seulement six montrent de la joie? En tant qu'animateurs, nous devons observer, interpréter et sélectionner le meilleur mouvement pour représenter ce que nous voulons raconter. Plus le mouvement est spécifique, plus il devient intéressant et mémorable.

Étape 4: Entraînez-vous. Le corps humain a 206 os et plus de 650 appelés muscles squelettiques. Nous avons des psychologues comme le Dr Paul Ekman qui ont identifié six émotions de base (colère, dégoût, peur, bonheur, tristesse et surprise) ou, si vous préférez, nous avons la théorie du Dr Lisa Feldman Barrett, qui stipule que les émotions sont concepts construits par le cerveau et influencés par des expériences personnelles, l'environnement, etc. Nous avons des macro-expressions qui se répètent souvent et se conforment à ce qui est dit et au son de la voix de la personne, et des micro-expressions, qui sont très courtes et durent entre 1/15 et 1/25 de seconde, qui montrent souvent de l'émotion. cachés et sont le résultat de la répression ou de la répression. Ce que je veux dire, c'est que les humains sont des machines incroyables, difficiles à copier et encore plus difficiles à comprendre.

Ne soyez pas dupe en pensant que vous pouvez recréer un comportement humain en quelques heures assis devant l'ordinateur. Doit être capable de démontrer le poids, le processus de pensée, l'émotion et plus encore, que ce soit en déplaçant des images clés dans un éditeur graphique, en dessinant ou en déplaçant des marionnettes, etc. Donner vie à quelque chose demande de la patience et de la pratique. Cela ne devient pas plus facile à mesure que vous le faites, mais une pratique constante vous permet de maîtriser l'art de l'animation et vous permet de traverser tout le processus de réflexion beaucoup plus rapidement.

Retournez 5 - Vérifiez votre ego à la porte. La pratique peut également prendre la forme de devoir répéter le travail, soit parce que le réalisateur l'a dit, soit à cause de changements dans l'histoire, soit parce que votre idée ne fonctionne pas. Avoir les compétences nécessaires pour repenser le tir et s'adapter à ce qui est nécessaire est extrêmement nécessaire pour survivre dans cette industrie. Les problèmes commencent lorsque nous sommes tellement attachés à une idée que nous ne pouvons pas nous rendre compte que cela ne fonctionne tout simplement pas et qu'aucune pratique ne transformera une mauvaise idée en une bonne idée. C'est un problème très courant qui se produit lorsque nous passons des heures devant l'ordinateur, à regarder une scène, en refusant de la revoir. Nous devenons engourdis ou aveugles et notre jugement à ce sujet commence à s'assombrir. C'est ce que nous appelons la «vision tunnel».

Parfois, nous avons besoin d'une vérification de la réalité. L'animation est un art collaboratif, et ouvrir votre plan pour obtenir des commentaires honnêtes est un excellent moyen de voir si vous êtes sur la bonne voie ou si l'idée est bonne pour commencer. Mais gardez à l'esprit que les bonnes et les mauvaises idées sont de nature subjective et vous verrez que les ego ont du mal à déterminer ce qui est bon et ce qui ne l'est pas, en fonction de leurs préférences personnelles, la plupart du temps. Si vous avez besoin de conseils pour savoir si vous êtes sur votre chemin, voici quelque chose qu'un collègue, Daniel Rosales (3D Story Artist chez Lucasfilm Animation) aime à dire: "Vous n'avez pas à défendre une bonne idée. Elle survivra toute seule.

Comprendre que notre idée à un million de dollars n'est parfois bonne que pour nous et que personne d'autre n'est difficile à trouver, mais que notre travail doit s'adresser à un public plus large, pas seulement à nous, les créateurs. Lâcher l'ego est un bon début, tout comme une chance de recommencer. Vous devriez vous sentir à l'aise de faire cela.

En conclusion, En tant qu'animateurs, nous avons la mission presque impossible de recréer le noyau de l'être humain, de dépeindre les sentiments, les intentions, d'interpréter ce qui n'était pas dans le scénario, ce qui n'est pas dit. D'après mon expérience, la plupart des clichés qui tombent sont ceux qui ont été précipités, qui n'avaient pas de planification, n'ont pas observé la réalité, n'ont pas eu de rétroaction ou n'ont pas réussi à décrire ou à induire l'émotion correcte. Je n'ai pas pleuré parce que la fille du film a étreint sa sœur alors qu'elle était une statue de glace. J'ai pleuré parce que cela me rappelait ma sœur, pour qui je ferais n'importe quoi. J'ai pleuré parce que je me voyais dans ce personnage.

Les plans d'animation réussis ne concernent pas le mouvement lui-même, mais l'histoire derrière lui et le lien émotionnel qu'il crée avec le public. Si vous voulez que votre travail se démarque, cela doit signifier quelque chose et vous ne pouvez pas avoir peur de le faire ressentir aux gens. J'aurais aimé le savoir plus tôt: prenez du recul maintenant et quand vous le pourrez.

Bruna Berford est superviseur d'animation XR à Penrose Studios, où elle a supervisé l'animation pour l'expérience primée. La piste Arden (Prix VR au 74e Festival international du film de Venise) e allumette (Présenté au Tribeca Film Festival 2016). Avant de rejoindre Penrose, elle a travaillé en tant qu'animatrice chez Oculus Story Studio pour l'expérience gagnante aux Emmy. Harry, en tant qu'artiste cinématographique à Telltale Games et sur divers autres projets, dont la série animée Disney TV. En tant que conteuse, Bruna aime voir le monde comme des idées potentielles pour de futures histoires.