Alessandro Correa over de herinterpretatie van Medea voor animatie

Alessandro Correa is een animator, illustrator en universiteitsprofessor uit Sao Paulo, Brazilië, en wordt momenteel vertegenwoordigd als Toon Boom-ambassadeur. Alessandro is in 2010 begonnen met digitaal animeren met behulp van Toon Boom-software. Vanaf 2016 geeft hij een cursus over de principes van animatie met behulp van Harmony.

We interviewden Alessandro over zijn experimentele scriptiefilm, Medea, die u hieronder in zijn geheel kunt bekijken. Gebaseerd op Euripides 'spel met dezelfde naam, Medea verschuift tussen het hedendaagse en het oude, terwijl de tarotbeelden worden verbonden met de Griekse mythologie. In ons interview verkent Alessandro de concepten ruimte en tijd, het productieproces achter Medea en zijn advies voor onafhankelijke makers.

De Medea van Euripides dateert uit 431 v.Chr. En is vele malen geherinterpreteerd voor theater en film. Wat was deze klassieke komedie waardoor je de thema's in animatie wilde verkennen?

Ik had het stuk een paar keer gelezen en het verhaal had een groot effect op mij. Ik speelde toen met wat ideeën en concepten, maar aangezien ik niet precies kon vinden wat me ontroerde, afgezien van het verraad en de moord. Ik bleef het project uitstellen.

Ongeveer vijf jaar geleden was ik net klaar met een korte animatie genaamd Hellhounds en stond op het punt mijn meesters in de beeldende kunst te beginnen. Mijn onderzoek ging over de veranderingen in de animatieproductie in Brazilië nadat computers, software en internet eind jaren negentig aan populariteit begonnen te winnen. Het begin van de nieuwe eeuw bracht positieve veranderingen op het politieke toneel van het land. President Lula en president Dilma waren in staat om een ​​niveau van financiële stabiliteit en sociale ontwikkeling te bieden waardoor grote aantallen mensen toegang hadden tot computers. Digitale animatie, met name onafhankelijke animatie, is sneller en goedkoper geworden om te produceren, en nieuwe programma's hebben het aantal films in het algemeen doen toenemen, waardoor er behoefte is aan wet- en regelgeving om de productie te stimuleren.

Om de impact van die veranderingen in de animatiescène beter te kunnen bestuderen, voelde ik de behoefte om een ​​film te maken die me zou helpen het proces van binnenuit te zien. Medea sprong achteruit.

Ik herlees het stuk en realiseer me dat wat me naar dat verhaal dreef, de "transits" waren die het personage op de pagina's uitvoerde. Medea leek altijd door het paleis te bewegen. Aan het einde van het stuk is hij in ballingschap en vlucht hij het land uit in een koets. Haar serveerster en zelfs het koor waren ook buitengewoon dynamisch, ontroerend, gaan plaatsen, bemoeiden zich en gaven commentaar op het verhaal.

Zoals je in je vraag zei, gaat Medea ook buiten het stuk, meer dan tweeduizend jaar na het schrijven ervan. Hij is een pop-icoonfiguur in veel strips, films en schilderijen.

Het idee van doorvoer, verandering, beweging, geassocieerd met de dramatische charme van het verhaal, hielp me de nieuwe beweging in de Braziliaanse animatiescène te begrijpen.

Wat waren enkele van de invloeden achter de visuele stijl van deze korte film, in animatie en kunst?

Omdat mijn onderzoek zich richtte op de impact van digitale technologie in animatie, heb ik in de korte film elementen van mijn proefschrift toegevoegd. Toen ik begon te spelen met oude computerprojecten, televisies, enz., Breidde het verhaal zich uit tot een ineenstorting van de ruimte-tijd. Elementen van het oude Grieks werden bovenop artefacten uit de 20e eeuw gelegd en Medea ontwikkelde het vermogen om op verschillende niveaus van de werkelijkheid te bewegen. Het koninklijk paleis is bijvoorbeeld verdeeld in twee verschillende koninkrijken, het ene oud, het andere stedelijk en modern.

Elk element in elke scène werd drie keer getekend - één tekening, elke twee frames - en geanimeerd in een continue cyclus, waardoor een trilling ontstond alsof parallelle dimensies altijd op instorten stonden.

Ik gebruikte effen kleuren in beperkte tinten blauw, roze, zand en geel, geïnspireerd op oude CGA-pallets. De referenties op de tv waar Jason naar kijkt, zijn afkomstig van mijn ervaring met televisiekijken in de jaren tachtig.

Aangezien het verhaal van Medea bekend is, dacht ik dat het zinloos zou zijn om hetzelfde verhaal op een lineaire en naturalistische manier na te vertellen. In eerste instantie ontdekte ik dat het surrealisme een goede inspiratiebron was… maar het was ook een beetje te duidelijk. Toen ik verder terug in de tijd ging, kwam ik 1886e-eeuwse symboliek tegen. Hun manifest, gepubliceerd in XNUMX, stelde dat waarheid alleen kan worden gevonden in subjectieve ervaring, daarom moeten menselijke activiteiten, de wereld, de realiteit en gebeurtenissen niet worden weergegeven als de dingen zelf, maar als de effecten die ze produceren.

Dit was de sleutel die ik zocht om de mogelijkheden in deze animatie te ontsluiten.

Neem in uw portfolio tarotbeelden op naast stilstaande beelden uit de film. Hoe werden tarotkaarten gebruikt om de beelden van de film te beïnvloeden en verbanden te leggen met de mythologie van de komedie?

Medea was een tovenaar. Toen ik erover nadacht hoe oude magie een rol kon spelen in de film, kwamen een paar ideeën bij me op: kaarten, botten, runen en de dierenriem. Tarotkaarten zijn een goede keuze geworden. Door de kaarten kon ik wat onvoorspelbaarheid aan het proces toevoegen.

Door de manier waarop de kaarten worden gespeeld, konden sommige ideeën willekeurig worden gemengd. Bij een tarotlezing zal de waarzegger zijn kennis van symbolische elementen, gecombineerd met intuïtie, gebruiken om de beelden die verschijnen volgens een kosmische wil te interpreteren. De kracht achter lezen is het verlangen om orde te vinden in de chaos van willekeurige beelden.
Ik verzamelde de 22 hoofdkaarten van de beroemde Marseille-tarot, waarvan werd aangenomen dat deze rond de 15e eeuw was gemaakt, en begon ermee te spelen, waarbij ik hun ontwerpen en verschillende elementen in de samenstelling ervan analyseerde. Op een semi-willekeurige manier begon ik de kaarten te lezen, te oefenen en te lezen terwijl ik op zoek was naar verbanden tussen hun afbeeldingen en het verhaal.

Na een tijdje werd Medea geassocieerd met zowel de Dwaas, kaartnummer zonder nummer, als de Tovenaar, kaart nummer 1. Jason was gekoppeld aan kaart nummer 15, de Duivel. De meid in het verhaal, evenals het koor, werden samengevoegd met kaart nummer 13, Death. Als ik de keizer of de paus als Jason had gehad, of misschien de beul of de gerechtigheid voor Medea, zou het verhaal een andere wending hebben genomen in termen van ontwerp en zelfs narratief.

De scenografie werd ook bepaald door een combinatie van kaarten: de scène waarin Medea verandert in een roofvogel en haar eieren vernietigt, werd genomen uit een reeks kaarten: de maan, de toren en de zon.

Ik moest de film aandachtig bekijken om de basiselementen van het stuk op te merken: de vergiftigde jurk, de dood van Medea's kinderen en een taxi als Helios 'wagen. Welke plotelementen vond u het belangrijkst om op te nemen of om naar te verwijzen?

Jason maakte het uit met Medea om met de prinses te trouwen, gevolgd door de vergiftiging van de koninklijke familie, de moord op kinderen en Medea's ballingschap zijn de belangrijkste gebeurtenissen in het stuk. Dit zijn de beslissende momenten. Zonder hen was het verhaal gewoon iets anders geworden, dus op een gegeven moment moesten ze worden getoond. Maar aangezien ik op zoek was naar symboliek in de visuele elementen, moest ik proberen hetzelfde te doen met het verhaal zelf. Ik stopte met het schrijven van het script en begon te werken met enkele eenvoudige storyboard-schetsen, met behulp van de directe animatiemethode zonder sleutelposities. Op die manier wist ik nooit hoe lang elke scène zou duren.

Ik heb de short gebeld Medea, zoals het spel. Een naam vol betekenis, die meteen doet denken aan het hele drama van de wraakzuchtige tovenaar. Het resultaat is, denk ik, een opeenvolging van droomscènes waarin de kijker wordt meegenomen door objecten, plaatsen en personages vol esoterische energie, vloeiende en levendige ruimtes en een ongrijpbaar verhaal.

Hoe was het productieproces van Medea, hoe lang duurde de korte film en hoeveel artiesten waren erbij betrokken?

Het kostte me ongeveer anderhalf jaar om de film af te maken. Ik werkte alleen aan de afbeeldingen voor animatie en gebruikte mijn vrije tijd. Terwijl ik aan Medea werkte, interviewde ik ook andere animators, reisde ik naar verschillende steden om ze te ontmoeten, woonde lessen bij, freelancen als motion graphics-ontwerper en schreef ik het proefschrift.

De groep mensen die bij het proces betrokken was, was erg klein, slechts vier, waaronder ik:

Gavin Folger, een vriend uit Madison, Wisconsin, gaf me de muziek. We hebben al aan andere projecten gewerkt en hij stuurt me altijd nieuw materiaal dat hij produceert.
Horacio Velásquez was de uitgever. Hij was mijn universiteitsprofessor tijdens mijn tijd als student film en tv. We blijven ook samenwerken aan verschillende projecten.
Murillo Denardo hij was verantwoordelijk voor de geluidseffecten. We maakten kennis met een gemeenschappelijke vriend.

Welke scène was technisch of artistiek het meest stimulerend?

Waarschijnlijk de laatste. Het was het einde van een lang proces, zowel in de film als in het proefschrift. Er waren deadlines om te halen, onzekerheid over het proces en het algemene drama van het werken in een onafhankelijke productie - de personages lijken een eigen leven te leiden. Op een gegeven moment realiseer je je dat je veel meer tijd doorbrengt met fictieve geanimeerde personages dan met echte mensen.

Bovendien had de film een ​​verhalende stroom die op het laatste moment abrupt stopt. Medea verhuist van haar oude Griekse werkelijkheid naar de moderne. Hij neemt een gele taxi - de wagen die zijn grootvader, de zonnegod heeft gestuurd - en rijdt weg. Zijn schaduw komt binnen en bedekt het hele tafereel met zijn donkere mantel. Dat moment komt plotseling, zonder aankondiging of grote climax. In zekere zin is het een einde tegen de climax. Het idee was om het publiek door een wazige lijn, een proto-verhaal, een weggelopen verhaal te leiden ... en het dan halverwege te snijden, alsof de kijker, die Medea niet kan volgen naar haar nieuwe positie, alleen uit de trance zou ontwaken. op tijd om te vragen: "Wat is er net gebeurd? Wat heb ik gezien?"

Welke Harmony-functies waren het nuttigst in het productieproces? Waren er softwarefuncties die u hebt geleerd tijdens het werken aan de film?

Mijn eerste contact met Toon Boom vond plaats rond 2005 of 2006, misschien toen het programma in Brazilië arriveerde. Een vriend ging naar een demonstratie en een seminar en begon eraan te werken. Rond 2010 voltooide ik een korte film getiteld Siderische voetbalclub. Hij won een prijs voor beste mixed media en de prijs was een Toon Boom-softwarelicentie.

Ik begon het te ervaren.

Na een tijdje volgde ik een cursus van twee weken en leerde het uiteindelijk aan mijn studenten in een klas genaamd 12 Principles of Animation.

Voor Medea - en een paar andere korte films die ik heb gemaakt - heb ik Harmony gebruikt in een directe animatiemethode, waarbij ik elk frame ontwierp met een tabletop tablet, zonder me al te veel zorgen te maken over de nauwkeurigheid, om het een soort rauw uiterlijk te geven.

Heb je enig advies voor animators en artiesten die hun eigen korte films willen maken?

Als je met indie-animatie werkt, zorg er dan voor dat je het verhaal vertelt dat JE WILT, zoals je het wilt vertellen. Stel je voor hoe je het zou willen hebben gezien, als het door iemand anders was gemaakt.

Vergeet tijdens de productie de kijkers, de critici, het platform waarop het zal worden gespeeld. Als je iets probeert te doen om indruk op anderen te maken, of een markt of groep te bereiken, zul je waarschijnlijk een dubbele dosis problemen en zorgen hebben, omdat de smaak van een publiek onvoorspelbaar kan zijn. Zorg ervoor dat u tevreden bent met de resultaten. Concentreer u niet te veel op mogelijke fouten die u onderweg maakt of als de animatie niet perfect of ideaal is. Blijf zoveel mogelijk verbeteren en leren. Corrigeer fouten in de volgende, verspil geen tijd meer aan een voltooid project.

Onafhankelijke films zijn een geweldige manier om een ​​portfolio te maken, deel te nemen aan festivals en gerelateerde geesten te ontmoeten. Zoek en begrijp het soort verhalen dat je wilt vertellen. Vraag of je verhaal verteld moet worden en wat het betekent in de wereld van vandaag.
Eindelijk: waag je kans en heb plezier. Experimenteer met verhalen vertellen, verhalen vertellen, design, ritme, het is tenslotte jouw visie.

Benieuwd naar meer van Alessandro Correa? Zorg ervoor dat je zijn portfolio en Behance-pagina's bezoekt om zijn werk in animatie te zien, evenals previews van een rotoscoopproject dat hij met zijn studenten maakt.